http://www.setdart.com/ Los lotes más recientes en Setdart.com subastas de Arte, la primera subasta online de España para pintura, escultura, joyeria, arqueologia, mobiliario, antiguedades, lámparas. Autenticidad, seguridad y confianza garantizadas http://www.setdart.com/themes/setdart/images/logoblock.gif http://www.setdart.com/ es-SP Pareja de pendientes largos con movimiento Art Decó, ca. 1930. En platino. Original cuerpo superior con marcadas formas vegetales geométricas del que penden tres cascadas unidas por una anilla, todo ello forrado de diamantes, talla brillante antigua, color H, pureza Vs2-Si1. Cascada rematada por tres diamantes, talla baguette, de la misma calidad y con un peso total de ca. 7,00 cts. Cierre de presión. Medidas: 7,2 x 1,2 cm. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=207038.html 2012-05-18 00:47:09 VAYREDA CANADELL, Josep Maria (Olot, 1932 – Gerona, 2001). “Cadaqués”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 60 x 50 cm; 79 x 70 cm (marco). Josep Maria Vayreda nace dentro de una familia muy vinculada al arte. Su tío abuelo Joaquim Vayreda fue el fundador de la escuela paisajística de Olot, y su tío Mariá Vayreda fue pintor y escritor. Su primera exposición tiene lugar en la Sala Jardí de Barcelona, en 1958. Ese mismo año se traslada a París, donde tanto su fama como su clientela fueron aumentando. Destacan entre sus primeros clientes la reina Paola de Bélgica y actores como Glenn Ford y Fred MacMurray. Pero el responsable de su definitiva proyección internacional fue el coleccionista norteamericano Jerome Soloman quien, a principio de los años 60, compró gran parte de su obra y la exhibió en su país natal. Vayreda expuso su obra en numerosas ciudades europeas, como Londres, La Haya y París, y norteamericanas, entre ellas Boston, Philadelphia, Los Angeles y Nueva York. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252168.html 2012-05-17 20:46:20 Sortija en oro rosa de 14 kts. Frontis decorado con amatista, talla mazarino escalonada, engarzada en garras de doble hilo y flanqueada por los hombros forrados de zafiros en color rosa, talla redonda, engarzados en garras. Medidas: 17,5 mm (diámetro interior); 14 mm (ancho frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=244846.html 2012-05-17 18:14:58 Chaqueta LOEWE. Realizada en tweed de color blanco, presenta corte recto y solapas sencillas, que se continúan desde el cuello hasta media altura, sin abotonadura. Talla 46. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=254639.html 2012-05-17 19:51:15 “The fatal hour”. Cartel de cine, papel encolado. Medidas: 106 x 69 cm. Cartel original de la película “The fatal hour” (1940), dirigida por William Nigh y protagonizada por Boris Karloff, Marjorie Reynolds y Grant Withers. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252795.html 2012-05-17 18:14:58 Pareja de brazaletes. Edad del Bronce, II-I milenio a.C. Bronce. Medidas: 8,5 cm de diámetro. Pareja de brazaletes en bronce de forma tubular, con decoraciones lineales incisas y una bella pátina original. Uno de ellos presenta una abertura para introducirlo en la muñeca, mientras que el otro se cierra por completo, cruzándose sus dos extremos. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=253457.html 2012-05-17 18:14:58 CASTILLO CASALDERREY, Jorge (Pontevedra, 1933). “Figuras y pájaro”, 1999. Gouache sobre litografía troquelada, ejemplar 21/25. Firmado, fechado y numerado a lápiz. Medidas: 56 x 75 cm; 69,5 x 89,5 cm (marco). Hijo de emigrantes españoles en Argentina, Jorge Castillo regresa a España en 1955. Se introduce en los círculos artísticos madrileños, y en 1958 empieza a vender sus dibujos en la galería Biosca. Poco a poco se irá decantando por la técnica del grabado, que será finalmente su principal medio de expresión, aunque lo alternará con la pintura. En 1960 es seleccionado para la Bienal de São Paulo en Brasil. A partir de entonces expondrá su obra internacionalmente, en galerías y museos de Nueva York, San Francisco, Tokio, París, Lisboa, Turín, Hannover, Dusseldorf y Ginebra. Participa en la Bienal de Venecia en 1964 y 1976, y en 1970 realiza una exposición individual en la Nationalgalerie de Berlín, la primera gran exposición dedicada, en un museo, a un periodo concreto de su carrera. Obtuvo premios como los Internacionales de Dibujo y de Pintura de Darmstadt, el Ciudad de Pontevedra y el Cultura Viva de las Artes Plásticas. Está representado en el Museo de Bellas Artes de Lausana, la Fundación Juan March, las Galerías Nacionales de Edimburgo y Berlín, los Museos de Arte Moderno de San Francisco y Vitoria, la Kunsthalle de Bremen, el Albertina de Viena, la Biblioteca Nacional de España y el Guggenheim de Nueva York, entre otros. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=243831.html 2012-05-17 18:14:58 CLAVÉ, Antoni (Barcelona, 1913 – Saint Tropez, Francia, 2005). “A Don Pablo”. Litografía tocada a mano, ejemplar 33/130. Firmada, numerada y dedicada a lápiz: “Per la Maria / Ben amicalment”. Medidas: 90 x 61,5 cm; 98 x 70 cm (marco). Antoni Clavé es una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo español. Formado en Barcelona, durante la guerra civil se instaló en París, donde conoció a Vuillard, Bonnard y Picasso. La sala Gaspar de Barcelona fue la que, a raíz de una exposición en 1956, propició el reconocimiento nacional de un artista que gozaba ya para entonces de un sólido prestigio tanto en Europa como en Estados Unidos. Fue premiado en la Halimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia de 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio de 1957. En 1984 el Estado Español reconoció su valía artística con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año le fue concedida la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña. Está representado en los museos de Bellas Artes de Bilbao, Tate Gallery, de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, de Arte Moderno de Tokio y en el Reina Sofía de Madrid. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=160469.html 2012-05-17 18:14:58 Cristo de marfil, siglo XX. Medidas: 15,6 x 14 cm. Adjunta certificado CITES. La realización de la figura de Cristo en marfil cuenta con una larga tradición en la historia del arte. Por un lado, se trata de un material noble, de bello aspecto, con un tono claro muy apropiado para imitar las carnaciones. Por otro, su color y su textura lo hacen similar al mármol, un material que, por su peso y propiedades, no se puede utilizar para la figura del crucificado, que debe clavarse en una cruz. En este caso la cruz, perdida, sería seguramente de madera, por lo que ofrecería una imagen muy naturalista y expresiva, potenciada por el contraste de color y textura de los dos materiales. Esta pieza se ha trabajado enteramente de una sola pieza de marfil, con excepción hecha de los brazos, que por las limitaciones que presenta la forma del colmillo de elefante se han trabajado aparte y ensamblado después. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=254248.html 2012-05-17 18:14:58 MIRÓ, Antonio. Lámpara de pie “Duna”. Nueva a estrenar. Edición Marset. 2006. Medidas: 175 x 39 cm. Base de repulsado de aluminio con arena en su interior, fuste de aluminio y difusor de metacrilato rojo. En la búsqueda de la esencia de la luz, Duna se basa en las antorchas que iluminaban las épocas de nuestros lejanos antepasados. Ha sido diseñada por Antonio Miró para la firma Marset. Su sistema de rótula la convierte en una pieza flexible y muy útil, ya que permite una rotación de 360º. Su base parecida a la de una maceta está rellena de arena, lo que le confiere una estética especialmente adecuada para jardines y terrazas. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251150.html 2012-05-17 18:14:58 Sortija en oro blanco de 14 kts. Frontis orlado con una olivina, talla mixta, engarzada en garras de doble hilo lacada en color verde y flanqueada por ambos hombros forrados de olivitas, talla redonda, con un peso total de ca. 4,20 cts., engarzadas en garras. Medidas: 17,5 mm (diámetro interior); 11 mm (ancho frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=247217.html 2012-05-17 18:14:58 Sortija Chevalier en oro blanco de 18 kts, años 40. Frontis rectangular orlado con tres líneas rematadas en volutas definidas, completamente forradas de diamantes, tallas brillante y baguette, con un peso total de ca. 4,00 cts., engarzados en garras. Medidas: 17 mm (diámetro interior); 18 mm (ancho frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=253844.html 2012-05-17 18:14:58 AGRASOT Y JUAN, Joaquín (Orihuela, Alicante, 1837 – Valencia, 1919). “Mujer con cántaro”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Necesita repaso. Medidas: 82,5 x 63,5 cm; 104 x 84,5 cm (marco). Agrasot inició su formación en su Orihuela natal, donde se le concedió una pensión de la Diputación de Alicante para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Discípulo allí de Francisco Martínez Yago, ya en sus primeros años obtiene galardones, como la medalla de oro de la Exposición Provincial de Alicante en 1860. En 1863 se le concede una nueva pensión, esta vez para viajar a Roma, donde entró en contacto con Rosales, Casado del Alisal y Fortuny. Con este último establecerá estrechos lazos de amistad, viéndose su pintura profundamente influida por el estilo del pintor catalán. Envió periódicamente lienzos a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, en las que obtuvo tercera medalla en 1864 y segunda en 1867. Agrasot permanecerá en Italia hasta 1875; tras la muerte de Fortuny regresa a España, ya como pintor de reconocido prestigio.Fue miembro de las Academias de San Carlos y San Fernando, y participó como jurado en varias muestras artísticas. En 1886 recibe la medalla de arte de la Exposición Universal de Filadelfia, y en 1888 la segunda medalla en la Internacional de Barcelona. El estilo de Agrasot se enmarca dentro del realismo, interesándose especialmente por la temática de género y el costumbrismo regional. No obstante, siempre trabajó también el desnudo, la temática oriental y el retrato. Está representado en el Museo del Prado, el de Bellas Artes de Valencia, el MUBAG en Gravina (Alicante) y en la Academia de San Carlos de Valencia. En este retrato el artista combina su pasión por el tema costumbrista con su hábil captación psicológica. La mirada inteligente de la joven de piel atezada, la profusión de abalorios que decoran su traje regional, el pañuelo anudado en la cabeza enmarcando sus rasgos, componen una imagen de apariencia fresca y espontánea pero que es fruto de un trabajo virtuoso y preciosista. Ello se advierte en las calidades y texturas de la cerámica esmaltada, de las tersas carnaciones, del paño de seda. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251358.html 2012-05-17 18:14:58 CASTILLO CASALDERREY, Jorge (Pontevedra, 1933). “Jardín almeriense”, época de Berlín, 1968. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado. Con etiqueta al dorso de la galería Manuel Barbié de Barcelona. Adquirido en el estudio del pintor en Nueva York. Medidas: 150 x 150 cm; 171 x 171 cm (marco). Desde niño, Jorge Castillo se apasiona por el dibujo, y con sólo diez años realiza, con lápices de colores, su primera copia de Rubens. Según Castillo, la pintura de Rubens le enseñó a entender el cubismo de Braque y Picasso. Su familia emigró a Buenos Aires al año de nacer el pintor, pero él regresará a Europa en 1955. Trata de ir a París, pero por falta de recursos económicos se establece en España. Tras pasar por Vigo se instala en Madrid en 1955, donde pronto entra en contacto con el crítico de arte José María Moreno Galván, quien admira su trabajo y le introduce en los círculos artísticos madrileños. En 1958 empieza a vender sus dibujos en la galería Biosca, y el propio pintor Antonio Saura compra varios de ellos. Al año siguiente expone sus trabajos sobre papel y acuarelas en la galería Altamira de Madrid. Poco a poco se irá decantando por la técnica del grabado, que será finalmente su principal medio de expresión, aunque lo alternará con la pintura. En 1960 es seleccionado para la Bienal de São Paulo en Brasil. A partir de entonces expondrá su obra internacionalmente, en galerías y museos de Nueva York, San Francisco, Tokio, París, Lisboa, Turín, Hannover, Dusseldorf y Ginebra. Participa en la Bienal de Venecia en 1964 y 1976, y en 1970 realiza una exposición individual en la Nationalgalerie de Berlín, la primera gran exposición dedicada, en un museo, a un periodo concreto de su carrera. Obtuvo premios como los Internacionales de Dibujo (1964) y de Pintura (1975) de Darmstadt, el Ciudad de Pontevedra (1994), y el Cultura Viva de las Artes Plásticas (2006). Actualmente reside y trabaja en el Soho de Nueva York. Se puede contemplar obra de Jorge Castillo en el Museo de Bellas Artes de Lausana, la Fundación Juan March, las Galerías Nacionales de Edimburgo y Berlín, los Museos de Arte Moderno de San Francisco y Vitoria, la Kunsthalle de Bremen, el Albertina de Viena, la Biblioteca Nacional de España y el Guggenheim de Nueva York, entre otros. En esta obra Castillo traza una escena onírica, dotada de un cierto aire expresionista, poblada por personajes que son más bien gestos, manchas de color que fluyen como sangre o humo por la superficie del cuadro. El pintor combina el firme dibujo típico de su obra gráfica con un color totalmente personal, velado y cambiante, que enmascara el escenario metafísico donde se sitúan los diferentes elementos que componen la escena. Tras el conjunto homogéneo que es esta pintura vemos asomar elementos apenas identificados, surgidos de la pura línea: manos y formas geométricas, líneas sinuosas que definen la dirección de las manchas de color, instrumentos indeterminados, etc. Todos estos elementos, pictóricos y figurativos, se conjugan para dar forma a un escenario de gran poder evocador, a medio camino entre la abstracción y la figuración, donde elementos puramente bidimensionales como la mancha de color o la fluidez de la pintura quedan equilibrados en su relevancia con los motivos representados o intuidos. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=209975.html 2012-05-17 18:14:58 Escuela italiana del siglo XVIII. “La Virgen con el Niño y san Antonio de Padua”. Óleo sobre lienzo. Con marco del siglo XIX. Medidas: 59,5 x 42,5 cm; 80 x 61 cm (marco). En esta obra se representa la escena en la que la Virgen María ofrece a san Antonio de Padua que tome al Niño Jesús en sus brazos, uno de los episodios más conocidos de la vida de este santo, ocurrido durante una visión mística. Sin embargo, el hecho se presenta no en la forma de una aparición sino como si se tratase de un hecho real, con los personajes en un espacio físico claramente definido, abierto al fondo a un brillante cielo azul. La composición sigue los cánones del clasicismo barroco, así como la propia concepción de las figuras, la iluminación y el cromatismo. Los personajes aparecen por tanto en primerísmo término, formando un esquema triangular, cerrado y asentado, heredado de grandes maestros del último renacimiento y del manierismo, especialmente de las madonnas de Rafael. Por otro lado, siguiendo a los definidores del clasicismo barroco, los hermanos Carracci y sus seguidores, las figuras adquieren un aspecto escultórico y una monumentalidad enfatizada por el punto de vista bajo. Finalmente, la iluminación es suave, clara y uniforme, evitando los excesivos contrastes, y los colores son eminentemente clásicos: azules, carmines, blancos, negros y grises muy matizados y brillantes, dotados de una gran suntuosidad directamente relacionada con la escuela veneciana. San Antonio de Padua es, después de san Francisco de Asís, el más popular de los santos franciscanos. Fue canonizado sólo un año después de su muerte, en 1232. Hasta finales del siglo XV, el culto de san Antonio permaneció localizado en Padua, pese a tratarse de un santo nacido en Portugal. A partir del siglo siguiente se convirtió, en principio, en el santo nacional de los portugueses, que ponen bajo su advocación las iglesias con edifican en el extranjero; y luego en un santo universal. Se lo invocaba para el salvamento de los náufragos y la liberación de los prisioneros. Los marinos portugueses lo invocaban para tener buen viento en las velas, fijando su imagen en el mástil del barco. En la actualidad se lo invoca sobre todo para recuperar los objetos perdidos. Es representado como un joven imberbe, vestido con hábito. Uno de sus atributos más frecuentes es el libro, que lo identifica como escritor sagrado. Otro rasgo iconográfico distintivo es la rama de lirio, elemento tomado de su panegirista Bernardino de Siena. Suele presentarse a san Antonio con el Niño Jesús, sosteniéndolo en brazos, en alusión a una aparición que tuvo en su celda. Se convirtió en el atributo más popular de este santo a partir del siglo XVI, siendo especialmente popular en el arte barroco de la Contrarreforma. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=161876.html 2012-05-17 18:14:58 Escuela holandesa, s.XVII “La extracción de la piedra de la locura” Óleo sobre tabla. Enmarcado. Medidas: 28 x 12 cm.; 44,5 x 58,5 cm. (marco) Esta pintura debe contextualizarse en la Edad de Oro de la pintura holandesa, en el periodo barroco. La pujanza de la burguesía mercantil, que se convirtió en el principal mecenas del arte, alentó la proliferación de pintura costumbrista, que se elevó a un género mayor por la maestría de los pintores que la practicaron. Se dio rienda suelta a mostrar sin prejuicios los entretenimientos de las clases humildes, sus juergas en tabernas, escenas íntimas de aseo y, como en este caso, la persistencia de las supersticiones medievales entre las clases humildes. El elemento surreal de la célebre pintura de El Bosco desaparece en los cuadros flamencos y holandeses del siglo XVII, más interesados en mostrar fielmente los usos y costumbres de la época, con afán casi etnográfico. Pero la crítica corrosiva de El Bosco a la credulidad del vulgo y a su aprovechamiento por parte de falsos cirujanos permanece en los ejemplos posteriores. La trepanación para extirpar una supuesta piedra causante de la locura era una práctica habitual en los Países Bajos. En la época que nos ocupa los médicos formados en las universidades despreciaban por charlatanes a aquellos que viajaban por los poblados llamándose a sí mismo cirujanos. Si El Bosco dirige sus dardos al clero, Jan Sanders van Hermessen, en su interpretación humanista del mismo tema, sitúa la escena en un hogar donde el único que nos parece un demente es el propio curandero. La representación es realista, y anuncia la eclosión de la pintura de género. Ya en época coetánea al cuadro que nos ocupa, Jan Steen (“Extracción de la piedra”) y Adriaen Brouwer (“El charlatán”) reinciden en el mismo tema. Comparten con el presente óleo holandés la tendencia a caricaturizar los personajes, y a indagar en el alma de cada uno. La expresión quejumbrosa y suplicante del paciente, el rostro compungido de la anciana y la actitud impasible del ejecutante conforman una estampa cruda. Pero al mismo tiempo la escena rebosa poesía, aspecto acentuado por la representación de un interior espartano, donde los animales (el pez, el búho) adquieren tintes alegóricos. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=221242.html 2012-05-17 18:14:58 Sortija estilo Art Déco en platino. Frontis decorado con diamante central, talla brillante, color Blanco I-J, pureza SI, con un peso de ca. 1,65 cts., engarzado en boca de perfil perlado y orlado con un bisel en forma poli lobulada forrado de diamantes, talla brillante, con un peso total de ca. 1,00 cts., engarzados en garras de perfil perlado, extendiéndose hacia los hombros. Medidas: 18 mm (diámetro interior); 13 mm (diámetro frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=253741.html 2012-05-18 00:15:09 Micro-mosaico, s. XIX. Aves. Micro-teselas de esmalte. Marco de madera tallada y sobredorada. Medidas: 28 cm. diámetro micromosaico; 46 cm. diámetro marco. Cuatro aves blancas reposan en la boca de un cuenco de bronce dorado, decorado con greca finamente cincelada. Adoptan variedad de posturas, y una de ellas picotea en el agua del recipiente. El plumaje blanco vira hacia el argénteo y hacia el carmín velado en ciertas zonas. También el metal bruñido adquiere variedad de matices. La escena está enmarcada en orla circular sobre un fondo negro. La exquisitez tonal y la precisa yuxtaposición de las pequeñas teselas de esmalte dan cuenta de su calidad. El arte del micromosaico fructificó durante los siglos XVIII y XIX. El término fue acuñado por Sir Arthur Gilbert para referirse a los mosaicos realizados con pequeñas piezas de esmalte. El recurso de las aves fue frecuente en los mosaicos florentinos para representar las estaciones ya en el Renacimiento, haciéndose más frecuente su presencia durante el barroco, como emblemas de pureza y del alma. El arte del micromosaico nació en el Vaticano para hacer frente al deterioro de su colección de pinturas. Al darse cuenta de que los mosaicos arquitectónicos retenían su color con el paso del tiempo, en los talleres papales se empezó a experimentar con la técnica del mosaico de vidrio para reproducir las obras maestras. El Vaticano guardó el secreto de la fórmula que permitió una reproducción exacta con micromosaicos cuya ausencia de brillo y su calidad cromática hacía indistinguible la copia de la pintura original. Ya en el siglo XIX talleres privados empezaron a proliferar en Roma respondiendo a la demanda del mercado turístico. Mosaicos comerciales se hicieron accesibles en variedad de piezas decorativas. Muchas de ellas se conservan en el Museo Hermitage de San Petersburgo, en la Colección Gilbert de Londres y en el propio Vaticano. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=253911.html 2012-05-17 20:31:56 Atribuido a BASSANO, Leandro da Ponte (Italia, 1557 – 1622). “Los trabajos del campo”. Óleo sobre lienzo. Medidas: 116 x 87,5 cm. En este lienzo se representa un espacio rural, muy desarrollado en profundidad, poblado por numerosos personajes atareados en distintas ocupaciones. Las figuras se suceden en planos, marcando la profundidad espacial con naturalismo, y muchos de ellos nos dan la espalda, un rasgo típico de los Bassano que aporta instantaneidad y naturalismo. Por otro lado, los tipos no son idealizados sino naturalistas, cercanos, tomados de la vida cotidiana. Formalmente destaca asimismo el tratamiento cromático, que podemos relacionar, dentro de la familia Bassano, con la figura de Leandro, por sus tonalidades frías y refinadas. Dominan los rosas, los grises, los verdosos anticlásicos, sobre una base de ocres y terrosos que anticipa el naturalismo barroco. Pintor italiano nacido en Bassano da Ponte, en el Véneto, hijo de Jacopo y hermano de Francesco, también pintores. Trabajó gran parte de su vida junto a sus hermanos, repitiendo las exitosas composiciones creadas por su padre, aunque en su producción se aprecia una factura más seca que la colorida técnica familiar, que él sustituye por una pincelada más precisa y prieta. De hecho, Leandro desarrolló un estilo propio, basado en el dibujo; utilizaba pinceladas apretadas y colores luminosos, aplicados en áreas bien definidas. Leandro Bassano se estableció en Venecia en 1588 y alcanzó allí enorme éxito, sobre todo como retratista. De hecho, la calidad de sus obras de este género le valió incluso su ennoblecimiento en 1595, tras realizar el “Retrato del Dux Marino Grimani”. Del estilo de los Bassano se suele decir que anticipa el naturalismo y el tenebrismo barrocos, por lo que contó con numerosos seguidores en el siglo XVII. Su principal característica radica en el tratamiento de temas religiosos como si fueran escenas de género, en un primer momento (en las obras de Jacopo), y más tarde en el absoluto protagonismo de los temas costumbristas, que tanta importancia tendrán en el siglo XVII. Otros rasgos propios del estilo de esta familia de pintores fueron la especial atención a las calidades de los objetos y el pelaje de los animales, la multiplicación de los personajes y la individualización de los tipos, características que buscan la narratividad, el costumbrismo y el naturalismo. Fueron, así, pintores interesados por los distintos aspectos de la vida cotidiana. Actualmente Leandro Bassano está representado en el Museo del Prado, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Louvre en París, el Ashmolean de Oxford y otros muchos museos de todo el mundo. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=254037.html 2012-05-17 22:13:55 Automóvil MERCEDES-BENZ 230CE de 1984. Motor de 4 cilindros, 2.300 cc. Con dirección asistida y cambio de marchas automático. El modelo 230CE de Mercedes-Benz pertenece a la designación W123 de la firma, que define una serie de automóviles de su clase media, manufacturada en Alemania entre 1975 y 1986. Los modelos W123 sobrepasaron a sus predecesores, los W114 y W115, como los más exitosos de la firma, dado que llegaron a venderse 6,7 millones de unidades en diez años. El nombre del modelo deriva del tamaño del motor, y las siglas significan coupé (C) y “einspritzung” o inyección de gasolina (E). Mercedes-Benz introdujo la serie W123 a mediados de los setenta, y la principal diferencia respecto a los modelos precedentes radicaba en un mayor tamaño en su estructura y también en las dimensiones exteriores. El estilo también se actualizó, aunque se mantuvieron relaciones de línea con los modelos W115. El Mercedes W123 marcó un gran avance para la firma, estableciendo estándares de seguridad totalmente nuevos para la época, que se materializaron en una combinación de seguridad activa y seguridad activa, siendo la Mercedes-Benz pionera en ambos campos. La nueva serie incluía como seguridad activa frenos de disco con ABS, y en cuanto a seguridad pasiva airbag, carrocería reforzada en zonas de deformación programada y tanque de combustible dentro de la estructura del vehículo, para protegerlo de golpes. En cuanto a la tecnología, el Mercedes-Benz W123 podía solicitarse con todos los extras que un automóvil nuevo poseía, como ventanillas eléctricas, techo corredizo, aire acondicionado, Tempomat (control de velocidad crucero), faros delanteros ajustables, transmisión automática y muchos otros extras. Otro gran avance que aportó la nueva serie fue en el campo de los motores diésel, presentando una motorización muy variada con grandes mejoras en potencia, vida últil y economía. Otras innovaciones fueron los faros delanteros ajustables desde el interior, además de un faro antiniebla incorporado al faro trasero, parabrisas de dos capas de seguridad, columna de dirección deformable, cierre central para todas las puertas incluyendo la cajuela y el depósito de combustible y espejo eléctrico del lado del copiloto. Finalmente, cuenta con una carrocería autoportante, totalmente de acero, con compartimento de pasajeros de sólida configuración y resistente a las torsiones (célula de seguridad), depósito de combustible sobre el eje trasero, partes delantera y trasera que absorben la energía de posibles choques, óptima visibilidad en todas direcciones, cristales panorámicos de seguridad, puertas de cierre suave y parachoques con amplios bordones de goma. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=254756.html 2012-05-17 18:14:58 Broche-pendentif Garland, en platino y oro amarillo de 18 kts., ca. 1930. Presenta una gran lazada decorada con cenefa geométrica calada forrada de diamantes, talla brillante antigua, color Blanco H, pureza VS-SI, con un peso total de 4,00 cts. Resaltamos que la pieza central es de ca. 0,60 cts. y ca. 0,25 cts. la situada en el extremo inferior del pendentif, rematado en su parte inferior por una perla natural de color blanco. Medidas: 7,5 x 6 cm. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=207041.html 2012-05-17 18:14:58 MARTÍN OCAÑA, José (Buenos Aires, Argentina, 1912 - ?) “Puerto al anochecer”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 46,5 x 55 cm; 56 x 64 cm (marco). Pintor argentino afincado en España a mediados del siglo XX, José Martín Ocaña cultivó una obra principalmente paisajística, caracterizada poruna factura empastada y suelta, vibrante, de herencia postimpresionista. Durante los años cincuenta celebró diversas exposiciones de importancia en salas españolas, como las muestras personales organizadas en el Círculo Catalán de Barcelona en 1957, o en el Hotel Pez Espada de Torremolinos en 1959. También mostró su obra en Madrid, París, Milán y otras capitales. Actualmente está representado en diversas colecciones particulares. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=217048.html 2012-05-17 18:14:58 ENRICH, Ramon (Igualada, Barcelona, 1968). “Big Ping”. Técnica mixta sobre papel. Firmado en el ángulo inferior derecho. Rotura en el papel. Medidas: 100 x 136 cm. Licenciado por la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. A finales de los ochenta obtuvo varias becas para pintar y exponer en el extranjero, y pasó largas temporadas en el centro cultural Mousonturm de Frankfurt y en Berlín. En 1988 se traslada a Texas, Estados Unidos, motivado por su admiración personal por Donald Judd, afincado en dicha ciudad. En las fundaciones Judd y Chinati expuso sus obras pintadas durante su estancia en Texas. Más tarde viaja a Los Ángeles, donde trabajó con David Hockney, y posteriormente se instaló en Nueva York, donde fue ayudante en el taller de Julian Schnabel. Desde 1991, año de su primera exposición individual en Igualada y Barcelona, ha mostrado su obra en el ámbito catalán y en diversas ciudades del extranjero como Frankfurt, Toulouse, Marbourg o Berlín. Además, ha participado en colectivas tanto en España como en el extranjero, en lugares como Milán, Nueva York, Dusseldorf, Berlín, Hong Kong o Lecco. Cuenta en su historial con numerosos galardones, entre los que cabe destacar el Primer Premio de Pintura de Manresa en 1985, y el Primer Premio de Dibujo de la Muestra de Arte del Ayuntamiento de Igualada en 1987. Dentro de sus exposiciones individuales recientes destaca la organizada en el Altes Mülher de Bad Vilbel, Alemania, en 2001. Ramon Enrich tiene obra en diversas instituciones, como la Tanaka Foundation de Tokio, las colecciones de La Caixa y el Banco Santander, etc., además de en importantes colecciones particulares como la de Donald Judd, Norman Foster o Eric Spiekerman. Al flotar en un espacio textural que parece desgastado por el tiempo, las letras adquieren gran fuerza plástica al insertarse en lo atemporal, traicionando la inmediatez comunicacional del cartel publicitario. Enrich hace del espacio pictórico un lugar de experimentación psíquico-formal. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=243019.html 2012-05-17 18:14:58 AMER, Luis (Barcelona, 1943). “Plaza”. Técnica mixta sobre papel. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 50 x 72 cm.; 79 x 98 cm.(marco). Pintor. Inicia sus estudios en la Academia Baixas en 1960. En 1963, ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona. En 1967 obtiene la Licenciatura en Bellas Artes. En 1969, realiza su primera exposición individual en las conocidas Galerías Españolas. En 1970, cursa estudios de publicidad en la Escuela de Artes Aplicadas Guasch Coranti. Acabados sus estudios, inicia viajes por las principales capitales europeas visitando sus museos y ampliando estudios. Como pintor, tiene toda la fuerza lumínica de la escuela catalana del paisaje. Prefiere captar la vida al natural y ofrecer en gran manera obras ricas tanto en motivo como en colores, con gran movilidad gracias a la luz. Los seres humanos que representa Luis Amer dan la sensación de ofrecer respeto al espacio (sentados en una silla o mirando de pie y apoyados en una barandilla), hacen que se confundan unos con otros a pesar de que coincidan en un limitado espacio. Ha expuesto en Estoril, Oporto, Madrid, Francia y Barcelona. Además, recientemente, su obra ha formado parte de la exposición colectiva de pintura de El Corte Inglés. En esta vista urbana, recoge la estela fauve y nabi, para desarrollar una obra deliberadamente naïff con una paleta hedonista y un trazo sintético. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=253236.html 2012-05-17 18:14:58 “SANTIAL”, ALONSO MARTÍNEZ, Santiago (Zamora, 1956). “Paisaje urbano”. Óleo sobre tela. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 55,5 x 112 cm.; 73,5 x 128,5 cm.(marco). Estudia Bellas Artes en Barcelona. Su obra aglutina todas las artes: pintura, escultura, muralismo y decoración. Santial es un artista viajero: Grecia, Italia, Irán, Marruecos y países de Europa han sido su morada y su arte se puede visitar en capitales de todo el mundo. Celebró su primera individual en la Galería de Arte El Ateneo de Oviedo. A ella siguieron exposiciones en: Galería Modiglianni (Madrid), Caja de Ahorros de (Zamora). Caja de Ahorros de Benavente (Zamora), Galería de Arte Catalonia (Barcelona), Galería Forum (Gerona), Casa Museo de Calahorra (La Rioja), Caja Rural (Toledo), Galería Punt A (Ibiza), Museo Elisa Cendrero (Ciudad Real), Galerie de L´Office de Tourisme de Mourenx (Francia), Galería De Caso (Barcelona), Instituto Huilense de Cultura, Neiva (Colombia), Galería Magdalena Baixeras (Barcelona), Galería Gaudí (Barcelona), Espacio Triade (Barcelona), entre otras. Su estilo pictórico se adentra en un peculiar realismo onírico, que oscila entre lo hiperreal y el ensueño. En esta vista urbana, la geometría limpia de la arquitectura industrial y de los bloques de edificios va desdibujándose por el aparente crecimiento de una densa neblina que otorga al paisaje un atmósfera metafísica. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=245882.html 2012-05-17 18:14:58 SERRANO SERRA, José Miguel (Barcelona, 1912 – 1982). “Pelea de gallos”, 1972. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 73 x 60 cm. Formado como discípulo de X. Nogués y F. Labarta, Serrano se dio a conocer en 1929, en la Exposición Internacional de Barcelona. Más tarde participó en las Exposiciones de Primavera de la ciudad condal en 1930 y 1932. Debutó individualmente en 1936 en la galería Syra de Barcelona, y ese mismo año se presentó a las de Arte Español celebradas en París y Ámsterdam. A continuación realizó viajes de estudio por Francia, Italia y Europa central, y expuso en las galerías Quatre Chemins y Gerome de París. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251567.html 2012-05-17 20:49:15 SERRANO SERRA, José Miguel (Barcelona, 1912 – 1982). “Flores”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 73 x 60 cm. Formado como discípulo de X. Nogués y F. Labarta, Serrano se dio a conocer en 1929, en la Exposición Internacional de Barcelona. Más tarde participó en las Exposiciones de Primavera de la ciudad condal en 1930 y 1932. Debutó individualmente en 1936 en la galería Syra de Barcelona, y ese mismo año se presentó a las de Arte Español celebradas en París y Ámsterdam. A continuación realizó viajes de estudio por Francia, Italia y Europa central, y expuso en las galerías Quatre Chemins y Gerome de París. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251571.html 2012-05-17 18:14:58 CAMPILLO, Victòria (Barcelona, 1957). “Olafur Elliasson”, 2008. Fotografía, ejemplar 1/3. Firmada, fechada y numerada al dorso. Medidas: 47 x 60 cm. Victòria Campillo inició su formación en la Escuela Massana de Barcelona, y posteriormente estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Durante sus primeros años cultivó el dibujo, la pintura, la ilustración y la escultura, pero en los últimos años ha centrado su carrera en la fotografía. Debutó en 1984 en una muestra colectiva celebrada en la sala Piscolabis de Barcelona, y tres años más tarde realizará en esta misma galería su primera exposición individual. Desde entonces continuará mostrando su obra en exposiciones, ferias y certámenes. Actualmente Campillo está representada en importantes colecciones particulares tanto españolas como estadounidenses. Asimismo, su obra forma parte de los fondos del Gobierno de Cantabria y del ARTIUM de Vitoria. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252759.html 2012-05-17 18:14:58 CAMPILLO, Victòria (Barcelona, 1957). “Do-Ho Suh”. Fotografía. Medidas: 47 x 60 cm. Victòria Campillo inició su formación en la Escuela Massana de Barcelona, y posteriormente estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Durante sus primeros años cultivó el dibujo, la pintura, la ilustración y la escultura, pero en los últimos años ha centrado su carrera en la fotografía. Debutó en 1984 en una muestra colectiva celebrada en la sala Piscolabis de Barcelona, y tres años más tarde realizará en esta misma galería su primera exposición individual. Desde entonces continuará mostrando su obra en exposiciones, ferias y certámenes. Actualmente Campillo está representada en importantes colecciones particulares tanto españolas como estadounidenses. Asimismo, su obra forma parte de los fondos del Gobierno de Cantabria y del ARTIUM de Vitoria. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252762.html 2012-05-17 18:14:58 CAMPILLO, Victòria (Barcelona, 1957). “Piero Manzoni”, 2008. Fotografía, ejemplar 1/3. Firmada, fechada y numerada al dorso. Medidas: 47 x 60 cm. Victòria Campillo inició su formación en la Escuela Massana de Barcelona, y posteriormente estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Durante sus primeros años cultivó el dibujo, la pintura, la ilustración y la escultura, pero en los últimos años ha centrado su carrera en la fotografía. Debutó en 1984 en una muestra colectiva celebrada en la sala Piscolabis de Barcelona, y tres años más tarde realizará en esta misma galería su primera exposición individual. Desde entonces continuará mostrando su obra en exposiciones, ferias y certámenes. Actualmente Campillo está representada en importantes colecciones particulares tanto españolas como estadounidenses. Asimismo, su obra forma parte de los fondos del Gobierno de Cantabria y del ARTIUM de Vitoria. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252763.html 2012-05-17 18:14:58 CAMPILLO, Victòria (Barcelona, 1957). “Roman Opalka”, 2008. Fotografía, ejemplar 1/3. Firmada, fechada y numerada al dorso. Medidas: 47 x 60 cm. Victòria Campillo inició su formación en la Escuela Massana de Barcelona, y posteriormente estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Durante sus primeros años cultivó el dibujo, la pintura, la ilustración y la escultura, pero en los últimos años ha centrado su carrera en la fotografía. Debutó en 1984 en una muestra colectiva celebrada en la sala Piscolabis de Barcelona, y tres años más tarde realizará en esta misma galería su primera exposición individual. Desde entonces continuará mostrando su obra en exposiciones, ferias y certámenes. Actualmente Campillo está representada en importantes colecciones particulares tanto españolas como estadounidenses. Asimismo, su obra forma parte de los fondos del Gobierno de Cantabria y del ARTIUM de Vitoria. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252765.html 2012-05-18 01:01:04 BATALLER GIRALT, Rafael (Blanes, Gerona, 1920). “Formentereñas”, 1974. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 55 x 73 cm; 72 x 92 cm (marco). Pintor y fotógrafo, Rafael Bataller se inició en la pintura de la mano de su amigo Ángel Planells, y en 1925 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Completó sus estudios en París, donde conoció la obra de Cézanne, Gromaire y Villon. Desde 1959 realizó sucesivas muestras personales en las salas Vayreda y Parés de Barcelona, y también celebró exposiciones personales en París y en la galería El Cisne de Madrid. En su carrera tuvieron una especial importancia determinados puntos de Cataluña y Baleares, como su Blanes natal o Ibiza, que llegó a conocer en profundidad y que reflejó en sus cuadros, ya que se dedicó principalmente al paisaje. Está representado en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=255150.html 2012-05-17 20:49:25 Sortija en oro amarillo de 18 kts, años 20. Frontis de estilo floral dentro del Modernismo residual decorado con un grupo de diamantes, talla rosa, color Blanco H, pureza VS, con un peso total de ca. 0,30 cts., engarzados en garras y extendidos hacia los hombros ondulantes. Peso del oro: 4 gr. Medidas: 18,5 mm (diámetro interior); 10,5 mm (ancho frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=255435.html 2012-05-18 00:56:39 Pareja de pendientes largos con movimiento en oro amarillo de 18 kts. Frontis con botón superior decorado con una amatista, talla redonda, engarzada en garras, de la que pende una cadena de eslabón sencillo salpicada de turmalinas de varios colores, talla briolette, combinadas con diamantes, talla brillante, con un peso total de ca. 0,06 cts., engarzados en bocas. Remata la pieza una cuenta esférica de ónix negro. Cierres de tipo presión con falta de una de las presiones. Medidas: 70 x 16 mm. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=255442.html 2012-05-17 21:48:41 Butaca. Diseño italiano de los años 70. Metal cromado, piel y tela. Medidas: 82 x 80 x 86 cm; 43 cm de altura del asiento. Butaca típica de los años setenta, a base de formas geométricas anticlásicas, cuyo diseño busca la contraposición entre volúmenes regulares y líneas oblicuas. Se alza sobre cuatro patas bajas, inclinadas, de metal cromado, y el exterior está enteramente tapizado en piel de color negro, cerrando incluso los laterales y dando así la impresión visual de un volumen unitario y completo. Al interior está tapizado en tela estampada, simulando las manchas negras sobre fondo blanco de la piel de un dálmata. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251709.html 2012-05-17 18:14:58 VISTOSI, Luciano (Venecia, 1931-2010). Lámpara de techo “Neverrino”. Edición Vistosi, años 70-80. En cristal de Murano. Medidas: 35 x 30 x 30 cm. Pantalla en forma abovedada en cristal de Murano soplado al aire, en la que se combinan intensos colores yuxtapuestos conformando un revestimiento opalescente por todo el cuerpo salvo en la boca ribeteada en rojo. Los juegos cromáticos permiten filtrar una luz suave y matizada. Vistosi realizó variedad de versiones de esta lámpara, de techo y de sobremesa. Nacido en el seno de una familia de Murano dedicada a la producción de vidrio artístico, Luciano Vistosi dirige desde 1952 la fábrica familiar, con la que colaboraron diseñadores de prestigio como Aulenti, Magistretti, Sottsass y Mangiarotti, entre otros. Celebró su primera exposición personal en 1968 en la galería Alfieri de Venecia, en un momento en que ya ha centrado completamente sus diseños en las posibilidades expresivas del vidrio soplado. Posteriormente trabajará también la escultura sobre bloque de vidrio. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251203.html 2012-05-17 18:14:58 GECCHELIN, Bruno (Milán, 1939). Lámpara de la serie “Perla”, modelo 240. Edición OLuce, 1986. Pie de mármol, estructura de metal esmaltado en negro y vidrio. Medidas: 38 x 33 cm. Bruno Gecchelin estudió en la Escuela Politécnica de Milán, y en 1962 empezó su carrera diseñando elementos de decoración para Indesit y el Grupo Industriale Busnelli. A continuación inicia su colaboración con Olivetti, donde trabajará con E. Sottsass durante quince años. En 1976, mientras aún trabaja con Olivetti, es llamado por Adolfo Guzzini para proyectar una luminaria y ocuparse de cuestiones luminotécnicas; la colaboración será continuada, y se inicia con la lámpara “Praxis”, expuesta en Die Gute Industrieform de Hannover en 1982. En 1989, su serie de proyectores “Shuttle” recibe el premio Compás de Oro, galardón que le será de nuevo entregado en 1991. Asimismo, colaboró con OLuce desde 1968, para la cual realizó sus series de lámparas “Arianna”, “Spin”, “Dogale”, “Perla”, “Otello” y “Personal”. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=220878.html 2012-05-17 18:14:58 Cinturón GUCCI de edición limitada, actual. Realizado a base de trenzas metálicas, alternando cadenetas más gruesas al exterior y otras más estrechas al interior, buscando el contraste de texturas. Cuenta con hebilla de diseño curvo, en metal plateado. Medidas: 97 cm de longitud. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=254634.html 2012-05-17 19:00:22 Sortija en oro blanco de 14 kts. Frontis decorado con un cuarzo rosa traslúcido, talla oval, multi facetado y engarzado en garras de doble hilo lacadas en rosa. Flanqueado por dos arcos lacados en rosa y decorados un pequeños zafiros rosas en tonalidad degradé. Medidas: 17,3 mm (diámetro interior); 15 mm (ancho frontis). http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=245037.html 2012-05-17 18:14:58 TRÖGER, Sacha (Barcelona, 1968). “Bufant”, 1998. Humo de vela sobre lienzo. Firmado y fechado al dorso. Medidas: 50 x 66 cm; 68 x 83 cm (marco). Pintor catalán de origen alemán, Sacha Tröger estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, licenciándose en 1994. A continuación obtuvo una beca que le permitió viajar por Italia y ampliar su formación en la Facultad de Bellas Artes de Rávena. Su obra ha sido expuesta en galerías de Madrid, Barcelona, Rávena, Florencia, Colonia y Ginebra, y ha participado en ferias como la Kunstmesse de Colonia o la Arco de Madrid. Actualmente trabaja en su masía ubicada cerca de Vilafranca del Penedés. La técnica empleada por Tröger consiste en pintar con humo de velas. Para ello cuelga los lienzos del techo y se coloca debajo, para ahumarlos con la vela que va moviendo. Las tonalidades que así obtiene van desde los grises hasta los tonos tierra, que resultan de la ligera quema de la tela. Este procedimiento requiere una gran concentración, ya que el lienzo puede quemarse fácilmente y se trata de una técnica que no permite correcciones. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251740.html 2012-05-17 18:14:58 GIL GRANERO, Margarita (Barcelona, 1956). “Manuscrits III”, 1991. Técnica mixta sobre lienzo. Firmado y fechado en la zona inferior derecha. Con etiqueta al dorso de la Sala Parés de Barcelona. Medidas: 70 x 70 cm; 79 x 79 cm (marco). Margarita Gil Granero es licenciada en Bellas Artes y Filosofía y Letras por la Universidad de Barcelona. Tras finalizar sus estudios se decantó por el grabado, formándose en el Instituto de las Artes del Libro de la ciudad condal, y después en la Academia Pietro Vannunci de Perugia (Italia). Fue ese salto en su carrera lo que llevó a la artista a abandonar definitivamente el óleo, tras descubrir nuevas técnicas y materiales. Inició su actividad expositiva a principios de los años ochenta, celebrando muestras individuales en diversas galerías españolas. Pronto, sin embargo, traspasa fronteras para exponer en Francia, donde da a conocer su obra desde París, logrando una muy buena acogida. El efecto plástico de sus obras es fruto de una estudiada composición y de un personal uso de los materiales, generalmente pigmentos terrosos, sobrios y cálidos, en ocasiones combinados con collage. De este modo, Gil Granero logra planos y texturas luminosos, de gran expresividad, medidos y buscados. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251742.html 2012-05-17 18:14:58 CLAVÉ I SANMARTÍ, Antoni (Barcelona, 1913 – Saint Tropez, Francia, 2005). Sin título. Grabado, ejemplar 64/99. Firmado y numerado a lápiz. Medidas: 77,5 x 57,5 cm (pisada9; 92 x 70 cm (papel); 100 x 78,5 cm (marco). Antoni Clavé es una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona, Clavé se dedica en un primer periodo al grafismo publicitario, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 toma parte activa en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse a Francia al terminar la contienda. Este mismo año de 1939 expone los dibujos que realizó en los campos de batalla. Se instala en París, donde conoció a Vuillard, Bonnard y Picasso. Gozaba ya de un gran prestigio internacional en el momento en que se inicia su reconocimiento en España, a partir de su exposición en la sala Gaspar de Barcelona, en 1956. En paralelo realiza ilustraciones para la obra “Gargantúa y Pantagruel”, lo que le llevó a familiarizarse con la iconografía medieval. En esta misma década de los cincuenta es cuando inicia su intensa labor en el mundo del ballet y del teatro, alcanzando gran fama en el mundo de la escenografía internacional. En 1952 realiza los decorados para la película “Hans Christian Andersen”, de Charles Vidor, y obtiene una candidatura al premio Óscar. En 1954 abandona la decoración para dedicarse a la pintura. Fue premiado en la Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia de 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio de 1957. En 1984 el Estado Español reconoció su valía artística con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año le fue concedida la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña. La obra de Clavé se encuentra, entre muchos otros, en los museos de Bellas Artes de Bilbao, Tate Gallery, de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, de Arte Moderno de Tokio y en el Reina Sofía de Madrid. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=250476.html 2012-05-17 20:18:47 SERRANO SERRA, José Miguel (Barcelona, 1912 – 1982). “Cardos”, 1974. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 81,5 x 60 cm. Formado como discípulo de X. Nogués y F. Labarta, Serrano se dio a conocer en 1929, en la Exposición Internacional de Barcelona. Más tarde participó en las Exposiciones de Primavera de la ciudad condal en 1930 y 1932. Debutó individualmente en 1936 en la galería Syra de Barcelona, y ese mismo año se presentó a las de Arte Español celebradas en París y Ámsterdam. A continuación realizó viajes de estudio por Francia, Italia y Europa central, y expuso en las galerías Quatre Chemins y Gerome de París. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251563.html 2012-05-17 18:14:58 CLAVÉ I SANMARTÍ, Antoni (Barcelona, 1913 – Saint Tropez, Francia, 2005). “Bodegón”. Grabado, ejemplar 4/75. Firmado y numerado a lápiz. Medidas: 39,5 x 60 cm (pisada); 56,5 x 76 cm (papel). Antoni Clavé es una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo español. Fue premiado en la Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia de 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio de 1957. En 1984 el Estado Español reconoció su valía artística con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año le fue concedida la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña. Está representado en los museos de Bellas Artes de Bilbao, Tate Gallery, de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, de Arte Moderno de Tokio y en el Reina Sofía de Madrid. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=251580.html 2012-05-17 21:09:32 ASENSIO MARINÉ, Joaquín (Barcelona, 1890 – 1961). “Bodegón”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 50 x 66 cm; 74 x 89 cm (marco). Pintor autodidacta, expuso individualmente en las principales salas barcelonesas, como las Galerías Pallarés y las salas Rovira y Argos, entre otras. También mostró su obra en Madrid, Bilbao, León, Santander y Valencia y, en el extranjero, en Buenos Aires, Dinamarca y Oporto. Concurrió a la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1944, así como a las de Barcelona (1944) y Badalona (1951), obteniendo varias medallas. Se desenvuelve dentro del realismo, con ciertas influencias de Eliseo Meifrén y Joaquín Mir. Sus temas preferidos son los paisajes, aunque también trató el bodegón, los interiores y las figuras. Tiene obras en diversas colecciones particulares. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252133.html 2012-05-17 18:14:58 Escuela americana de los años sesenta. “Burnt landscape”, 1969. Óleo sobre táblex. Firmado en el ángulo inferior derecho. Firmado “Patrick Riu”, fechado y titulado al dorso. Procede de la colección del pintor José Beulas. Medidas: 52 x 56 cm; 54 x 58,5 cm (marco). Esta obra se enmarca dentro de la órbita del expresionismo abstracto norteamericano, desarrollado a partir de los años cuarenta en torno a la conocida como Escuela de Nueva York. Se trata de un estilo abierto, cuya característica básica es la concepción de la superficie pictórica en su conjunto, como un campo abierto, sin límites y sin jerarquía. Así, como aquí vemos, las formas pictóricas, fruto del azar y la experimentación, pura mancha y pincelada gestual, no se limitan a una composición sino que van más allá, indicando al espectador que se trata de formas, de ideas o de sugestiones que traspasan las fronteras de lo puramente pictórico. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252627.html 2012-05-17 18:14:58 CAMPILLO, Victòria (Barcelona, 1957). “Santiago Sierra”, 2008. Fotografía, ejemplar 1/3. Firmada, numerada y fechada al dorso. Medidas: 47 x 60 cm. Victòria Campillo inició su formación en la Escuela Massana de Barcelona, y posteriormente estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Durante sus primeros años cultivó el dibujo, la pintura, la ilustración y la escultura, pero en los últimos años ha centrado su carrera en la fotografía. Debutó en 1984 en una muestra colectiva celebrada en la sala Piscolabis de Barcelona, y tres años más tarde realizará en esta misma galería su primera exposición individual. Desde entonces continuará mostrando su obra en exposiciones, ferias y certámenes. Actualmente Campillo está representada en importantes colecciones particulares tanto españolas como estadounidenses. Asimismo, su obra forma parte de los fondos del Gobierno de Cantabria y del ARTIUM de Vitoria. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252836.html 2012-05-17 18:14:58 Escuela española de mediados del siglo XX. “Bodegón”. Óleo sobre lienzo. Firmado “Margó” en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 73 x 100 cm; 92 x 118,5 cm (marco). En esta pintura el autor aborda un tema tradicional en la pintura española, el bodegón de caza, y lo hace con una composición también tradicional, sobre una mesa desordenada, con los animales colgando de cordeles sobre ella. Sin embargo, el tratamiento formal es ya totalmente moderno, con una pincelada más suelta y una atención mayor a los colores, las luces y las sombras que a la descripción minuciosa de las calidades y texturas. Sin embargo, sigue existiendo el cuidado atmosférico de la escena, y la concepción de ésta como algo cercano y casi tangible, a través de la colocación de los objetos en primerísimo plano, de una forma casi ilusionista. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252947.html 2012-05-17 18:14:58 TÀPIES, Antoni (Barcelona, 1923) “Quatre barres”. Litografía sobre papel, ejemplar P.A. Numerada y firmada a lápiz. Medidas: 43 x 61,6 cm. En los años setenta la obra de Tàpies adquirió un carácter político de reivindicación catalanista y oposición al régimen franquista. Su experimentación con las cuatro barras de la bandera catalana y otros simbolismos nacionales derivan de este compromiso, aunque trasciende lo político para experimentar con la gráfica, los signos, la materia y el gesto. Tàpies fue uno de los portavoces del informalismo español. Sobre la base del surrealismo funda en 1948, junto a un grupo de artistas catalanes, Dau al Set, que plantea una opción vanguardista frente a las corrientes convencionales que se desarrollaban en España. En 1950 se le concede una beca de estudios en París, año en que realiza su primera individual. En 1951, inicia una evolución, optando por una línea abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo, convirtiéndose en exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. En el collage mezcla elementos heterogéneos. Otras veces usa el grattage, siendo el resultado una pintura orográfica. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=252995.html 2012-05-17 18:14:58 SUBIRACHS, Josep Maria (Barcelona, 1927). Sin título, 1989. Dibujo al carbón sobre papel. Firmado y fechado, XI/89. Medidas: 9,5 X 17 cm.; 20,5 X 28 cm.(marco). Escultor, dibujante y grabador, Subirachs trabajó como aprendiz en el taller de E.Monjo (1942-1947) y fue alumno en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, aunque fue Enric Casanovas su auténtico maestro, de quien heredó un estilo de carácter mediterráneo inspirado en Maillol. Con veintiún años realiza la primera exposición individual (1948) en la Casa del Llibre de Barcelona. Su estancia en París (1951) y su posterior residencia en Bélgica (1954-1956) contribuyeron a su formación profesional y al conocimiento plural de las artes plásticas de vanguardia. Desde 1987 se dedica básicamente a diseñar y esculpir la Fachada de la Pasión del Templo de la Sagrada Fami¬lia de Barcelona. Ha recibido innumerables distinciones, entre las que se cuenta la consideración de "Artista catalán vivo más importante del siglo XX". Ha recibido prestigiosas menciones de honor, entre las que cabe citar: "Corresponding Member" de la Hispanic Society of America de Nueva York; Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya; "Officier dans l'Ordre des Arts et des Lettres" de Francia, y Personnalité de l'Année (París, 1987). Entre los premios otorgados, podemos citar: Medalla de bronce a la II Biennal de Alejandría (1957), • I Premio Internacional de Dibujo Ynglada - Guillot (1966), y Medalla de Oro del Fons Internacional de Pintura de Barcelona (1996). Está representado en el MACBA, el MNAC, el Museo del Vaticano, etc. En este dibujo reduce las formas a un juego de contraposiciones esquemáticas y equilibrios, a modo de armazón esencial de su desarrollo escultórico. http://www.setdart.com/subasta/displayimage/pid=253235.html 2012-05-17 18:14:58