http://www.setdart.com/ Los lotes más recientes en Setdart.com subastas de Arte, la primera subasta online de España para pintura, escultura, joyeria, arqueologia, mobiliario, antiguedades, lámparas. Autenticidad, seguridad y confianza garantizadas http://www.setdart.com/themes/setdart/images/logoblock.gif http://www.setdart.com/ es-SP Collar gargantilla en oro amarillo de 18 kts. Frontis con tres esmeraldas, talla cabujon oval, con un peso total de ca. 21 cts. y ochenta y ocho diamantes, talla brillante, de ca. 2,64 cts. Peso en oro del collar: ca. 88,8 gr Medidas: 46 cm (largo total del collar), 6 x 3 cm (frontis), 0,7 cm (ancho cadena) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104303.html 2010-02-09 12:18:16 Escuela española del siglo XVII. “Pareja de ángeles”. Óleo sobre lienzo. Reentelados en el siglo XIX. Bastidores posteriores, siglo XIX. Marcos tallados, posteriores. Medidas: 85 x 52 cm; 107 x 74 cm (marco). Pareja de lienzos con ángeles portadores de símbolos e instrumentos de la Pasión. Uno de ellos sostiene el látigo con el que Cristo fue azotado, y el otro porta en una bandeja la oreja cortada de Malco, acompañada por la espada que la cercenó. Este tipo de elementos, que suelen representarse junto al resto de instrumentos de la Pasión de Cristo (cruz, corona de espinas, clavos, lanza, etc.) son la expresión de todos los sufrimientos que, como piezas de un rompecabezas, conformaron el mosaico de la Pasión de Jesús. Ellos materialmente recuerdan al fuel otros signos o elementos igualmente dolorosos: el abandono de los apóstoles y discípulos, las burlas, los salivazos, la desnudez, el aparente silencio de Dios. La Pasión revistió los tres niveles de dolor que todo ser humano puede soportar: físico, psicológico y espiritual, y a todos ellos Jesús respondió perdonando y abandonándose en las manos de su Padre. En este sentido, es corriente la representación de ángeles dolientes portando estos símbolos, como recuerdo dramático del sacrificio de Dios por la humanidad. Mientras que en el caso del látigo el significado teológico está claro, el de la oreja de Malco es algo más complejo. Pedro, cuando los soldados y autoridades rodeaban a Jesús para detenerlo, sacó su espada y cortó la oreja derecha al siervo del sumo sacerdote judío, Malco. Ante esto, el Hijo le dijo a su discípulo: “mete la espada en la vaina. La copa que el Padre Me ha dado, ¿acaso no he de beberla?” (Juan 18:11). Por tanto, este símbolo representa la aceptación de Jesús de su propio destino, el carácter voluntario y consciente de su sacrificio. Formalmente, estos dos lienzos se enmarcan dentro de la corriente naturalista que dominó, junto al clasicismo de los Carracci, el primer barroco español. Así, las figuras se presentan en un espacio indefinido y neutro, en primerísimo plano, siguiendo una composición sobria, clara y ordenada. El colorido se desarrolla en torno a los tonos carmines, ocres y terrosos típicos de la escuela caravaggista, y la luz es totalmente tenebrista, efectista y dirigida, a modo de foco, creando expresivos contrastes de luces y sombras. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104576.html 2010-02-09 12:18:24 TÀPIES PUIG, Antoni (Barcelona, 1923). “Visca Catalunya”, 1972. Litografía a color. Doblada por el centro. Medidas: 37,8 x 54,9 cm. Obra realizada para la revista artística francesa “Derrière le Miroir”. Tàpies se inicia en el arte durante la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar. Progresivamente se dedicará con mayor intensidad al dibujo y a la pintura, y finalmente deja sus estudios de Derecho para dedicarse por completo al arte. Cofundador de “Dau al Set” en 1948, empieza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras realizar su primera muestra individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. A raíz de su exposición individual de 1953 en la galería neoyorquina de Martha Jackson, se afianza su proyección internacional. Ha obtenido premios como el Príncipe de Asturias, El Praemium Imperiale de la Japan Art Association, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antológicas en Tokio, Nueva York, Roma, Ámsterdam, Madrid, Venecia, Milán, Viena y Bruselas. Está representado en los principales museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, los Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Museo de Arte Fukoka de Japón, el MOMA de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103429.html 2010-02-09 12:04:43 MATISSE, Henri (Francia, 1869 – 1954). “Tête de femme”, 1920. Grabado xilográfico sobre papel Velín du Marais. Firmado a lápiz. Medidas: 25 x 19 cm; 46 x 36 cm (marco). Editado en París por Les Éditions des Les Cahiers hui, de Georges Besson, en 1920. Henri Matisse es una de las figuras más destacadas de la vanguardia de principios de siglo, conocido por su uso del color y por su original y fluido dibujo. Reconocido como uno de los grandes artistas del siglo XX, al inicio de su carrera se identificó con el fauvismo, pero en los años veinte ya se había destacado por un personal lenguaje basado en el uso expresivo del color y de la línea, que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Matisse se formó en París, en la Academia Julian y en la Escuela de Bellas Artes, donde tuvo como maestro a Gustave Moreau. Su estilo inicial evidencia ciertas influencias impresionistas, llegando a practicar esporádicamente el divisionismo. Hacia finales de siglo en sus obras está presente el influjo de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y centró su lenguaje en el fauvismo: supresión de detalles, tendencia a la simplificación y color expresivo, sensual y aparentemente aleatorio. Henri Matisse está representado en los museos que llevan su nombre en Niza y Le Cateau-Cambresis, así como en las más destacadas colecciones de arte moderno de todo el mundo, entre ellas los Museos Guggenheim, el MoMA y Metropolitan de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la Tate y la National Gallery de Londres, el Centro Georges Pompidou de París, la Kunsthaus de Basilea, el Palacio Ruspoli de Roma, el Museo Pushkin de Moscú y el Albertina de Viena. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103603.html 2010-02-09 12:17:48 Sortija en oro blanco de 18 kts. Frontis con nueve zafiros, talla esmeralda, peso ca. 1'20 cts., origen Siam, color azul transparente profundo, 1ª calidad, montados con grapas. Medidas: 19 mm (diámetro interior) y 6 mm (ancho frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103867.html 2010-02-09 12:23:56 Mortero de costillas en bronce. España, siglo XVII. Mano de almirez posterior. Medidas: 14,5 cm de diámetro; 14 cm de altura. Los llamados morteros de costillas son aquellos que presentan, a lo ancho del recipiente, motivos verticales en relieve, figurativos o no, destinados a hacer más fácil el agarre de la pieza durante su uso. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105323.html 2010-02-09 12:32:18 Pistola triplete del siglo XIX. Empuñadura de madera con fileteados de plata. Medidas: 27 cm de longitud. Pistola triplete con la culata ricamente decorada con fileteados de plata embutida, formando delicados roleos y tornapuntas. Hasta el siglo XIX, la pistola emplea básicamente los mismos mecanismos de disparo que los mosquetes y fusiles antiguos: mecanismo de rueda en los siglos XVI y XVII, de chispa en el XVIII y primera parte del XIX, y de percusión al aparecer este tipo de mecanismo a principios del XIX. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104185.html 2010-02-09 11:53:43 Bastón de principios del siglo XIX. Con empuñadura de marfil y caña de ébano. Medidas: 88 cm de longitud. Bastón con caña de ébano y empuñadura de marfil tallado. Ésta toma la forma de una cabeza masculina típica de la época, con patillas y cuello alto. El gesto serio y solemne del personaje, junto a la cuidada caracterización de los rasgos, recuerda a la retratística romana, importante fuente de inspiración para los escultores del momento. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104224.html 2010-02-09 11:53:33 Pistola avispero del siglo XIX. Empuñadura en madera con nácar y plata. Medidas: 23 cm. Las pistolas avispero eran armas de diseño compacto y cañón ancho, pensadas para utilizarse con una sola mano, que disparaban balas de corto alcance. Hasta el siglo XIX, la pistola emplea básicamente los mismos mecanismos de disparo que los mosquetes y fusiles antiguos: mecanismo de rueda en los siglos XVI y XVII, de chispa en el XVIII y primera parte del XIX, y de percusión al aparecer este tipo de mecanismo a principios del XIX. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104228.html 2010-02-09 11:53:31 Bastón del siglo XIX. Con empuñadura de marfil y asta de toro y caña de ébano. Medidas: 97 cm de longitud. Este bastón presenta una curiosa estructura que combina el resistente ébano de la caña con una empuñadura formada por dos partes, la inferior en marfil tallado con un ave en bulto redondo y la superior, el apoyo para la mano, trabajada en asta de toro. Al concentrar la decoración tallada en la zona baja de la empuñadura se logra, por un lado, una mayor comodidad y, por otro, que la talla sea siempre visible, al no quedar cubierta por la mano. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104278.html 2010-02-09 11:53:08 Pistola de doble cañón de la Fusela, siglo XIX. Hierro y metal. Medidas: 16,5 cm. Pistola de doble cañón y punto de mira, con diseño compacto y pensada para utilizarse con una sola mano. Hasta el siglo XIX, la pistola emplea básicamente los mismos mecanismos de disparo que los mosquetes y fusiles antiguos: mecanismo de rueda en los siglos XVI y XVII, de chispa en el XVIII y primera parte del XIX, y de percusión al aparecer este tipo de mecanismo a principios del XIX. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104281.html 2010-02-09 11:53:06 Bastón del siglo XIX. Con empuñadura de marfil y caña de ébano. Medidas: 86 cm de longitud. Bastón con caña de ébano y empuñadura de marfil tallado de temática cinegética, corriente en este tipo de piezas. En ella aparecen dos perros de caza agazapados entre las altas hierbas, en el momento previo a saltar sobre una pieza. La talla de la vegetación es sencilla y sintética, muy volumétrica, mientras que en los cuerpos de los animales se torna más delicada y lisa, buscando un expresivo contraste de texturas. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104318.html 2010-02-09 11:52:46 Pistola de doble cañón del siglo XIX. Hierro y madera. Medidas: 23 cm de longitud. Pistola de doble cañón y punto de mira, con diseño compacto y pensada para utilizarse con una sola mano. Hasta el siglo XIX, la pistola emplea básicamente los mismos mecanismos de disparo que los mosquetes y fusiles antiguos: mecanismo de rueda en los siglos XVI y XVII, de chispa en el XVIII y primera parte del XIX, y de percusión al aparecer este tipo de mecanismo a principios del XIX. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104321.html 2010-02-09 11:52:43 MIRÓ I FERRÀ, Joan (Barcelona, 1893 – Palma de Mallorca, 1983). “El tapís de Tarragona”. Litografía H.C., ejemplar III/XXV. Firmada con sello seco. Edición especial editada por la Sala Gaspar de Barcelona. Medidas: 29,7 x 44 cm; 50 x 65 cm (marco). Joan Miró se forma en Barcelona, y debuta individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se traslada a París y se encuentra con Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de los poetas y pintores surrealistas, va madurando su estilo; trata de trasponer a lo visual la poesía surrealista, basándose en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, supone su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquiere dos obras suyas. Regresa a España en 1941, y ese mismo año dicho museo le dedica una retrospectiva que supondrá su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia de y de la Fundación Guggenheim en, el Carnegie de Pintura en, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de las Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París o la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104514.html 2010-02-09 12:19:36 HERNÁNDEZ PIJUAN, Joan (Barcelona, 1931 – 2005). “Composición”, 1973. Litografía, ejemplar 42/75. Firmado, fechado y numerado a mano. Medidas: 75,5 x 55 cm; 88,5 x 67,5 cm (marco). Formado en la Escuela de La Lonja, junto a sus compañeros del Grupo Sílex formó la denominada Escuela de Barcelona. Expuso individualmente en diversas ciudades españolas además de en Zurich, Milán, Johannesburgo, Colonia, Ginebra, Nueva York, París y Osaka. Fue catedrático y decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, y desde el año 2000 es académico en la Real Academia de San Fernando de Madrid. En 1981 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1985 la Cruz de Sant Jordi y, en 2004, el premio Ciudad de Barcelona. Está representado en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, el de Arte Abstracto Español de Cuenca, el Reina Sofía de Madrid, el Museo Patio Herreriano de Valladolid y el Museo Vasco de Arte Contemporáneo, así como en centros extranjeros como el Museo Liaunig (Austria), los de Arte Contemporáneo de Helsinki y Luxemburgo, el Kulturstiftung de Bad Homburg (Austria) y el Museo Sztuki de Lodz (Polonia). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104878.html 2010-02-09 11:42:18 MIRÓ I FERRÀ, Joan (Barcelona, 1893 – Palma de Mallorca, 1983). “Miró el tapís de Tarragona”. Litografía, ejemplar 85/100. Firmada con sello seco. Edición especial editada por la Sala Gaspar de Barcelona. Medidas: 29,7 x 44 cm; 50 x 65 cm (marco). Joan Miró se forma en Barcelona, y debuta individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se traslada a París y se encuentra con Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de los poetas y pintores surrealistas, va madurando su estilo; trata de trasponer a lo visual la poesía surrealista, basándose en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, supone su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquiere dos obras suyas. Regresa a España en 1941, y ese mismo año dicho museo le dedica una retrospectiva que supondrá su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia de y de la Fundación Guggenheim en, el Carnegie de Pintura en, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de las Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París o la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104890.html 2010-02-09 11:42:15 MIRÓ I FERRÀ, Joan (Barcelona, 1893 – Palma de Mallorca, 1983). “Miró el tapís de Tarragona”. Litografía, ejemplar 4/100. Firmada con sello seco. Edición especial editada por la Sala Gaspar de Barcelona. Medidas: 29,7 x 44 cm; 50 x 65 cm (marco). Joan Miró se forma en Barcelona, y debuta individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se traslada a París y se encuentra con Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de los poetas y pintores surrealistas, va madurando su estilo; trata de trasponer a lo visual la poesía surrealista, basándose en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, supone su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquiere dos obras suyas. Regresa a España en 1941, y ese mismo año dicho museo le dedica una retrospectiva que supondrá su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia de y de la Fundación Guggenheim en, el Carnegie de Pintura en, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de las Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París o la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104894.html 2010-02-09 11:42:12 TÀPIES PUIG, Antoni (Barcelona, 1923). “Composición”. Litografía, ejemplar 78/100. Firmado y numerado a mano. Medidas: 37,5 x 51 cm. Antoni Tàpies ha realizado exposiciones por todo el mundo, en destacadas galerías y en museos como el Guggenheim de Nueva York o el de Arte Moderno de París. Cuenta entre sus galardones con premios como el Príncipe de Asturias, El Praemium Imperiale de la Japan Art Association, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antológicas en Tokio, Nueva York, Roma, Ámsterdam, Madrid, Venecia, Milán, Viena y Bruselas. Está representado en los principales museos nacionales e internacionales, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, los Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Museo de Arte Fukoka de Japón, el MOMA de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104938.html 2010-02-09 11:41:32 TÀPIES PUIG, Antoni (Barcelona, 1923). “Composición”. Litografía, ejemplar 78/100. Firmado en plancha y a mano. Medidas: 37,5 x 51 cm. Antoni Tàpies ha realizado exposiciones por todo el mundo, en destacadas galerías y en museos como el Guggenheim de Nueva York o el de Arte Moderno de París. Cuenta entre sus galardones con premios como el Príncipe de Asturias, El Praemium Imperiale de la Japan Art Association, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antológicas en Tokio, Nueva York, Roma, Ámsterdam, Madrid, Venecia, Milán, Viena y Bruselas. Está representado en los principales museos nacionales e internacionales, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, los Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Museo de Arte Fukoka de Japón, el MOMA de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104941.html 2010-02-09 11:41:28 COLOMER COMAS, Josep (Sant Feliu de Pallerols, Gerona, 1935). “Día gris. San Miguel de Pineda”, 1972. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 38 x 46 cm; 58 x 65 cm (marco). Josep Colomer fue un importante paisajista de la Escuela de Olot, maestro de pintores como Hidalgo Portero o su hijo, Fermín Colomer. Participó en la confección de escenografías teatrales, y restauró los frescos de la iglesia de su pueblo natal. Formó parte del “Grupo 7 de Color”, fundado en 1997, junto con T. Pons, J. Mª Solà, J. Ferres, C. Tenas, F. Contreras y E. Rubió. Mediante su habitual pincelada movida y direccional, de gran densidad pictórica, Colomer plasma la atmósfera fría de un día gris destacando sin embargo las infinitas tonalidades que parecen cobrar vida bajo el cielo plomizo. Sin romper la continuidad atmosférica, el pintor centra su atención en los efectos de la luz y la humedad sobre el bosque, la hierba y el camino: toques verdes llenos de vida realzados sobre fondos de tonalidades oscuras y opacas, pinceladas blancas salpicando la vegetación, una amplísima gama de tonos marrones y rojizos aportando densidad y presencia al lado izquierdo del camino, el propio gris luminoso de éste, sutilmente matizado con verdes y negros, etc. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104979.html 2010-02-09 12:30:01 TURIN, André (Francia, finales del siglo XIX – principios del XX). “Paisaje”. Óleo sobre tablex. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 33 x 41 cm; 42 x 50 cm (marco). Pintor principalmente paisajista, André Turin desarrolló su carrera en París. Se cree, asimismo, que trabajó junto a Claude Monet en Barbizon. Exhibió sus paisajes en el Salón de los Artistas Franceses y en el Salón de los Independientes, ambos en París, a partir de 1904. Este óleo de Turin muestra la especial sensibilidad cromática que caracterizó el lenguaje pictórico de este artista, fuertemente influenciado por los impresionistas. De hecho, aquí aplica las teorías cromáticas que ellos defendían, plasmando las sombras con tonos complementarios en lugar de neutros, aportando a la imagen un aspecto naturalista y de mayor profundidad. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105022.html 2010-02-09 11:40:01 CASAUS, Jesús (Barcelona, 1926 – 2002). “Calle de Tánger”. Óleo sobre cartón. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 74 x 54 cm. Casaus fue uno de los artistas figurativos más prestigiosos del panorama español e internacional de la segunda mitad del siglo XX. Si bien inicia su lenguaje dentro del modernismo barcelonés que reinaba durante sus años de formación, su estilo irá evolucionando hacia un carácter más expresivo y gestual. En 2008 se celebró una exposición antológica en su honor en el Real Círculo Artístico de Barcelona, y en Cudillero, Asturias, se celebra desde 2005 un certamen nacional de pintura que lleva su nombre. Se conserva obra de Jesús Casaus en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. En este lienzo, el pintor combina su habitual sensibilidad lumínica con una visión plenamente cromática de la ciudad de Tánger, cuyos rincones retrata a base de amplias manchas de color, matizadas por una pincelada densa, de trazos cortos y precisos. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105026.html 2010-02-09 12:21:41 Escuela española de finales del siglo XIX. “Bodegón”, ca. 1890. Óleo sobre lienzo. Medidas: 47 x 65 cm; 65 x 84 cm (marco). En este bodegón se combinan la corrección formal académica, de firme dibujo y estudiada iluminación, con un sentido de exhuberancia barroca, heredado de los grandes maestros españoles y holandeses. Destaca asimismo la factura, deshecha y principalmente colorista, que configura las calidades de los objetos de forma puramente visual, a la vez que crea un ágil ritmo de lectura más allá de la mera representación realista. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105156.html 2010-02-09 12:19:38 Escuela española de finales del siglo XIX. “Flores”. Pareja de óleos sobre lienzo. Firmados “J. Feria”. Medidas: 37 x 18 cm; 46,5 x 27,5 cm (marco). Estos dos lienzos presentan las flores enmarcadas en un entorno natural, como si hubieran sido retratadas en la propia rama. El autor deja atrás la representación tradicional del florero para plasmar las flores sobre un elaborado fondo de vegetación que realza su colorido natural. En ambas pinturas la protagonista es la rosa, acompañada de diversas otras flores, como claveles, campanillas y otras silvestres. La factura, deshecha pero precisa y controlada, define con naturalismo las formas y los volúmenes, apoyándose en un detenido estudio lumínico. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105163.html 2010-02-09 12:19:18 Escuela española de mediados del siglo XX. “Calle árabe”. Óleo sobre tabla. Firmado “J. Martínez Pedrajas” en el ángulo inferior izquierdo.. Medidas: 30 x 22,5 cm; 51,5 x 44 cm (marco). Siguiendo la estela de los pintores españoles de temas orientalistas de finales del siglo XIX, como Fortuny o Domínguez Bécquer, el autor de este óleo centra su atención en el colorido y la luz del lugar. Compone la escena a través de masas cromáticas, que absorben y reflejan la luz configurando una atmósfera cálida y rica en matices. A la manera impresionista, el pintor plasma el claroscuro mediante las yuxtaposición de tonos complementarios, obteniendo un resultado naturalista y, a la vez, de gran profundidad. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105259.html 2010-02-09 11:52:42 Globo terráqueo. España, años 40. Sobre base de madera. Buen estado de conservación. Medidas: 45 cm de altura. Globo terráqueo policromado, sobre una base de madera tallada con pie gallonado y vástago estriado. Presenta indicaciones geográficas y políticas, con las fronteras marcadas mediante diferentes colores. Incluye meridianos y paralelos, así como indicaciones sobre las mareas y las rutas comerciales marítimas. Su soporte giratorio inclinado permite una mejor apreciación de la rotación de la tierra y el cambio de las estaciones. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105267.html 2010-02-09 12:32:09 FRANCÉS SÁNCHEZ-HEREDERO, José (Madrid, 1863 – 1964). “Paisaje” y “Jardín”, 1937 y 1942. Pareja de acuarelas. Firmadas y fechadas en el ángulo inferior derecho. Medidas: 62 x 47 cm; 68 x 52 cm (marco). Dibujante y acuarelista, José Francés fue crítico de arte en "La Esfera", alcanzando un notable prestigio que le condujo a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Fue un destacado impulsor del dibujo de humor y la caricatura, escribiendo además diversos libros sobre el tema. Creó el Salón de los Humoristas en Madrid (1914-1933), y colaboró con sus dibujos en "¡Ahí Va!", "Gedeón", "Vida Galante", "El Liberal", "Gente Conocida", etc. Utilizó el seudónimo "Córcholis", y firmó numerosos artículos como Silvio Lago. Entre sus libros cabe reseñar "El humorismo y los Salones de Humoristas" (1911), "La caricatura española contemporánea" (1913), "Los Salones de Humoristas: su carácter, su significación, su evolución, sus consecuencias" (1920), "El mundo ríe: la caricaruta universal en 1920" (1921), "El arte que sonríe y que castiga. Humoristas contemporáneos" (1924) y "La caricatura" (1930). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105330.html 2010-02-09 12:21:11 Escuela catalana, ca. 1920. “Jardín con arquitectura”. Óleo sobre lienzo. Medidas: 66 x 52 cm; 83 x 71 cm (marco). En este paisaje confluyen dos de las principales preocupaciones de los pintores paisajistas catalanes de finales del siglo XIX y principios del XX: la captación realista del natural y la especial atención a los aspectos cromático y lumínico. El pintor retrata el rincón de un jardín palaciego, un camino que lleva al monumental mirador situado al fondo de la composición, cuyos arcos permiten un amplio desarrollo en profundidad. Los primeros planos aparecen en sombra, protegidos por los muros y la vegetación, pero la cálida luz dorada de la parte superior ilumina de lleno el mirador, creando sutiles juegos de claroscuro que aportan entidad al espacio en la distancia. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105354.html 2010-02-09 11:59:30 Arca de caudales. España, ca. 1860. Hierro forjado. Medidas: 51 x 27 x 29 cm. Arca de caudales en hierro forjado, reforzada al exterior por bandas cruzadas del mismo material, fijadas mediante clavos. Presenta una cerradura oculta, como es normal en este tipo de piezas. Aquí aparece disimulada por una de las bandas de refuerzo de la tapa, que se desplaza a un lado para mostrar el ojo de la cerradura. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105503.html 2010-02-09 12:14:58 PALLARÉS ALLUSTANTE, Joaquín (Zaragoza, 1853 – 1935). “Boulavard de París”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 54 x 67 cm; 64 x 77 cm (marco). Joaquín Pallarés inició su formación en la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza, donde fue discípulo de Antonio José Palao Marco. Continuó sus estudios en la Escuela Especial de Pintura de Madrid, bajo la tutela de Vicente Palmaroli y Pablo Gonzalvo. Amplió su formación en París, donde permaneció hasta su traslado a Roma, en 1881. A su regreso, en 1886, fue nombrado profesor de Dibujo del Antiguo en la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza, además de conservador del Museo de Antigüedades. En 1897 deja estos cargos para desplazarse de nuevo a París, contratado por Adolphe Goupil, uno de los más destacados marchantes de arte del momento. En 1906 regresa a España, instalándose en primer lugar en Barcelona y finalmente, durante sus últimos años, en Zaragoza. Pallarés Allustante concurrió asiduamente a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de Madrid, obteniendo tercera medalla en 1895 y 1900. Su pintura abarcó casi todos los géneros, desde el retratos y las composiciones murales de carácter religioso o decorativo (iglesia de Santa Engracia, Teatro Principal de Zaragoza) hasta el paisaje. Sin embargo cultivó principalmente la pintura de casacones, obras de pequeño formato y ambientación dieciochesca siguiendo la moda imperante en Europa durante el último cuarto del siglo XIX, cuadros que rememoraban el ambiente refinado y alegre del Antiguo Régimen que tanto entusiasmaba ala burguesía novecentista. Pallarés Allustante adquirió una gran reputación como pintor de lienzos preciosistas de herencia fortunyana, e incluso el rey Alfonso XII llegó a adquirir, en 1881, una obra suya titulada “Un pastor romano”. Está representado en el Museo del Prado y en el de Arte Moderno de Madrid, así como en importantes galerías extranjeras. En este lienzo, Pallarés Allustante capta el dinamismo, la agitación y el ambiente alegre de una escena cotidiana, ubicada en una gran avenida de París. La suya es una técnica vigorosa y colorista, de ejecución depurada, que da como resultado imágenes de factura minuciosa, plagas de detalles que enriquecen la composición y apoyan el sentido narrativo. Destacan asimismo los valores cromáticos y lumínicos. El pintor hace gala de una fina sensibilidad cromática, combinando tonalidades frías bajo una luz cálida y suave, de tintes dorados, a la vez que juega con la yuxtaposición de tonalidades intensas, como el negro del vestido de la dama del primer plano, con otras más leves y matizadas. Con vibrante ejecución combina libertad y luminosidad, captación atmosférica, con la precisión descriptiva del “flâneur” moderno, puro observador que deambula por la ciudad sin rumbo fijo, paseando sin saber a dónde va y mirando lo que le rodea con una mirada distinta, de atento espectador. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103550.html 2010-02-09 12:33:46 BURLIUK, David Davidovich (Semyrotivka, Ucrania, 1882 – Nueva York, EE.UU., 1967). “Paisaje”, 1945. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 36 x 45,5 cm; 56,5 x 66,5 cm (marco). Padre del futurismo ruso, Burliuk generó, en palabras de sus contemporáneos, una increíble energía en todas las esferas de la vida, y especialmente en la creación de un arte nuevo. Maiakovski, Matiushin, Malevich y otros muchos protagonistas de la renovación artística rusa del momento fueron amigos suyos y participaron en sus “happenings” y exposiciones. Más tarde, hacia los años veinte, camaradas “más serios” le denominarían “vándalo del arte”. Burliuk provenía de una familia de una familia de campesinos adinerados, lo que le permitió viajar por toda Ucrania y Rusia. Con quince años visitó la Galería Tretyakov en Moscú, quedando impresionado por los grandes maestros rusos Shishkin, Kuindzhi, Repin y Serov, cuyas obras determinarán su estilo de juventud. Hacia 1904 conoció a un joven Vladimir Malevich, junto al cual cuestionó y descartó el arte del pasado, en la búsqueda de un “nuevo arte de salvaje belleza”. Burliuk estudió el arte europeo en Munich y París, y a su regreso a Rusia en 1904 retoma su trabajo de manera renovada. Expuso con el grupo Sota de Diamantes en Moscú, en 1910, y participó en la redacción del manifiesto “Bofetada al gusto del público”, firmado por los componentes del grupo Hyalea de San Petersburgo. En 1911, por mediación de Kandinski, expuso en Munich con Der Blaue Reiter, y seis años después realizará su primera muestra de carácter individual, en la ciudad rusa de Samara. Durante estos años, previos a la Revolución Rusa, Burliuk participó en la constante crítica de lo tradicional y lo clásico que sentaría las bases del arte moderno ruso posterior a 1917. En 1920 emigró a Japón, y dos años más tarde se instaló en Estados Unidos, obteniendo la nacionalidad en 1930. Allí abrió una galería de arte y dirigió una revista artística, “Color Rhyme”. En 1939 se traslada a Checoslovaquia y, más tarde, a París. Entre 1949 y 1959 vivió y trabajó en Italia, y durante el periodo de 1946 a 1963 pasó temporadas en La Habana, donde realizó diversas muestras de su obra. David Burliuk está representado en el MoMA de Nueva York, el Thyssen-Bornemisza de Madrid, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden y el el Smithsonian American Art Museum de Washington D.C., el Museo de Irkutsk en Rusia, la Galería Nacional de Armenia, el Museo del Estado Ruso en San Petersburgo y el Museo Ucraniano de Nueva York, entre muchos otros. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103724.html 2010-02-09 12:15:18 Reloj CARTIER Tank Française n. 100796LX 2385. En oro amarillo de 18 kts. Esfera color marfil con numeración romana y agujas en acero azul, tipo espada. Corona con un zafiro cabujón. Cristal zafiro. Sumergible. Brazalete en oro con cierre desplegable integrado. Mecanismo de cuarzo. En estado de marcha. En su estuche original. Medidas: 16 x 15 mm (esfera); 32 x 23,5 mm (caja). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103862.html 2010-02-09 12:29:07 Reloj para caballero ROLEX Oyster Perpetual Date Submariner Superlative Chronometer Officially Certified Crono automático. Caja y brazalete en acero y oro amarillo de 18 kts. Esfera azul con numeración a puntos y a trazos y agujas tipo "Skeleton" tratadas al tritio. Segundero y aguja cronográfica al centro y ventana auxiliar con calendario fecha a las tres. Cristal zafiro con lente cyclops para la fecha. Bisel color azul giratorio y manecilla 24h para indicación simultánea de dos husos horarios. Hermético hasta 300 metros de profundidad. Brazalete con cierre desplegable y broche de seguridad. Movimiento automático. En estado de marcha. Medidas: 3 cm (esfera) y 4,85 x 4,4 cm (Caja) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103979.html 2010-02-09 12:07:13 Escuela flamenca del siglo XVII. “Santo”. Madera tallada y policromada, con ojos de cristal. Medidas: 66 cm de altura. Aunque es cierto que el protagonismo escultórico durante el siglo XVII corresponde a Italia y Francia, con el caso especial de España y sus colonias de ultramar, hay un núcleo a destacar que es el comprendido por las provincias católicas de los Países Bajos, fundamentalmente las ciudades de Amberes y Bruselas. Allí florecieron las artes de forma espectacular, y si bien la pintura vive un momento de esplendor, la escultura no se queda atrás, llenando los interiores de las iglesias tardogóticas y los templos de nueva construcción con riquísimos confesionarios, retablos ilusionistas y grandes figuras de santos adosados a los pilares. El barroco escultórico se sustenta sobre el deseo consciente de lograr un arte realista y expresivo, de fácil comunicación con el espectador, apartándose así de la artificiosidad preciosista que había caracterizado el manierismo anterior. Esta búsqueda del realismo se sustentó, como vemos en esta obra, en un elaborado sentido teatral y gestual de gran expresividad, una gran importancia de la caracterización e individualización de los tipos, la plasmación del movimiento, la búsqueda de calidades y la concepción de las obras como parte de un todo interrelacionado. En el caso de esta escultura, además, este verismo queda realzado por el propio material utilizado. El escultor deja a un lado la piedra para trabajar la madera, más blanda y que además admite policromía, lo que da como resultado una imagen ilusionista, profundamente expresiva y a la vez enormemente natural. Estos artistas buscaban que el fiel, bajo la efectista iluminacióndel templo, se sintiera testigo de un auténtico espectáculo celestial. Así, en esta pieza además de la extraordinaria delicadeza de la talla cabe destacar el elegante naturalismo de los gestos y la expresión del rostro, realzados por una policromía enormemente trabajada, rica y minuciosa. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104071.html 2010-02-09 12:01:38 ALAMINOS, Juan (Baeza, Jaén, siglo XIX). “La enferma”, 1871. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 61 x 83 cm; 76 x 96 cm (marco). Juan Alaminos es un pintor prácticamente desconocido para los historiadores del arte. Nació en Baeza, provincia de Jaén, en fecha desconocida, parece ser que dentro de la segunda mitad del siglo XIX. Tampoco ha sido posible delimitar su fecha de defunción. Recibió sus primeros estudios en su ciudad natal, para pasar posteriormente a Madrid como alumno de la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado. De las enseñanzas impartidas por este centro obtuvo tanto aprovechamiento que participó, siendo aún estudiante de dicha institución, en distintas exposiciones de pintura. En la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1871 concurrió con un estudio del natural, así como con un retrato del rey Amadeo. En la edición de 1876 presentó una numerosa lista de cuadros: “Retrato”, “El cargamento de los caballos muertos, después de la corrida de toros”, “Una cuadra” y “Episodio del Quijote”. Como dibujante se le conocen, asimismo, ilustraciones publicadas en diversas revistas de la época, como “El gorro frigio”, “La vida madrileña” y “La flaca”. Cultivó también el género de la acuarela, como prueba de lo cual se tiene noticia de una numerosa colección representando suertes de toros. Como vemos en esta obra, el lenguaje de Alaminos se inscribió dentro del romanticismoandaluz, desarrollado sin embargo bajo un enfoque totalmente personal. En esta escena el autor utiliza un cromatismo deliberadamente frío, que acentúa el carácter dramático de la escena. Los focos expresivos de la imagen, los dos rostros de las mujeres que aparecen de frente, quedan gracias a este recurso especialmente resaltados. De hecho, las figuras son de pequeño tamaño en comparación con la estancia, reflejada con ánimo narrativo y gran atención al detalle. Alaminos ha cuidado especialmente la representación de objetos y calidades, buscando la ambientación costumbrista típica del momento. Sin embargo, su maestría reside en su hábil uso de los recursos puramente pictóricos, como son la composición, el cromatismo y la iluminación, mediante los cuales define una atmósfera de contenido dramatismo que enriquece la escena, sin llegar a restar protagonismo al resto. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104119.html 2010-02-09 12:20:50 Escuela española del siglo XIX. “El brindis” y “La consulta”. Pareja de óleos sobre tabla. Uno de ellos firmado “J.C.” al dorso. Con pequeñas restauraciones. Medidas: 50 x 40 cm; 62 x 51 cm (marco). Pareja de obras realizadas por un seguidor de Francisco de Goya, tomando como modelo algunos de sus “Caprichos”. El titulado “El brindis” combina, de forma libre, elementos de “Hasta su abuelo” (número 39) y “Nadie nos ha visto” (número 79). El segundo óleo conjuga el burro médico de “De qué mal morirá” (número 40) con las figuras de cuatro monjas, originales del autor. “Hasta su abuelo” y “De qué mal morirá” pertenecen a las llamadas estampas de Asnerías donde, imitando a los fabulistas, Goya utiliza la estupidez del burro para criticar las profesiones intelectuales y los defectos y pecados de las clases altas. En “Nadie nos ha visto”, el maestro aragonés critica la hipocresía del clero, otro de los temas centrales de su famosa serie de grabados. Uniendo estas imágenes, resulta que en “El brindis” se unen la hipocresía y disipación del clero con la absurda obsesión por el linaje de los nobles, siendo el resultado una imagen en la que los clérigos, en vez de beber a escondidas, parecen brindar por la nobleza de los ancestros del asno. El autor también trastoca el significado de “De qué mal morirá”, obra que critica la confianza ciega en los médicos, que puede llegar a llevar a la muerte. En este caso esta confianza no es mortal sino que afecta a la honra de las monjas, que confían estúpidamente en el burro tan sólo porque es médico, desnudándose ante él como no lo harían ante ningún otro hombre. El autor de estos dos lienzos parte directamente de la obra de Goya, tomando como modelo para sus composiciones las estampas de los “Caprichos” y adaptándolas a una técnica pictórica igualmente aprendida del maestro, suelta y casi expresionista. Como en las Pinturas Negras, aquí el cromatismo es limitado, tendente a la monocromía y sin embargo enormemente matizado y muy trabajado. Las escenas se componen en torno a una cuidada gama de grises, ocres y terrosos, dominados por un negro denso y profundo, vibrante y variado. Como en los “Caprichos”, el pintor reduce el espacio al primer plano, dejando el fondo neutro y oscuro y centrando la atención en las escenas. Por otro lado la iluminación deriva asimismo del Goya de las Pinturas Negras. Se trata de una luz dirigida y fuerte, muy contrastada, que produce puntos vivamente iluminados y profundas sombras, de un modo casi tenebrista. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104157.html 2010-02-09 12:19:37 ROMERO RESSENDI, Baldomero (Sevilla, 1922 – Madrid, 1977). “Las brujas”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 159 x 90 cm; 167 x 95,5 cm (marco). Considerado el “enfant terrible” de la pintura sevillana del siglo XX, a la vez que el más destacado de su escuela figurativa, Ressendi desarrolla una obra de tendencia expresionista, marcada por un dibujo firme y cromatismo oscuro y denso, profundo. El suyo es un expresionismo heredero tanto de Goya como de Solana, pero sobre todo de Valdés Leal y Zurbarán. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, en Sevilla, donde reveló un excepcional talento que no fue entendido por sus maestros, que en todo caso advirtieron en su arte un sentimiento extravagante. Desde sus inicios, Ressendi desarrolló un lenguaje expresionista de herencia barroca, marcado por un gran dominio técnico y una extraordinaria facilidad para componer sus escenas y definir las fisonomías de los personajes que en ellas se integran, que muestran siempre gestos y estados de ánimo perfectamente definidos y matizados. Así, desde sus primeras obras configuró un universo de formas y conceptos cargados de violencia, atmósferas amenazantes derivadas de cromatismos macilentos y apagados profundamente patéticos. Sus diferentes registros expresivos oscilan del sentimiento melancólico y trágico de la vida a una visión escatológica y deforme de los seres humanos, tanto en el plano físico como en el espiritual. Ressendi dio a conocer sus obras por primera vez en Sevilla, en 1946. Desde entonces fue creándose en torno suyo una cierta fama de pintor maldito y escandaloso, siendo consideradas sus obras por una parte de la sociedad como obscenas e irrespetuosas con la moral, según señaló por entonces la autoridad eclesiástica. Afortunadamente, no le faltaron protectores y amigos que apoyaron su arte, contando especialmente con la protección de altas instancias militares que le procuraron incluso grandes proyectos murales como los de la basílica del Valle de los Caídos. Ressendi debió aceptar el encargo, puesto que realizó numerosos bocetos de gran tamaño, aunque finalmente la propuesta no se consolidó y el pintor se apartó del proyecto. Algunas de sus pinturas más señaladas son “El locutorio de San Bernardo”, “las Tentaciones de San Jerónimo”, “El entierro de Cristo y “El octavo círculo”, obras en las que aparece condensado tanto su talento como su personal universo pictórico. A lo largo de su dilatada carrera trabajó un amplio abanico de temas, que incluye escenas fantásticas como la que aquí presentamos, además de bodegones, retratos, temas taurinos, religiosos, de gitanos y circenses. En 2007, el museo de Alcalá de Guadaira (Sevilla) le dedicó una exposición antológica. La producción de Rissendi está principalmente recogida en colecciones particulares, como es el caso de las del Banco Exterior en Madrid y Sevilla. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104820.html 2010-02-09 12:06:44 CÈNAC BERCCIARTU, Enrique C. (nacido en Argentina en 1899). “Contrallum”, c.1923. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo superior derecho. Medidas: 66 x 60 cm; 72 x 77,5 cm (marco). De nacionalidad argentina, Cènac residió desde muy joven en Barcelona, ciudad donde desarrolló su carrera pictórica. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi, especializándose en el retrato, la figura, la pintura d género y, sobre todo, el bodegón, tema que cultivó con enorme delicadeza cromática y cuidada factura. Celebró diversas exposiciones individuales en galerías barcelonesas, y participó en colectivas y certámenes de Barcelona y Madrid. Destacan especialmente su muestra de 1925 en las Galerías Dalmau junto a Rafael Llimona y su participación en el Salón de Primavera de 1934. Concurrió, asimismo, a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de la capital de España. En este bodegón, Cènac toma los objetos como excusa para realizar un detenido estudio lumínico, valiéndose de las calidades de flores y telas para efectuar ricos juegos cromáticos y compositivos. Así, destaca el contraste entre la opacidad de las cortinas y la delicada transparencia de los visillos, el jarrón de vidrio y los pétalos de las flores. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103587.html 2010-02-09 12:30:42 TÀPIES PUIG, Antoni (Barcelona, 1923). “Letra O”, 1972. Litografía a color. Doblada por el centro. Medidas: 37,8 x 55,2 cm. Tàpies se inicia en el arte durante la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar. Progresivamente se dedicará con mayor intensidad al dibujo y a la pintura, y finalmente deja sus estudios de Derecho para dedicarse por completo al arte. Cofundador de “Dau al Set” en 1948, empieza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras realizar su primera muestra individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. A raíz de su exposición individual de 1953 en la galería neoyorquina de Martha Jackson, se afianza su proyección internacional. Ha obtenido premios como el Príncipe de Asturias, El Praemium Imperiale de la Japan Art Association, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antológicas en Tokio, Nueva York, Roma, Ámsterdam, Madrid, Venecia, Milán, Viena y Bruselas. Está representado en los principales museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, los Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Museo de Arte Fukoka de Japón, el MOMA de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103746.html 2010-02-09 12:01:09 Escuela catalana de principios del siglo XX. “La casa del lago”. Óleo sobre tabla. Firmado “Puig” en el ángulo inferior derecho. Necesita limpieza. Medidas: 17,5 x 32 cm; 29 x 46 cm (marco). En esta pintura, el autor combina una base realista, propia de la escuela catalana del cambio de siglo, con una especial atención a la captación de la atmósfera. Mediante una pincelada suelta y deshecha, los objetos adquieren forma y volumen, en base a un delicado tratamiento lumínico, que se conjuga con un estudiado cromatismo. La composición es marcadamente horizontal, ordenada y equilibrada, y cerrada por un lado y abierta por el otro, a la manera clásica. La construcción de la profundidad espacial no se basa en un riguroso dibujo sino en la captación de la atmósfera de un modo totalmente visual, concretando los objetos del primer plano y difuminando las formas de los elementos situados más al fondo, agrisando los colores en la distancia. Cabe destacar, asimismo, el cuidado juego de efectos lumínicos, especialmente en los reflejos en el agua, y en cómo ésta se confunde casi, al fondo, con el cielo. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=103906.html 2010-02-09 12:28:43 Pendientes en oro de 18 kts. Lleva dos perlas Australianas, tipo mabé. Cierre omega. Medidas: 15,5 mm (diametro de las perlas). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104268.html 2010-02-09 11:54:35 Sortija en oro blanco de 18 kts. Frontis con un diamante, talla baguette, color Wesselton, claridad VS y ca. 0,10 cts, flanquado por cuatro diamantes, talla brillante, de color blanco I y con un peso de ca. 0,12 cts Medidas: 18,2 mm (el aro) y 4 mm (el frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104294.html 2010-02-09 12:22:54 Pendientes en oro amarillo de 18 kts. en forma de escarabajo egipcio de la suerte. Realizados con lapislazulis azules y rodocrositas rosas. Cierre a presión. Firmados por el diseñador de joyas Alan Dione Medidas: 13 x 16 mm (frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104430.html 2010-02-09 11:51:04 FREIXAS, Josep (Barcelona, actual). “Coldplay. Viva la Vida Tour”, 2009. Óleo sobre lienzo con tratamiento esmaltado. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 60 x 70 cm. Con su habitual lenguaje pop, heredado de figuras como Andy Warhol o Roy Lichtenstein, Freixas centra su obra en el mundo de la música actual. Mediante retratos sobrios y sintéticos, inspirados en las técnicas de impresión seriada, capta la personalidad de los músicos y de sus músicas, dejando a un lado lo accesorio y utilizando sólo los colores básicos, aplicados a modo de manchas planas de color en imágenes vivamente iluminadas, de expresivo contraste claroscurista. En este cuadro, Freixas aplica a cada miembro de la banda un color, rojo, azul, verde y amarillo, que funcionan como tono medio entre el blanco, la luz pura, y el negro, la sombra. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104875.html 2010-02-09 11:42:54 FREIXAS, Josep (Barcelona, actual). “Depeche Mode”, 2009. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 50 x 69,5 cm. Con su habitual lenguaje pop, heredado de figuras como Andy Warhol o Roy Lichtenstein, Freixas centra su obra en el mundo de la música actual. Mediante retratos sobrios y sintéticos, inspirados en las técnicas de impresión seriada, capta la personalidad de los músicos y de sus músicas, dejando a un lado lo accesorio y utilizando sólo los colores básicos, aplicados a modo de manchas planas de color en imágenes vivamente iluminadas, de expresivo contraste claroscurista. En este cuadro, Freixas prescinde del negro para componer una imagen vivamente contrastada, utilizando sus habituales colores, rojo, azul y verde, para definir las sombras, unificando el fondo y las zonas de luz con un tono uniforme, amarillo. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104898.html 2010-02-09 12:22:57 COLOMER COMAS, Josep (Sant Feliu de Pallerols, Gerona, 1935). “Molino de Sant Feliu de Pallarols”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Fechado al dorso. Medidas: 27 x 35 cm; 40 x 48 cm (marco). Josep Colomer fue un importante paisajista de la Escuela de Olot, maestro de pintores como Hidalgo Portero o su hijo, Fermín Colomer. Participó en la confección de escenografías teatrales, y restauró los frescos de la iglesia de su pueblo natal. Formó parte del “Grupo 7 de Color”, fundado en 1997, junto con T. Pons, J. Mª Solà, J. Ferres, C. Tenas, F. Contreras y E. Rubió. El pintor se centra aquí en la plasmación cromática y lumínica del paisaje, dejando a un lado la descripción y el detalle a favor de una construcción basada en la potencia expresiva de las masas de color, el dinamismo de la pincelada y los sutiles efectos de luces y sombras. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=104970.html 2010-02-09 11:47:24 SOTO de, Rafael Fernández “DE SOTO” (Bagá, Barcelona, 1915-1984) “Bodegón”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Enmarcado. Medidas: 28 x 35 cm; 43 x 51 cm (marco). Pintor. Se dedicó a viajar por España con su “roulotte”, como estudio móvil desde el que captaba las singularidades de cada región. Celebró su primera exposición individual en Barcelona, en 1944. Al año siguiente fue premiado en la Exposición de Primavera en Montjuic. Se especializó en el paisaje, la figura, la marina y el bodegón. Su concepción pictórica también comprendía un amplio abanico, del realismo fotográfico al simbolismo surrealista. Participó en exposiciones colectivas, concursos y certámenes celebrados en Barcelona y otras ciudades catalanas. Dentro de la concepción tradicional del bodegón español, marcado por la influencia de los maestros del Siglo de Oro, el autor de este lienzo plasma la naturaleza muerta desde un punto de vista puramente plástico, centrándose no simplemente en la reproducción ilusionista de las frutas, sino principalmente en los efectos cromáticos y la incidencia de la luz sobre sus superficies. Mediante una pincelada deshecha y empastada, de herencia postimpresionista, el pintor configura volúmenes y formas sin necesidad de detenerse en los detalles, dejando a un lado lo narrativo para plasmar una imagen expresiva y efectista, de gran riqueza visual. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105033.html 2010-02-09 12:01:33 SOTO, Rafael Fernández de (Bagá, Barcelona, 1915- 1984) “Bodegón”. Óleo sobre lienzo. Firmado “R. Soto” en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 28 x 35 cm; 43 x 51 cm (marco). Pintor. Durante años realizó muestras itinerantes viajando en "roulotte" por España. Llevó a cabo su primera individual en Barcelona, 1944. Al año siguiente fue premiado en la Exposición de Primavera de Montjuic. Se especializó en marina, paisaje y bodegón. Su versátil concepción pictórica oscila entre el realismo fotográfico y el simbolismo surrealista. Dentro de la concepción tradicional del bodegón español, marcado por la influencia de los maestros del Siglo de Oro, el autor de este lienzo plasma la naturaleza muerta desde un punto de vista puramente plástico, centrándose no simplemente en la reproducción ilusionista de las frutas, sino principalmente en los efectos cromáticos y la incidencia de la luz sobre sus superficies. El pintor no se detiene en la descripción, sino que configura formas y volúmenes de forma reconocible a través de una pincelada densa y suelta, deshecha, profundamente expresiva y de gran fuerza visual. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105037.html 2010-02-09 12:01:12 Escritorio de viaje, finales del siglo XIX. Caoba y limoncillo en el interior. Medidas: 21 x 52 x 27,5 cm. Escritorio de viaje realizado en madera de caoba, con interior de limoncillo, espejo en la parte interna de la tapa y cerradura. Se trata de un mueble de barco, pensado para utilizar durante los largos trayectos de la época. Una vez abierto presenta una superficie lisa y ligeramente inclinada para escribir, forrada en tela, que se abre mediante una tapa abatible dejando al descubierto compartimentos para guardar papeles, con dos pequeñas gavetas. En la parte superior queda a la vista un plumier destinado a contener el tintero, las plumas y otros útiles de escritura. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105236.html 2010-02-09 11:36:56 Pareja de figuras de porcelana esmaltada. Francia, c. 1880. Medidas: 36 cm de altura. Pareja formada por las figuras de un cazador y una pastorcilla, moldeadas y ricamente policromadas y doradas. Se sostienen sobre dos peanas exentas de inspiración rococó, con patas en forma de voluta y también esmaltadas y doradas. Este tipo de piezas de personajes populares realizadas en porcelana tienen su origen en las famosas “voces” napolitanas de la fábrica de Capdimonte. Producidas desde la segunda mitad del siglo XVIII, este tipo de obras de realizaron pronto en todas las grandes fábricas europeas de cerámica y porcelana, variando su estilo pero siempre manteniendo una especial gracia y delicadeza. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=105290.html 2010-02-09 12:03:03