http://www.setdart.com/ Los lotes más recientes en Setdart.com subastas de Arte, la primera subasta online de España para pintura, escultura, joyeria, arqueologia, mobiliario, antiguedades, lámparas. Autenticidad, seguridad y confianza garantizadas http://www.setdart.com/themes/setdart/images/logoblock.gif http://www.setdart.com/ es-SP Sortija en oro blanco de 18 kts. Frontis con un cuajo central de diamantes, talla brillante, con engarce “misterioso” y flanqueado por brazo en forma de “V” forrado de diamantes, talla brillante, color Blanco, pureza VS y un peso total de ca. 0,75 cts. Peso de oro: 2,82 gr. Medidas: 17, 5 mm (diámetro interior) y 6 mm (ancho frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131007.html 2010-09-03 20:08:17 Sortija en oro blanco de 14 kts. Frontis con una bella aguamarina, color azul-verdoso y talla esmeralda escalonada, con un peso de ca. 14,00 cts, flanqueada en los hombros por doble línea de diamantes, talla brillante, color Blanco, pureza VS y ca. 0,60 cts, enmarcados en un bisel perlado al estilo italiano de Castiglione. Medidas: 17,5 mm (diámetro interior) y 16 x 13,5 mm (frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132159.html 2010-09-03 18:33:11 HAES, Carlos de (Bruselas, 1829 – Madrid, 1898). “Paisaje”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Firma ligeramente borrada. Medidas: 65 x 54 cm; 90 x 79 cm (marco). La familia Haes se traslada desde Bruselas a España en 1835, concretamente a Málaga, donde Carlos inicia su formación como discípulo de Luis de la Cruz. En 1850 decide continuar sus estudios en su tierra natal, aprendiendo de los grandes paisajistas flamencos. En paralelo entra en contacto con los artistas belgas contemporáneos, que exponen regularmente en los Salones de Bruselas. Una vez allí trabaja junto al paisajista Joseph Quinaux, quien le introduce en la pintura al aire libre, clave para la formación de su personalidad artística. Vuelve a España y empieza a cosechar éxitos, como la tercera medalla en la Exposición Nacional de 1856. Al año siguiente obtiene la cátedra como profesor de paisaje en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, posición desde la cual formará a toda una generación de paisajistas en el ejercicio de la pintura al aire libre, dentro del realismo. Alumnos suyos fueron Aureliano Beruete y Darío de Regoyos. Sigue obteniendo premios, como la primera medalla de la Exposición Nacional de 1858. En 1860 es nombrado académico de San Fernando, el mismo año que obtiene otra primera medalla en la Nacional. De nuevo obtiene primera medalla en 1862. Pese a todo, no puede considerársele seguidor del plenairismo, ya que era partidario de trabajar del natural sólo los bocetos, mientras que consideraba que el cuadro debía ser acabado al modo clásico, en el taller. No obstante, fue el introductor del paisajismo en la pintura española, hasta el punto que se creó para él la primera cátedra de paisaje de la Academia de San Fernando. Sus vistas están compuestas a la manera clásica, aunque con predominio de la tierra frente al cielo, que normalmente ocupa un tercio del lienzo. Haes considera el paisaje como un género de entendidos, al ser difícil de tratar y de comprender. Plantea que el fin del arte es la verdad que se encuentra en la imitación fiel de la naturaleza, para lo cual el pintor debe conocer profundamente el natural y no dejarse llevar por la imaginación. De ahí que prefiera terminar las obras en el taller, para captar el instante concreto, ya que la misma naturaleza está en constante cambio. La genialidad artística radicaría no sólo en la técnica, sino en la propia y personal forma de contemplar la naturaleza por parte de cada pintor. La mayor parte de la producción de Carlos de Haes se encuentra en el Museo del Prado, pero también está representado en los Museos de Bellas Artes de Bilbao, Málaga, Valencia y Lérida, en la Fundación Jaime Moreda y en la National Gallery de Londres. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133121.html 2010-09-03 22:37:38 APARICIO E INGLADA, José (Alicante, 1770 – Madrid, 1838). “Fernando VII”. Óleo sobre lienzo. Medidas: 64,5 x 53,5 cm; 86 x 71 cm (marco). Uno de los principales exponentes de la pintura neoclásica española, José Aparicio perteneció junto a José de Madrazo y Juan Antonio Ribera al primer círculo de pintores cortesanos dentro del nuevo estilo neoclásico. Comenzó su formación artística en el taller de los Espinosa en su ciudad natal, pasando posteriormente a las Escuelas de Bellas Artes de San Carlos en Valencia y San Fernando en Madrid. En 1796 obtuvo el primer premio en clase de pintura por el cuadro titulado “Godoy presentando la paz a Carlos IV”, que le valió una pensión para continuar sus estudios en París. Instalado en la capital francesa entre 1798 y 1807, el pintor completó sus conocimientos con sus frecuentes visitas al estudio de Jacques-Louis David, de quien Aparicio sería el primer discípulo español. En 1806 expuso en el Museo Napoleón el cuadro titulado “La fiebre amarilla de Valencia” con gran éxito, siendo premiado por esta obra con medalla de oro. Al año siguiente marchará a Roma, donde tuvo que permanecer hasta 1814 por causa de la invasión napoleónica. En la Ciudad Eterna pintó el cuadro “El rescate de cautivos en tiempos de Carlos III”, que le valió el ingreso como académico de mérito en la Academia de San Lucas romana. A su regreso a España sería nombrado pintor de cámara de Fernando VII, y académico de mérito y más tarde director de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. José Aparicio se convirtió en un artista muy célebre en su momento a causa de los temas patrióticos que pintó en relación con la Guerra de la Independencia; un claro ejemplo es “El hambre de Madrid”, de 1818. El grueso de sus obras fue destinado a centros oficiales y casas nobles, precisamente debido a su temática. Sin duda la más famosa de sus pinturas fue “El desembarco de Fernando VII en la isla de León”, de 1827, que se perdió en el incendio del Tribunal Supremo de 1915, conservándose en la actualidad tan sólo un boceto (Madrid, Museo Romántico). Diez años antes de su muerte, Aparicio fue nombrado académico de mérito de la Academia de San Carlos de Valencia. Su pintura es académica, de dibujo correcto, con un carácter propagandístico propio de la temática histórica del momento. Está actualmente representado en el Museo del Prado, el del Ejército, al Real Academia de la Historia, los Museos Municipal y Romántico de Madrid, el Palacio de La Moncloa, el Museo de Goya en Castres (Francia) y el Lázaro Galadiano, entre otras destacadas colecciones tanto públicas como privadas. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133185.html 2010-09-03 23:06:32 TÀPIES PUIG, Antoni (Barcelona, 1923). “Composición”. Litografía sobre papel Guarro con filigrana, ejemplar P.A. Firmada a lápiz. Con una pequeña rotura en la parte baja. Medidas: 57 x 77 cm. Antoni Tàpies ha realizado exposiciones por todo el mundo, en destacadas galerías y en museos como el Guggenheim de Nueva York o el de Arte Moderno de París. Cuenta entre sus galardones con premios como el Príncipe de Asturias, El Praemium Imperiale de la Japan Art Association, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antológicas en Tokio, Nueva York, Roma, Ámsterdam, Madrid, Venecia, Milán, Viena y Bruselas. Está representado en los principales museos nacionales e internacionales, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, los Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Museo de Arte Fukoka de Japón, el MOMA de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130627.html 2010-09-03 20:17:56 “MONTESOL”; BALLESTER GUILLEM, Javier (Barcelona, 1952). “La Pedrera”, Barcelona, 2002. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Firmado, fechado, titulado y localizado al dorso. Medidas: 73 x 100 cm. Obra reproducida en la revista barcelonesa de arte “Revistart”, nº 97, 2005. Artista de formación autodidacta, Montesol abandonó sus estudios de economía en 1972, participando desde entonces activamente en la vida cultural barcelonesa. Inició su carrera dentro del mundo del cómic, y su interés por la pintura comenzará en 1985, a raíz de un viaje que realizó a París de la mano de Jean Pierre Guillemont. Sus primeras propuestas tendrán una postura naïf, que revelan sus orígenes en el cómic. Poco después se trasladó a París y se adentró en el terreno del impresionismo, para iniciar una amplia experimentación con el color. Montesol ha celebrado exposiciones individuales en las ciudades más importantes de España, así como en salas de Nantes (Francia) y Nueva York. Entre 1972 y 1088 participó en el movimiento de cómic “Underground” primero, y más tarde “Línea Clara”, así como en la fundación de las revistas “Star” y “El Cairo”, como autor de cómics. Ha trabajado también la ilustración y la obra gráfica. Como pintor, Montesol se centra principalmente en la plasmación de paisajes urbanos, ya sean de Madrid, Barcelona, París u otra de las ciudades que ha visitado. En sus obras pictóricas destaca ante todo la gestualidad, el trazo independiente que se mueve de forma libre por la superficie del lienzo, dotando a las formas de vibración y sentido expresivo. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130693.html 2010-09-03 23:18:59 SEMITIEL SEGURA, José (Cieza, Murcia, 1961). “Sitges y olas”, 2010. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 50 x 50 cm. José Semitiel se dio a conocer en 1976 en la sala Ser de su localidad natal, donde reiterará su presencia al año siguiente. Tras un largo paréntesis debutará individualmente en 2001, con una muestra de óleos y acuarelas en la galería Mesones Siete de Cieza. Desde entonces seguirá celebrando muestras personales tanto en Murcia como en Barcelona y Madrid y, fuera de nuestras fronteras, en la sala Krys de Poitiers (Francia). Durante los últimos años ha tomado parte, asimismo, en numerosas exposiciones colectivas, en España, Paraguay y Japón. A lo largo de su carrera ha obtenido numerosos galardones, como el primer premio del Concurso Nacional de Pintura al Aire Libre “Casco Antiguo de Cehegín” (Murcia) y el premio adquisición en los Concursos Nacionales de Pintura de Castellar (Jaén) y Casas Ibáñez (Albacete). Está actualmente representado en diversas fundaciones, museos y ayuntamientos de nuestro país. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130763.html 2010-09-03 20:13:23 Escuela catalana de la primera mitad del siglo XX. “Aguadora”. Escultura en terracota. Firma ilegible en la base. Medidas: 57 x 14 x 11,5 cm. Esta obra enlaza directamente con el clasicismo noucentista, una de cuyas bases principales es la concepción de la figura humana como elemento integrado en la naturaleza. De ahí la elección del tema – una sencilla campesina que porta un cántaro con agua- y del material, la arcilla en su color. El barro cocido evoca todo tipo de significados, remite a la tradición mediterránea, a la tierra y al trabajo manual, y al quedar sin policromía ni vidriado se explota al máximo la propia expresividad intrínseca del material. Formalmente, además, en esta obra conviven la tradición mediterránea, el clasicismo y el arcaísmo griegos y el arte antiguo de Egipto y Mesopotamia, con una marcada influencia de los nuevos realismos de vanguardia. De ahí la simplificación esencial de las formas, el cuidado tratamiento de los volúmenes y la estricta frontalidad de ídolo antiguo, que queda compensada por el leve movimiento de la figura. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130940.html 2010-09-03 20:20:00 Sortija en oro blanco de 14 kts. Frontis formado por tres grupos de cuatro zafiros de 1ª calidad, originarios de Ceylan, talla carré, dispuestos en cuadro, y dos líneas con cuatro zafiros engarzados en carril, con cuatro líneas intercaladas de cuatro de diamantes cada una, talla brillante, color Blanco y pureza VS. Medidas: 17,5 mm (diámetro interior) y 3,5 mm (ancho frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131010.html 2010-09-03 22:32:30 Sortija media alianza en oro blanco de 18 kts. Frontis con diez rubíes, talla carré, alternados con parejas de diamantes, talla brillante, color Blanco H y pureza VS. Peso de oro: 3,57 gr. Medidas: 17,5 mm (diámetro interior) y 3,6 mm (ancho frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131051.html 2010-09-03 22:38:48 Sortija en oro blanco de 18 kts. Frontis con un zafiro central, color azul intenso, talla oval facetada, con un peso de ca. 0,50 cts, flanqueado por un calibrado de diamantes, talla baguette, color Blanco H, pureza VS y un peso total de ca. 0,60 cts. Peso de oro: 3,70 gr. Medidas: 17,2 mm (diámetro interior) y 5,8 mm (ancho frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131238.html 2010-09-03 20:09:23 Escuela española del siglo XX. “Pato y frutas”. Óleo sobre lienzo. Firmado (ilegible) en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 55 x 67 cm; 70 x 82 cm (marco). Este bodegón se enmarca formalmente dentro de la tradición postimpresionista, tanto en la forma de concebir la imagen, puramente plástica, como en la propia factura. La pincelada es corta y controlada, a la vez descriptiva y expresiva, y dota a los elementos representados de naturalismo y potencia visual. El autor ha logrado captar con verismo la calidad del plumaje del pato, que aparece blando, suave y esponjoso. En cambio, las frutas contrastan por su solidez y el brillo pulido de sus superficies. Los elementos, aparentemente desordenados pero realmente siguiendo una pensada composición, destacan sobre un fondo oscuro lleno de matices lumínicos., definidos por la tela de un azul intenso que los envuelve, destacando su presencia. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131293.html 2010-09-03 19:28:09 Sortija solitario en oro blanco de 18 kts con un diamante, talla brillante, con un peso de ca. 0,28 cts, engarzado con originales garras triangulares distribuidas en forma de estrella. Medidas: 19 mm (diámetro interior) y 6,5 mm (ancho frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131992.html 2010-09-03 19:40:30 “VISÁN”; SÁNCHEZ, Vicente (La Habana, 1950). “Casas flotantes”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 60 x 73 cm. Autor referenciado en Canart 99/00, pág. 447 (Barcelona; Ediciones de Arte Anuart, 2000). En este lienzo Visán parte del modelo real y lo representa con fidelidad, pero sin embargo su personal visión del paisaje dota a la imagen de un carácter ciertamente subjetivo, que se traduce en un sentido fluido y atmosférico de tintes evocadores, casi oníricos. La pincelada es variable, cambiando y adaptándose a los distintos objetos a representar, y de ahí el gran naturalismo con que el autor ha reflejado el suave movimiento del agua, que contrasta con la solidez de la barca y de los edificios. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132127.html 2010-09-03 22:15:23 Bastón con caña de madera, puntera de asta y empuñadura de marfil. Ésta aparece tallada en forma de cabeza de árabe, siguiendo un estilo de gran expresividad basado en una talla profunda, que confiere un gran volumen a los rasgos y demás detalles. Medidas: 5,5 x 4 cm (empuñadura); 91 cm de longitud. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132534.html 2010-09-03 22:58:24 Pistola-escopeta del siglo XIX. Jiménez y Echeverría, Vitoria. Con marca. Medidas: 41 cm de longitud. Esta peculiar arma, con marca de la factoría Jiménez y Echeverría de Vitoria, se caracteriza por combinar la forma de una pistola con las características técnicas de la escopeta. Se trata de un arma de cartucho, el proyectil propio de la escopeta, pero sin embargo es de menor tamaño y no está diseñada para ser apoyada en el hombro, como es lo normal en las escopetas. Como la pistola, está pensada para ser disparada con una sola mano, y de ahí también su menor tamaño, similar al del pistolón. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132548.html 2010-09-03 22:19:32 COLOMER COMAS, Josep (Sant Feliu de Pallerols, Gerona, 1935). “Día de lluvia”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 52 x 65 cm; 70 x 78 cm (marco). Josep Colomer fue un importante paisajista de la Escuela de Olot, maestro de pintores como Hidalgo Portero o su hijo, Fermín Colomer. Participó en la confección de escenografías teatrales, y restauró los frescos de la iglesia de su pueblo natal. Formó parte del “Grupo 7 de Color”, fundado en 1997, junto con T. Pons, J. Mª Solà, J. Ferres, C. Tenas, F. Contreras y E. Rubió. En este cuadro, Josep Colomer se centra en la plasmación atmosférica del paisaje, siendo el ambiente húmedo, frío y solitario el absoluto protagonista. En este sentido juega un importante papel expresivo el trabajo lumínico, que crea sutiles juegos de brillos y sombras. También cabe destacar la magnífica factura, muy densa y suelta pero pensada y controlada, utilizada por Colomer para aportar solidez al primer plano e ir difuminando las formas en la distancia, creando un ambiente brumoso en el horizonte. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132864.html 2010-09-03 19:35:30 Bastón con caña de madera, puntera de asta y empuñadura de marfil. Ésta aparece tallada en forma de mano femenina, con la muñeca doblada en un ángulo de noventa grados, cuidadosamente trabajada y cincelada con naturalismo. Medidas: 5 x 8,5 cm (empuñadura); 89 cm de longitud. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133089.html 2010-09-03 19:28:45 Sortija media alianza en oro blanco de 14 kts. Frontis con diamantes, talla brillante, color G, pureza VS y un peso total de ca. 0,25 cts, engarzados en parejas e intercalados con parejas de rubíes, talla carré, con un peso de ca. 0,50 cts. Peso en oro: 3,37 gr. Medidas: 17,8 mm (diámetro interior) y 3,6 mm (ancho frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130350.html 2010-09-03 23:14:27 Colgante y gargantilla en oro de 14 kts en forma de cruz clásica con dieciséis diamantes, talla brillante, color Blanco I y ca. 0,50 cts. de peso total. Peso en oro: 2,41 gr. Medidas: 1,4 x 2,5 cm (frontis) y 40 cm (largo gargantilla) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130386.html 2010-09-03 22:07:02 Sortija en oro blanco de 14 kts. Frontis con un diamante central, talla brillante, color Fancy-Black, con un peso de ca. 1,00 cts, engarzado con seis garras finas y flanqueado por una decorativa fantasía ondulante con calibrado de diamantes, talla brillante, con un peso total de ca. 0,20 cts. Peso de oro: 4,43 gr. Medidas: 17,5 mm (diámetro interior) y 7 mm (ancho frontis) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130389.html 2010-09-03 18:38:13 Miniatura al óleo sobre marfil, siglo XIX. “La familia del leñador”. Con marco de bronce. Medidas: 7 x 6 cm. A partir del Renacimiento el arte de la pintura en miniatura gozará de un amplio desarrollo, siendo las primeras piezas pequeños retratos considerados como alhajas, a menudo montados en medallones, relojes de sobremesa o pequeñas cajitas. Según pase el tiempo los pintores miniaturistas ampliarán su abanico temático, abordando composiciones cada vez más complejas, que llegarán a igualar en calidad pictórica y valores plásticos a la propia pintura de caballete. Las miniaturas se realizaban en una gran variedad de técnicas, como el óleo sobre cobre, estaño o marfil, las aguadas sobre pergamino o cartulina y, desde el siglo XVIII, la acuarela sobre marfil. Este delicado arte se irá perdiendo desde la segunda mitad del siglo XIX, en paralelo al desarrollo de la fotografía. En el caso de esta obra el autor representa, con un estilo plenamente pictórico de pincelada cambiante, larga y precisa en unas zonas y más diluida en otras, una escena campesina de inspiración costumbrista. Los protagonistas son un leñador, en plena tarea junto a un árbol con el hacha en alto, acompañado y ayudado en su trabajo por su familia, formada por la esposa y tres niños. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132738.html 2010-09-03 23:22:03 “Samurai”. Talla en marfil de la primera mitad del s. XX. Medidas: 33,5 x 21 x 23 cm (figura); 5 x 28 x 14,5 cm (peana). Talla enteramente realizada en marfil, con detalles cincelados y resaltados con tinta negra, que representa a un fiero samurai en pie, con las piernas muy separadas y sosteniendo la katana en alto con ambas manos, a punto de atacar. El personaje viste camisa y pantalones hasta la rodilla, decorados con ricos estampados florales, y armadura completa de bambú, que le cubre el pecho, la cadera y las pantorrillas. Sobre la cabeza luce un elaborado yelmo típicamente japonés, con adorno sobre la frente y dos secciones articuladas que protegen los laterales de la cabeza. A la espalda lleva el carcaj cargado de flechas y el arco. De su cinto penden la vaina de la katana y una segunda espada, aún enfundada. Como es usual en el arte japonés, los estampados de las telas tienen un importante papel ornamental, pero en este caso se ha dedicado aún más atención a la armadura. El escultor ha sabido reproducir con naturalismo y minuciosidad no sólo sus distintas partes, sino principalmente sus calidades y texturas, realzadas mediante un delicado cincelado a tinta. Destaca asimismo el expresionismo del rostro, cercano a las representaciones pictóricas japonesas contemporáneas, así como a las máscaras utilizadas en el teatro kabuki, constante referencia para este tipo de piezas. Los samurais fueron una élite militar que gobernó Japón durante cientos de años. Su origen se remonta al siglo X, y se fortalecieron al concluir las Guerras Genpei a finales del siglo XII, cuando fue instituido en el país un gobierno militar bajo la figura del shogun, quedando el emperador a su sombra como mero espectador de la situación política. Su momento cumbre tuvo lugar durante el periodo Sengoku, época de gran inestabilidad y continuas luchas de poder entre los distintos clanes existentes, denominada “periodo de los estados en guerra”. El liderazgo militar del país continuaría en manos de esta élite hasta la institución del shogunato Tokugawa en el siglo XVII, cuando el nuevo shogun luchó, paradójicamente, por reducir los privilegios de la clase guerrera, proceso que finalmente concluyó con su desaparición cuando el emperador retomó su papel de gobernante durante la Restauración Meiji en el siglo XIX. Históricamente, la imagen del samurai estuvo más relacionada con la de un arquero a caballo que con la de un espadachín, y no fue hasta que reinó una relativa paz cuando la espada adquirió la importancia con la que la relacionamos en nuestros días. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130667.html 2010-09-03 22:37:51 “Samurai”. Talla en marfil de la primera mitad del s XX. Medidas: 31 x 30 x 17 cm (figura); 5 x 31 x 14,5 cm (peana). Talla enteramente realizada en marfil, con detalles cincelados y resaltados con tinta negra, que representa a un fiero samurai en pie, con las piernas muy separadas y sosteniendo una larga lanza con ambas manos, preparado para atacar. El personaje viste camisa y pantalones hasta la rodilla, decorados con ricos estampados florales, y armadura completa de bambú, que le cubre el pecho, la cadera y las pantorrillas. Sobre la cabeza luce un elaborado yelmo típicamente japonés, con adorno sobre la frente y dos secciones articuladas que protegen los laterales de la cabeza. A la espalda lleva el carcaj cargado de flechas y el arco. De su cinto penden dos katanas en sus vainas. Como es usual en el arte japonés, los estampados de las telas tienen un importante papel ornamental, pero en este caso se ha dedicado aún más atención a la armadura. El escultor ha sabido reproducir con naturalismo y minuciosidad no sólo sus distintas partes, sino principalmente sus calidades y texturas, realzadas mediante un delicado cincelado a tinta. Destaca asimismo el expresionismo del rostro, cercano a las representaciones pictóricas japonesas contemporáneas, así como a las máscaras utilizadas en el teatro kabuki, constante referencia para este tipo de piezas. Los samurais fueron una élite militar que gobernó Japón durante cientos de años. Su origen se remonta al siglo X, y se fortalecieron al concluir las Guerras Genpei a finales del siglo XII, cuando fue instituido en el país un gobierno militar bajo la figura del shogun, quedando el emperador a su sombra como mero espectador de la situación política. Su momento cumbre tuvo lugar durante el periodo Sengoku, época de gran inestabilidad y continuas luchas de poder entre los distintos clanes existentes, denominada “periodo de los estados en guerra”. El liderazgo militar del país continuaría en manos de esta élite hasta la institución del shogunato Tokugawa en el siglo XVII, cuando el nuevo shogun luchó, paradójicamente, por reducir los privilegios de la clase guerrera, proceso que finalmente concluyó con su desaparición cuando el emperador retomó su papel de gobernante durante la Restauración Meiji en el siglo XIX. Históricamente, la imagen del samurai estuvo más relacionada con la de un arquero a caballo que con la de un espadachín, y no fue hasta que reinó una relativa paz cuando la espada adquirió la importancia con la que la relacionamos en nuestros días. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130674.html 2010-09-03 19:02:44 “Samurai”. Talla en marfil de la primera mitad del s. XX. Firmada en una de las piernas. Medidas: 31 x 26 x 20 cm (figura); 5 x 29 x 14,5 cm (peana). Talla enteramente realizada en marfil, con detalles cincelados y resaltados con tinta negra, que representa a un fiero samurai en pie, con las piernas muy separadas y sosteniendo la katana con ambas manos, preparado para atacar. El personaje viste camisa y pantalones hasta la rodilla, decorados con ricos estampados florales, y armadura completa de bambú, que le cubre el pecho, la cadera y las pantorrillas. Sobre la cabeza luce un elaborado yelmo típicamente japonés, con adorno sobre la frente y dos secciones articuladas que protegen los laterales de la cabeza. A la espalda lleva el carcaj cargado de flechas y el arco. De su cinto penden la vaina de la katana y una segunda espada, aún enfundada. Como es usual en el arte japonés, los estampados de las telas tienen un importante papel ornamental, pero en este caso se ha dedicado aún más atención a la armadura. El escultor ha sabido reproducir con naturalismo y minuciosidad no sólo sus distintas partes, sino principalmente sus calidades y texturas, realzadas mediante un delicado cincelado a tinta. Destaca asimismo el expresionismo del rostro, cercano a las representaciones pictóricas japonesas contemporáneas, así como a las máscaras utilizadas en el teatro kabuki, constante referencia para este tipo de piezas. Los samurais fueron una élite militar que gobernó Japón durante cientos de años. Su origen se remonta al siglo X, y se fortalecieron al concluir las Guerras Genpei a finales del siglo XII, cuando fue instituido en el país un gobierno militar bajo la figura del shogun, quedando el emperador a su sombra como mero espectador de la situación política. Su momento cumbre tuvo lugar durante el periodo Sengoku, época de gran inestabilidad y continuas luchas de poder entre los distintos clanes existentes, denominada “periodo de los estados en guerra”. El liderazgo militar del país continuaría en manos de esta élite hasta la institución del shogunato Tokugawa en el siglo XVII, cuando el nuevo shogun luchó, paradójicamente, por reducir los privilegios de la clase guerrera, proceso que finalmente concluyó con su desaparición cuando el emperador retomó su papel de gobernante durante la Restauración Meiji en el siglo XIX. Históricamente, la imagen del samurai estuvo más relacionada con la de un arquero a caballo que con la de un espadachín, y no fue hasta que reinó una relativa paz cuando la espada adquirió la importancia con la que la relacionamos en nuestros días. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130682.html 2010-09-03 19:17:33 Collar con un hilo de treinta y una perlas Australianas de 12-15 mm de diámetro. Cierre mosquetón en oro blanco de 18 kts, en forma de corazón, con una línea de diamantes, talla brillante. Medidas: 47 cm (largo total) y 2,6 cm (ancho cierre) http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131923.html 2010-09-03 22:45:49 WARHOL, Andy (Pittsburgh, EE.UU., 1928 – Nueva York, EE.UU., 1987). “Portrait”, 1975. Serigrafía, ejemplar 28/280. Firmada, fechada y numerada a lápiz, al dorso. Medidas: 94,5 x 65 cm; 120 x 91 cm (marco). Andrew Warhola, comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico, cineasta y productor musical estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador, Warhol adquirió fama internacional gracias a su innovador trabajo en el campo de la pintura, el cine de vanguardia y la literatura. Considerado en su tiempo gurú de la modernidad, Warhol ha sido uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Su fama como ilustrador supuso, en un primer momento, un obstáculo para su consideración como artista. De este hecho parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado, piedra angular de su pensamiento artístico. Criticó duramente la separación entre el arte y el gran público, y por tanto entre arte y mercado, y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. El pop art ya era una corriente en estado germinal, que artistas como Liechtenstein o el propio Warhol exploraban de modo aislado. El artista comenzó a involucrarse con el movimiento, realizando imágenes tomadas de dibujos animados y de anuncios de televisión, que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura, relacionadas con el expresionismo abstracto. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas. Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de “cosa mentale”, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento. Actualmente, Warhol está representado en los museos de arte contemporáneo más importantes del mundo, tales como el MoMA, el Metropolitan y el Guggenheim de Nueva York, el de Fukoka en Japón, el Kunstmuseum de Basilea, el Nacional de Arte del siglo XXI en Roma, el MUMOK de Viena, el SMAK de Gante y la Tate Gallery de Londres, así como en los museos y fundaciones que llevan su nombre en Pittsburg, Nueva York y Medzilaborce (Eslovaquia). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132227.html 2010-09-03 23:01:42 Pareja de arcos del siglo XVII. Madera tallada, policromada y dorada. Procedente del castillo de Batres, en Madrid. Medidas: 100 x 180 cm. Pareja de arcos ornamentales realizados en madera tallada, dorada y policromada, decorados con molduras, cornisas curvas, gruesas hojas de acanto y, en la cúspide, la cabeza de un querubín. Se trata de arcos lobulados, aunque no entroncan con la tradición gótica sino con el ánimo decorativista del barroco, que busca la proliferación de las curvas en estructura y a nivel ornamental. Siendo como es el barroco un estilo clásico, destaca la diferenciación de las distintas partes de la estructura, que no llega a quedar oculta por la decoración en ningún momento, a diferencia de lo que ocurre en los ejemplos posteriores, de estilo rococó. La profusión del dorado asimismo se relaciona con este gusto por lo escenográfico, por la riqueza ornamental, propio del siglo XVII, que aquí queda además enriquecido por el contraste entre el oro y la policromía. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133026.html 2010-09-03 23:19:44 BARRAU BUÑOL, Laureano (Barcelona, 1864 – Ibiza, 1950). “Calle”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 66 x 53 cm; 84 x 71 cm (marco). Laureano Barrau inició su formación en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde fue discípulo de Antonio Caba. Poco después realiza un viaje a Madrid, para estudiar a los grandes maestros del Museo del Prado. En 1884 el Ayuntamiento de Barcelona le concede la pensión Fortuny para ampliar sus estudios en París. Allí entra en la Academia de Bellas Artes, con Jean-Léon Gérôme como tutor. Dos años después obtiene otra pensión, esta vez para viajar a Roma y estudiar a los maestros italianos. Concurrió asiduamente a exposiciones nacionales e internacionales, obteniendo varios premios. En las Nacionales de Bellas Artes se le concedieron una tercera y una segunda medalla (1892 y 1904 respectivamente), y segundas medallas en las Universales de Barcelona y Bruselas de 1888. Realizó numerosas exposiciones, individuales y colectivas, en París, Barcelona, Madrid, Nueva York y Roma. Desde 1887 expuso regularmente en la sala Parés de Barcelona, una de las más importantes galerías españolas del momento, y la más destacada de Cataluña. En 1911 traslada su residencia a Ibiza, donde permanece hasta su fallecimiento en 1950. En 1929 es nombrado “Societaire” de los Salones de París. Se conserva obra de Laureano Barrau en el Museo del Prado, el Museo Getty en California, los Museos de Arte Contemporáneo de Madrid y Barcelona, su casa-museo en Santa Eulalia, Ibiza y en diversos museos de París, Buenos Aires, Montevideo y Río de Janeiro, así como en importantes colecciones privadas nacionales e internacionales. En esta obra, Barrau retrata el pintoresco rincón de un pueblo, una estrecha callejuela que discurre junto a un muro. Frente a éste se disponen los muros de los edificios, típicamente españoles, de paredes encaladas, con un balcón y pequeñas ventanas. Frente a la puerta aparece la figura de una mujer sentada al fresco, casi escondida en la penumbra, que parece mirarnos directamente. El autor busca ante todo la plasmación naturalista del entorno, de la luz y de las matizadas variaciones de color, por lo que la figura humana se convierte en un elemento más del paisaje, y deviene pura mancha cromática, expresiva y de gran plasticidad, trabajada del mismo modo que el resto de los elementos. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133099.html 2010-09-03 22:36:30 LENGO MARTÍNEZ, Horacio (Torremolinos, Málaga, 1840 – Madrid, 1890). “Amor y coquetería”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 99 x 55 cm; 119,5 x 76 cm (marco). Horacio Lengo nace en el seno de una familia acomodada, siendo educado por su abuelo, cónsul de Trieste y de Toscana. Desde muy pequeño se aficionará al dibujo, presentándose ya a una exposición del Liceo en 1845. Tiempo después iniciará su carrera como funcionario de Hacienda, siendo destinado a Cádiz en 1855. Allí se casa con una rica heredera de ilustre apellido dentro de la ciudad, y será por estos años cuando entre en contacto con el mundo artístico a través de su maestro y gran amigo Serafín Martínez del Rincón, pintor palentino trasladado a la Escuela de Bellas Artes de Cádiz. Lengo regresa a su Málaga natal en 1871, y participa en varias exposiciones nacionales. Al año siguiente será nombrado secretario del Liceo en su sección de Bellas Artes, y en 1874. En la capital francesa asistirá como discípulo al taller de Léon Bonnard, y tomará parte en una exposición colectiva en 1975. De París Lengo regresa con una concepción diferente de la pintura, y a partir de 1877 su pintura empezará a ser reconocida en Málaga, gracias al éxito de su participación en varios concursos y exposiciones. En 1882 se instalará definitivamente en Madrid. En 1890 consigue un gran reconocimiento con un retrato de su hija, siendo esta su última muestra pública dado que ese mismo año, aquejado de una mortal enfermedad, se suicidará en su estudio madrileño. Además del retrato y la caricatura, Lengo cultivó la composición de pequeños bodegones y caprichos artísticos decorativos con títulos poéticos y literarios, frecuentemente protagonizados por elegantes aves. Dentro de este grupo se encuentra el lienzo que aquí presentamos, así como los conservados en el Museo del Prado “Leonora” y “Manrique”, inspirados en los personajes de la ópera “El trovador”, de Antonio García Gutiérrez, estrenada en el Teatro Príncipe en 1836. Lengo está actualmente representado en el Museo del Prado, la Diputación Provincial y el Museo del Patrimonio Municipal de Málaga y en el Instituto de Secundaria Goya de Zaragoza, así como en diversas colecciones particulares. En esta obra Lengo, con su habitual sentido preciosista de cuidada pincelada, plasma una alegoría amorosa protagonizada por dos palomas, que parecen a punto de besarse en un balcón. El autor enriquece la escena con un suntuoso tapiz colgante, exuberantes flores y un delicado parasol de inspiración oriental, muy típico del gusto decimonónico. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133105.html 2010-09-03 22:42:31 RIPOLLÉS, Joan (Castellón, 1932). “Paloma y mejillón”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 50 x 61 cm; 54 x 64 cm (marco). Conocido por su segundo apellido o como “el Beato Ripo”, Joan García Ripollés descubrió su pasión por la pintura cuando, siendo aún muy joven y en plena posguerra, entró a trabajar en un taller de pintura industrial. Desde entonces se dedicó a pintar por las noches, y más tarde recibió clases de dibujo en el instituto Ribalta de Castellón. Tras su debut en una colectiva celebrada en 1951 en la Caja de Ahorros de Castellón, en 1954 se produce un punto de inflexión en su carrera, a consecuencia de un viaje a París en el que estableció contacto con los círculos artísticos de la ciudad. Organiza su primera muestra individual de importancia en el MACBA de Barcelona en 1962, y en 1967 viaja a Nueva York, donde expone y vende toda su colección a The William Haber Art Collection. Desde este momento se inicia una fulgurante carrera internacional que ha llevado su obra por todo el mundo. Ha organizado muestras individuales no sólo en España, París y Nueva York, sino también en México, Holanda, Bélgica, Italia, Suiza, Suecia, diversas ciudades estadounidenses, Alemania y Japón. En el año 2000 se le concedió el Premio de las Artes de la Comunidad Valenciana. Ripollés es, hoy en día, uno los artistas españoles más internacionales, y también uno de los más completos, ya que ha trabajado con brillantez la pintura, la escultura y el grabado. Está representado en el IVAM, el MOMA de Nueva York, el Museo de la Universidad de Alicante, el de Bellas Artes de Sevilla y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133181.html 2010-09-03 21:56:02 MASRIERA MANOVENS, Francisco (Barcelona, 1842 - 1902). “Odalisca”, 1888. Óleo sobre tabla. Con repintes. Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 40 x 30,5 cm; 54 x 45 cm (marco). Pintor, escritor y orfebre, Francisco Masriera cultivó el género del retrato y la pintura orientalista, y es actualmente considerado uno de los mejores retratistas que siguieron la estela de Fortuny. Hijo del prestigioso orfebre José Masriera Vidal, y hermano de los también pintores José y Luis Masriera, Francisco inició su formación artística de la mano de su padre, en el taller de joyería familiar, y junto al pintor José Serra Porson. A continuación viajó a Ginebra para aprender la técnica del esmalte, aunque poco a poco se decantaría por la pintura, especializándose en la ejecución de retratos. Hacia 1865 se trasladó a París, donde acudió al taller de Alexandre Cabranel y se dedicó a la copia de los grandes maestros del Louvre. Posteriormente viajó a Roma, ciudad en la que comenzó a realizar lienzos de temática orientalista. Como escritor y articulista destacó su colaboración en la revista “El Recuerdo”. Francisco Masriera concurrió a las Exposiciones Universales de París de 1867, 1878 y 1889, siendo distinguido en esta última edición con una medalla de tercera clase. En la Nacional de Bellas Artes de Madrid de 1878 fue premiado con segunda medalla por la obra titulada “La esclava”, que fue finalmente adquirida por el rey Alfonso XII. También mostró sus obras en la galería Bosch de Madrid, en 1882, y en la sala Parés de Barcelona en 1889. Dentro de su producción de retratos destaca el que realizó a la reina regente María Cristina con su hijo Alfonso XIII en el año 1888, que actualmente preside el Salón de la Reina Regente de la Casa de la Ciudad de Barcelona. Cercano al grupo de pintores españoles afincados en la capital francesa, entre los que se contaba a Francisco Miralles, Romà Ribera y Federico de Madrazo, su proyección internacional se afianzó al firmar un contrato con Goupil, el marchante más importante del momento, para la comercialización de su obra. Sus cuadros se caracterizan por la perfección del dibujo, la cuidada composición y un colorido lleno de fuerza y luminosidad, que se manifiesta sobre todo en los tonos atornasolados de las telas. Este pintor practicó un preciosismo lleno de fantasía y sentido decorativo, en el que la frescura del color recuerda a la pintura galante de Watteau y Fragonard. En sus estudios, composiciones y retratos se centró preferentemente en la figura femenina, representada en ambientes suntuosamente ornamentadas y ataviadas con ricos vestidos, tocados y joyas orientalistas. Francisco Masriera está representado en el Museo del Prado, el de San Telmo en San Sebastián, el de Bellas Artes de Álava, el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el de la abadía de Montserrat y en el Patrimonio Nacional, así como en diversas colecciones particulares. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133373.html 2010-09-03 22:51:16 Escuela española de la segunda mitad del siglo XX. “Dragón”. Escultura en yeso policromado. Firmada “P. Lasencia” en la base. Con pequeñas faltas. Medidas: 40 x 30 x 22 cm. Esta escultura representa a un dragón típicamente medieval, inspirado en los bestiarios de dicha época. El animal aparece recostado, con la cola terminada en punta de flecha enrollada en torno al cuerpo y las alas plegadas sobre el lomo, mostrando sus garras y sus fauces abiertas, en actitud fiera y desafiante. La inspiración medieval relaciona esta representación con el neogótico de finales del siglo XIX y principios del XX, cuando la figura del dragón fue una de las preferidas para la ornamentación de edificios y todo tipo de objetos decorativos. Aquí se representa por tanto el mito fantástico de la fiera custodia de tesoros, la encarnación del mal y de la fuerza destructora de la naturaleza. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130954.html 2010-09-03 21:44:15 CÉSPEDES Y MENESES, Gonzalo de (1858 – 1638). “Poema trágico del español Gerardo, y desengaño del amor lascivo”. Madrid; Imprenta de Don Pedro Marín, 1788. Edición corregida. Encuadernación en plena piel de época, con dorados y tejuelos en el lomo. Buen estado de conservación, revisado completo. Con pequeños roces en la encuadernación. Medidas: 21 x 15,5 x 3,5 cm. La que aquí presentamos, editada por primera vez en Madrid en 1615, es la obra más importante de Gonzalo de Céspedes y Meneses. Escrito en prosa y autobiográfico en buena parte, influyó en las “Nouvelles” de Nicolás Lancelot (París, 1628). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131152.html 2010-09-02 12:13:12 PICASSO, Pablo (Málaga, 1881 – Mougins, Francia, 1973). “Retratos imaginarios”, 26.3.69 III. Reproducción litográfica, ejemplar F 237/250. Firmada y fechada en plancha. Con sello seco “Litographie. Executée par M. Salinas d’après une peinture carton de Picasso”. Medidas: 66 x 51 cm. Esta es una de las veintinueve obras realizadas en técnica litográfica para la exposición del artista “Portraits imaginaires”, celebrada en la galería Du Passeur de París. Se trata de un proyecto llevado a cabo en colaboración con Marcel Salinas, quien litografió las obras a partir de guaches originales de Picasso. Esta imagen, en concreto, fue la utilizada para el cartel de la muestra. Creador del cubismo junto con Braque, la pintura de Picasso supuso un punto de inflexión en la historia del arte. Inicia sus estudios en 1895, en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y tan sólo dos años después realiza su primera muestra individual, en el café “Els Quatre Gats”. Tras varias estancias cortas en París, Picasso se instala definitivamente en la capital francesa en 1904. El definitivo reconocimiento internacional llegará en 1939, a raíz de la retrospectiva que le dedica el MOMA de Nueva York. Durante las décadas siguientes se le dedicarán muestras antológicas por todo el mundo, en Roma, Milán, París, Colonia y Nueva York, entre otras muchas ciudades. Está representado en los museos más importantes de todo el mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131289.html 2010-09-03 23:12:47 IBARZ ROCA, Miguel (Mequinensa, Zaragoza, 1920 – Barcelona, 1987). “L’ampolla d’aiguanaf”, 1976. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Firmado, fechado y titulado al dorso. Con etiqueta de la sala Gaspar. Medidas: 60 x 73 cm. Miguel Ibarz se encuadra en la segunda vanguardia catalana, sobre todo de Barcelona, ciudad a la que marchó a vivir con sus padres a la edad de dos años. Su pintura arrastra influencias cubistas, fauvistas y de la abstracción en general, pero se muestra siempre sujeta a una figuración expresiva, colorista y melancólica. A los quince años le sorprendió la guerra civil, pasando a pertenecer a la llamada Quinta del Biberón, donde ejerció de telegrafista del ejército republicano. Tras la derrota marchó al exilio y, después de un breve periodo en el sur de Francia, regresará a Barcelona. En 1950 participará en exposiciones de vanguardia en dicha ciudad, y al año siguiente logra una beca del Instituto Francés para viajar a París, donde permaneció entre 1952 y 1953. Allí tuvo como principal referente a Picasso, que representaba un modelo para la figuración de vanguardia. Regresará a la capital francesa pocos años después, y en 1957 marchará a Italia con motivo de su exposición en una galería romana. A raíz de este viaje su pintura será cada vez más colorista, más sensual y mediterránea. En 1959 expondrá individualmente por primera vez en la sala Gaspar de Barcelona, la que le representaría ya durante el resto de su carrera. Ibarz está representado en el Museo Camón Aznar, el cual le dedicó una muestra antológica en 2004, en el de Bellas Artes de Valencia y en la Archenbach Foundation, entre otros centros y colecciones. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131465.html 2010-09-03 21:36:42 TÀPIES PUIG, Antoni (Barcelona, 1923). “T”. Litografía, ejemplar H.C. Firmada a lápiz. Medidas: 100 x 69,5 cm; 104 x 74,5 cm (marco). Antoni Tàpies ha realizado exposiciones por todo el mundo, en destacadas galerías y en museos como el Guggenheim de Nueva York o el de Arte Moderno de París. Cuenta entre sus galardones con premios como el Príncipe de Asturias, El Praemium Imperiale de la Japan Art Association, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antológicas en Tokio, Nueva York, Roma, Ámsterdam, Madrid, Venecia, Milán, Viena y Bruselas. Está representado en los principales museos nacionales e internacionales, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, los Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Museo de Arte Fukoka de Japón, el MOMA de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131523.html 2010-09-03 23:28:24 Pareja de pendientes dormilonas en oro blanco de 18 kts formadas por siete diamantes, cada uno, talla brillante, con un peso total de ca. 0,45 cts, distribuidos en forma de flor. Medidas: 11 mm (diámetro frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131797.html 2010-09-03 19:46:31 Colgante con cadena en oro amarillo de 18 kts. Original colgante formado por una amatista de bello color, talla pera facetada, con un peso de ca. 22,48 cts, engarzada con cuantro garras dobles y con balía escondida en la parte trasera. Cadena de espiral fina con cierre mosquetón. Medidas: 26 x 16 mm (amatista) y 44 cm (largo cadena). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132088.html 2010-09-03 20:10:05 Escuela catalana de la segunda mitad del siglo XX. “Palamós”, 1989. Óleo sobre lienzo. Firmado “Vilacloses” y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 60 x 73 cm. En este lienzo se plasma un paisaje típicamente mediterráneo, y concretamente catalán, desde un punto de vista contemporáneo. El autor no busca la representación idílica de la naturaleza sino la cotidianeidad, una visión real e inmediata de la costa catalana. En primer plano se sitúa el paseo marítimo, con grandes losas cubriendo el suelo y marcando una cierta perspectiva. Este primer término queda limpiamente delimitado por la barandilla de forja, de la que cuelga una toalla de playa de vistosos colores. A ella se asoman dos figuras infantiles, con la vista fija en la playa y el puerto. Detrás se desarrolla en profundidad el fondo de costa, con multitud de barcos en el agua, estrictamente alineados, y la línea del fondo dominada por altos edificios, destacados por la clara y fría luz del cielo que se alza tras las montañas del horizonte. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132130.html 2010-09-03 19:36:05 MAÑÉ GARZÓN, Pablo (Montevideo, 1921 – Barcelona, 2004). “Jarrón con flores”. Óleo sobre lienzo. Firmado en la zona inferior central. Medidas: 61 x 50 cm. Pablo Mañé nació en Montevideo en el seno de una familia de origen catalán, y con tan sólo doce años, en 1933, marcha a París con su familia, al ser su padre nombrado embajador. Durante estos años en la capital francesa comienza a desarrollar su interés por la pintura, formándose como discípulo predilecto de André Lothe. En 1939 regresa a Uruguay y viaja por Sudamérica, trabajando como periodista. Durante los años cincuenta y sesenta trabajará como crítico musical y de artes plásticas para diferentes semanarios, uruguayos y españoles. Sigue cultivando la pintura en paralelo, y a mediados de los sesenta abandona el cubismo. En 1965 obtiene el Premio de Pintura en el Salón Nacional de Artes Plásticas, pero ese mismo año abandona Uruguay y regresa a España, donde expondrá por primera vez en 1972, en la sala Gaudí de Barcelona. Durante los años setenta funda en Mataró una academia de arte y traduce a poetas clásicos y románticos franceses e ingleses por encargo de editoriales barcelonesas, y en 1992 expone individualmente en la Phillips Gallery de Nueva York. Desde los años noventa viaja por Europa y América y recibe encargos de Estados Unidos y Japón, y su obra se integra en las colecciones de los museos Estrada de Barcelona, de Arte de Montevideo, de Arte Moderno de Sao Paulo, de Arte Contemporáneo de Toledo (Estados Unidos) y en las colecciones del Banco de España y el Banc de Sabadell. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132180.html 2010-09-03 19:38:41 Escuela española, c. 1930. “Interior de palacio”. Acuarela sobre papel. Medidas: 64 x 99 cm; 74 x 110 cm (marco). En esta obra se plasma, a través de un lenguaje enormemente preciso y descriptivo, el rico interior de un palacio, con una mesa alargada y dieciséis sillas ocupando el centro del espacio. Aunque los muebles, claramente modernos, acaparan la atención por la intensidad de su cromatismo, la mirada pronto se adentra en el recorrido de la estancia, de sus diferentes decoraciones y elementos arquitectónicos. El autor ha trabajado con gran delicadeza el interior, buscando una atmósfera clara y luminosa, rica en reflejos y matices cromáticos. La luz que entra por el ventanal del lado derecho es matizada y suave, por lo que no aparecen violentos contrastes que puedan dificultar la perfecta visualización de los diferentes elementos del interior, el auténtico protagonista de la obra. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132388.html 2010-09-03 21:12:38 FREUDEBERG, Sigismond (Suiza, 1745-1801); LINGÉE, Charles Louis (Francia, 1748 – 1819). Pareja de grabados de finales del s. XVIII-ppio. s. XIX “La visite inattendue” y “L’occupation”, París. Medidas: 40 x 29,5 cm; 44 x 33 cm (marco). Pareja de grabados calcográficos coloreados a mano, dibujados por Sigismond Freudeberg y grabados por Lingée. Forman parte de una colección publicada en París en Chez Buldet, formada por doce estampas de temática galante. Actualmente se conserva una colección completa de las doce imágenes en la Biblioteca del Congreso en la Rosenwald Collection (Washington D.C.). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132462.html 2010-09-03 21:38:14 COLLDECARRERA CAMPS, Pere (Olot, Gerona, 1932). “Juanetas”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 46 x 55 cm; 57 x 67 cm (marco). Pintor formado en las Escuelas de Bellas Artes de Olot y Massana de Barcelona, Colldecarrera ha expuesto individualmente en salas como la Busquets de Barcelona, la Francesc Armengol de Olot, la Arimany de Tarragona, la Salduba de Zaragoza y El Claustre de Gerona, entre otras. Ha recibido asimismo diversos premios en certámenes de su región. Su naturalismo impresionista retrata con romántica sensibilidad el paisaje y los vestigios del antiguo mundo rural de su comarca; espectaculares panorámicas a veces, donde su estilo verista representa los distintos planos espaciales, el propio espesor del aire y todo tipo de sensaciones atmosféricas, como la humedad y la lluvia, descritas en ricas gamas cromáticas de gran luminosidad. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132608.html 2010-09-03 22:18:06 NAVARRO ESCUDER, Pedro (Barcelona, último tercio del siglo XIX). “De pesca”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 30 x 50 cm; 46 x 66 cm (marco). Pocos datos conocemos actualmente de este autor, del que sabemos que tomó parte en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona de 1898 con un lienzo titulado “Preparativos para la pesca”. En esta obra Navarro Escuder refleja un paisaje costero al atardecer, buscando plasmar en el lienzo un momento fugaz, un cromatismo y una luz únicas. De este modo el pintor logra inmortalizar un instante preciso, evocando la naturaleza en constante cambio. La figura del pescador, que regresa a su hogar tras un día de trabajo, sirve de guía a nuestra mirada. En su camino, el hombre vuelve la cabeza para contemplar el espectáculo del anochecer sobre el mar, de las gaviotas volando al unísono, los barcos regresando a la orilla. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132835.html 2010-09-03 22:36:22 PIGEM ROSSET, Manuel (Bañolas, Gerona, 1900-?) “El llac de Banyoles”, 1948 Óleo sobre lienzo Firmado Enmarcado Medidas: 38 x 54 cm.; 56 x 73 cm. (marco) Pintor. Sobrino y discípulo de Manuel Pigem Ras, cultivó, como éste, un paisaje de pincelada impresionista. Celebró exposiciones individuales, entre ellas en la Casa del Libro de Barcelona, en 1949. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=132872.html 2010-09-03 19:12:49 MÈNE, Pierre Jules (París, 1810 – 1879). “L'accolade”. Escultura en estuco patinado. Medidas: 37 cm de altura. En esta pieza, el escultor ha trabajado el modelado con delicadeza y detenimiento, buscando plasmar las cualidades táctiles del pelaje de los caballos y sus anatomías en todo detalle. A través de una escrupulosa observación del natural, el autor logra captar con verismo el movimiento pausado de los dos animales, logrando a la vez evocar calidez y ternura. Discípulo de René Compaire, Mène trabajó principalmente el bronce, especializándose en temas de caza y grupos ecuestres. De hecho, es actualmente el más célebre escultor animalista después de Barye. Debutó en el Salón de París en 1832 y pronto se hizo muy popular. Durante el resto de su vida, hasta el mismo año de su muerte, concurrió con asiduidad al Salón, obteniendo medalla de tercera clase en 1855, de segunda en 1878, y de primera en 1852 y 1861. En 1861 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. En sus grupos escultóricos el caballo suele tener un lugar preponderante, aunque también son frecuentes sus escenas de caza con ciervos, perros y aves de corral (nunca fieras). La gran demanda por parte del público llevó a Mène a abrir su propia fundición en 1837, donde produciría sus modelos y los de su yerno Auguste Cain. El Mène escultor se ocupaba del aspecto técnico, del fundido y del cincelado, implicándose de lleno en la producción de sus obras. Tras su muerte, compró los derechos de reproducción de sus obras el fundidor Susse, quien continuó editándolas, aunque identificadas por la marca “Susse fondeur éditeur, Paris”. Varias de las obras de Pierre Jules Mène fueron expuestas dentro de la muestra “En torno a Barye y Pompon. Escultura de animales de los siglos XIX y XX”, organizada por el Museo de Artes Decorativas de Burdeos en 2001. Mène está representado en los Museos de Bellas Artes de La Rochelle, Agen, Béziers, Dijon y Rouen, en el palacio de Fontainebleau y en los Museos Carnavales y de Artes Decorativas de París, entre muchos otros. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133197.html 2010-09-03 21:46:54 Miniatura sobre marfil del siglo XIX. “Retrato de joven dama”. Firmada. Medidas: 4,5 x 3,6 cm; 9,3 x 8,3 cm (marco). Los retratos en miniatura se desarrollaron en Europa a partir del siglo XVI. Consistían en pequeñas pinturas encajadas en objetos como medallones, relojes de sobremesa o pequeñas cajitas. El marco de estos retratos solía ser ovalado o circular. Se realizaban en una gran variedad de técnicas, como el óleo sobre cobre, estaño o marfil, las aguadas sobre pergamino o cartulina y, desde el siglo XVIII, la acuarela sobre marfil. Este delicado arte se irá perdiendo desde la segunda mitad del siglo XIX, en paralelo al desarrollo de la fotografía. En esta pieza, la luminosa semitransparencia del material de base, el marfil, permite lograr sutiles efectos atmosféricos y alcanzar una rica variedad cromática. En este tipo de piezas, durante el siglo XIX, lo más común fueron las representaciones historicistas, frecuentemente inspiradas en el siglo precedente. En este sentido, se recoge la idea del retrato-joya para plasmar una imagen romántica, que ilustra la riqueza del pasado perdido. En esta miniatura se presenta, de busto largo y en primerísimo plano, la figura de una joven de gran belleza, plasmada con la técnica delicada y minuciosa propia de este tipo de obras. El autor plasma a la modelo mirando directamente al espectador, en un sentido plenamente dieciochesco y rococó, que contrasta con el rígido protocolo del retrato barroco. Se ha prestado asimismo una especial atención a la representación de la gracia y elegancia de la joven, apreciables en la delicada forma en que sostiene el clavel y en cómo inclina ligeramente el rostro hacia un lado. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=133456.html 2010-09-03 18:59:32 BREENBERGH, Bartholomeus (Holanda, c. 1599 – 1657). “La curación del ciego en el estanque de Siloe”. Se adjunta certificado emitido por Enrique Valdivieso González, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla. Óleo sobre lienzo. Reentelado, bastidor del siglo XIX. Medidas: 101 x155 cm; 130 x 188 cm (marco). Esta obra pertenece a la escuela holandesa del siglo XVII, y presenta unas características de estilo que permiten señalar con claridad que su autor es Bartholomeus Breenbergh, nacido en Deventer hacia 1599 y fallecido en Ámsterdam en 1657. Fue un artista que combinó en la mayoría de sus obras la creación de paisajes con temas mitológicos o bíblicos, poblando sus composiciones con multitud de pequeños personajes, respaldados por edificios que evocan el pasado grecorromano. Como puede comprobarse en esta pintura, Breenbergh utilizó con frecuencia efectos lumínicos presididos por tonalidades áureas que crean un admirable efecto espacial. El tema que representa este óleo procede de la Biblia, concretamente del Nuevo Testamento, donde figura narrado en el Evangelio de San Juan, cap. 9. En este capítulo, el evangelista describe la curación de un ciego de nacimiento por Jesucristo, en el estanque o piscina de Siloe. El artista ha descrito un aparatoso y decorativo escenario en el que se equilibran paisaje natural y grandes arquitecturas, que evocan una ciudad fortificada de la Antigüedad con sus torres y murallas ciñendo el recinto urbano. En el interior de éste se constata la presencia de algunas casas, y de una iglesia de alto campanario. A la puerta de dicha ciudad, y al borde del estanque de Siloe, aparece congregada una enorme multitud que contempla cómo Cristo, acompañado de san Pedro, coge al ciego que se halla en el suelo, indicándole que está curado. La muchedumbre que los rodea eleva los brazos y sus ojos hacia lo alto, donde un ángel en medio de nubes doradas preside la milagrosa escena. La parte izquierda de la pintura describe un amplio y profundo paisaje que se pierde en la lejanía y donde, en primer término, aparece un camino por el que transitan varios enfermos e impedidos que se dirigen a la población para beneficiarse de las propiedades curativas del agua del estanque. Breenbergh fue, junto a Cornelis van Poelenburg, el iniciador del paisajismo italianizante holandés. Los artistas atraídos por esta nueva vía del paisaje se trasladaron normalmente a Italia, para aprender directamente del modelo de referencia que ofrecía Claudio de Lorena. Breenbergh realizó este viaje hacia 1620 y estudió con Paul Bril, permaneciendo allí casi diez años. Entre 1627 y 1628 regresa a Holanda, instalándose en Ámsterdam en 1633. Sus más importantes referentes, junto a Lorena y Bril, fueron su amigo van Poelenburgh y Adam Elsheimer. En el esplendor de su pintura, sus idílicas visiones de la campiña romana llegaron a ser atribuidas al propio Lorena. Su obra se relaciona con la de los pintores holandeses anteriores a Rembrandt, especialmente por su utilización de la luz en el entorno natural. Breenbergh está representado algunas de las pinacotecas más destacadas de todo el mundo, como el Museo del Louvre, el del Prado, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Londres, el Hermitage de San Petersburgo, el Rijksmuseum de Ámsterdam, los Nacionales de Varsovia y Kassel, el de Arte Occidental de Tokio, la Pinacoteca Real Mauritshuis de La Haya, el Albertina de Viena o el Thyssen-Bornemisza de Madrid. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=131753.html 2010-09-03 22:23:52 BARBOSA, Luis (Cordobilla de Lácara, Badajoz, 1952). “Lucio”, 2000. Escultura en madera de palorosa y aluminio. Firmada y fechada en la base. Medidas: 45 cm de altura. Escultor extremeño afincado en Cataluña, Barbosa ha mostrado su obra tanto en España como en Italia, Checoslovaquia y Francia. A lo largo de su carrera ha obtenido premios como el Josep Llimona de Escultura del Círculo Artístico de Sant Lluc (1996 y 2007), los de los Simposios St. Pierre de Chartreuse (Francia) y Cortina (Italia), y el Diploma de Maestro Artesano concedido por la Generalitat de Cataluña, etc. Está actualmente representado en el Museo de Bellas Artes de Badajoz, el de Granollers y en el Ayuntamiento de Montcada i Reixac, así como en diversas colecciones privadas de importancia. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=130775.html 2010-09-03 21:28:28