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AUCTIONS OF Plata y Marfiles
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Top Bid
300 Euros
Estimated Value
7000 Euros |
Auction Ends
31 Mar 2010 17:10 |
Lote: 30124776 OMERTH, Georges (Francia, act. 1895 – 1925).
“Niños jugando al croquet”, Francia, c. 1900.
Bronce y marfil sobre base de ónice.
Firmados.
Medidas: 15,5 cm de altura; 18 x 20 x 10,5 cm (conjunto).
Poco se sabe de este escultor aparte de su nacionalidad, aunque sus bronces, principalmente figuras de pequeño formato de niños y bailarinas, aparecen con cierta frecuencia en el mercado. Durante los primeros años del siglo XX, Omerth combinó en sus piezas el bronce con el marfil, principalmente para las carnaciones.
Actualmente se conservan obras de Georges Omerth en el Museo de Art Nouveau y Art Déco Casa Lis de Salamanca y el de Bellas Artes de Reims, así como en diversas colecciones particulares.
El marfil ha sido utilizado para la realización de obras de arte a lo largo de todas las culturas y civilizaciones, pero durante el siglo XIX su uso había quedado reducido a pequeños objetos decorativos. Una circunstancia histórica hará cambiar esta tendencia: la anexión del Congo por el reino de Bélgica y la explotación masiva de los recursos de esta nueva colonia hacen que en los almacenes de la metrópoli se acumulen grandes cantidades de colmillos de marfil. E. van Estvelde, secretario de estado belga para los asuntos del Congo, decide incentivar el consumo de marfil entre los artistas, vendiéndolo a precio muy bajo e incluso regalando las mejores piezas. Los escultores vuelven entonces a trabajar este material, ahora combinándolo con el bronce. Con el Art Nouveau y el Art Déco este movimiento se desarrollará con plena identidad, abarcando una temática variada pero principalmente centrada en la figura femenina. También serán frecuentes piezas como las que aquí vemos, de temática infantil y ambientación contemporánea, de un amable costumbrismo. Las bases de estas pequeñas estatuas juegan un destacado valor estético, y adquieren una gran importancia en la exposición final. Realizadas en mármoles italianos y belgas, pizarras brasileñas y ónices, su estructura realza las figuras dotándolas de una mayor sensación de fuerza o ligereza. Preferentemente, se utilizó el marfil para las carnaciones, quedando el resto en bronce pintado o patinado, siendo el resultado un vivo contraste de gran efectoexpresivo. El marfil de elefante africano, el utilizado por estos escultores, es de una calidad superior al indio, y por supuesto al marfil que se usa en la actualidad. El africano es un marfil más grande, tierno y por lo tanto modelable, lo que permite dar más relieve y detalle a los rostros esculpidos. |
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Top Bid
1500 Euros
Estimated Value
12000 Euros |
Auction Ends
30 Mar 2010 18:57 |
Lote: 30124770 OMERTH, Georges (Francia, act. 1895 – 1925).
“Arlequina”, c. 1900.
Escultura criselefantina en marfil y bronce dorado.
Firmada en la base.
Medidas: 36,5 cm de altura.
Poco se sabe de este escultor aparte de su nacionalidad, aunque sus bronces, principalmente figuras de pequeño formato de niños y bailarinas, aparecen con cierta frecuencia en el mercado. Durante los primeros años del siglo XX, Omerth combinó en sus piezas el bronce con el marfil, principalmente para las carnaciones.
Actualmente se conservan obras de Georges Omerth en el Museo de Art Nouveau y Art Déco Casa Lis de Salamanca y el de Bellas Artes de Reims, así como en diversas colecciones particulares.
El marfil ha sido utilizado para la realización de obras de arte a lo largo de todas las culturas y civilizaciones, pero durante el siglo XIX su uso había quedado reducido a pequeños objetos decorativos. Una circunstancia histórica hará cambiar esta tendencia: la anexión del Congo por el reino de Bélgica y la explotación masiva de los recursos de esta nueva colonia hacen que en los almacenes de la metrópoli se acumulen grandes cantidades de colmillos de marfil. E. van Estvelde, secretario de estado belga para los asuntos del Congo, decide incentivar el consumo de marfil entre los artistas, vendiéndolo a precio muy bajo e incluso regalando las mejores piezas. Los escultores vuelven entonces a trabajar este material, ahora combinándolo con el bronce. En 1896, en la Exposición de Bruselas, y por sugerencia del Círculo de Artistas, aparecen las primeras estatuas criselefantinas. Con el Art Nouveau y el Art Déco este movimiento se desarrollará con plena identidad, abarcando una temática variada pero principalmente centrada en la figura femenina. Así, autores como Omerth, Chipparus o Preiss representarán bailarinas, personajes de la Comedia del Arte como esta Arlequina, sacerdotisas egipcias, diosas mitológicas, etc. Se trata de piezas trabajadas con gran pureza de líneas y fluido movimiento, alzadas sobre unas bases que juegan un destacado valor estético, y adquieren una gran importancia en la exposición final. Realizadas en mármoles italianos y belgas, pizarras brasileñas y ónices, su estructura realza las figuras dotándolas de una mayor sensación de fuerza o ligereza. Preferentemente, se utilizó el marfil para las carnaciones, quedando el resto en bronce pintado o patinado, siendo el resultado un vivo contraste de gran efecto expresivo. El marfil de elefante africano, el utilizado por estos escultores, es de una calidad superior al indio, y por supuesto al marfil que se usa en la actualidad. El africano es un marfil más grande, tierno y por lo tanto modelable, lo que permite dar más relieve y detalle a los rostros esculpidos. |
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Top Bid
20 Euros
Estimated Value
5000 Euros |
Auction Ends
30 Mar 2010 18:15 |
Lote: 30124772 Escuela de Tokio, periodo Meiji, (1872 – 1912).
“Fumador”.
Talla en marfil.
Marcada en la base.
Medidas: 18,5 cm de altura.
La situación política y social de Japón durante los periodos Edo y Meiji fue decisiva en el desarrollo y evolución de la talla del marfil. De hecho, la sucesión de cambios sociales se verá directa e inmediatamente reflejada en la evolución de la eboraria. A finales del siglo XIX y principios del XX, las piezas de marfil son una fiel expresión de la nueva era Meiji y los contactos con Occidente. De hecho, se dedicó una amplia producción a la exportación a Europa y Estados Unidos. En Occidente el marfil japonés sorprendió por su novedad, siendo especialmente admiradas su pureza de líneas, la capacidad de abstracción que refleja, su poder evocador y la exquisitez de sus detalles. Podemos enmarcar esta pieza dentro de las realizadas para el comercio exterior debido al enorme virtuosismo con que ha sido tallada. El artífice japonés trabajaba en función de una clientela determinada, que demandaba piezas que transmitieran calma y serenidad. Sin embargo, al cambiar la clientela el producto hubo de amoldarse a sus diferentes exigencias. Así, los artistas modificaron la estética imperante en sus piezas, ya que el burgués de finales del siglo XIX y principios del XX demandaba obras de un enorme decorativismo y en la que se resaltara el virtuosismo técnico. En cambio, la clientela japonesa buscaba que la habilidad técnica pareciera natural. Así, en piezas como este fumador, el artista ha reflejado con naturalismo y un altísimo nivel de detalle tanto los rasgos faciales como la anatomía, la indumentaria y la expresión del personaje, buscando asimismo reflejar con verismo las diferentes calidades de las carnaciones, las telas, etc. |
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Top Bid
450 Euros
Estimated Value
5000 Euros |
Auction Ends
30 Mar 2010 17:15 |
Lote: 30124774 Escuela de Tokio, periodo Meiji, (1872 – 1912).
“Carpintero”.
Okimono de marfil.
Medidas: 9 x 10 x 8 cm.
Los okimono son objetos destinados a ser colocados en los altares, tokonoma y otros espacios dedicados para exhibir objetos artísticos. Se trata de piezas talladas en distintos materiales, puramente decorativas, trabajadas con detalle y representando temas muy diferentes, frecuentemente relacionados con símbolos de buen augurio.
La situación política y social de Japón durante los periodos Edo y Meiji fue decisiva en el desarrollo y evolución de la talla del marfil. De hecho, la sucesión de cambios sociales se verá directa e inmediatamente reflejada en la evolución de la eboraria. A finales del siglo XIX y principios del XX, las piezas de marfil son una fiel expresión de la nueva era Meiji y los contactos con Occidente. De hecho, se dedicó una amplia producción a la exportación a Europa y Estados Unidos. En Occidente el marfil japonés sorprendió por su novedad, siendo especialmente admiradas su pureza de líneas, la capacidad de abstracción que refleja, su poder evocador y la exquisitez de sus detalles. Podemos enmarcar esta pieza dentro de las realizadas para el comercio exterior debido al enorme virtuosismo con que ha sido tallada. El artífice japonés trabajaba en función de una clientela determinada, que demandaba piezas que transmitieran calma yserenidad. Sin embargo, al cambiar la clientela el producto hubo de amoldarse a sus diferentes exigencias. Así, los artistas modificaron la estética imperante en sus piezas, ya que el burgués de finales del siglo XIX y principios del XX demandaba obras de un enorme decorativismo y en la que se resaltara el virtuosismo técnico. En cambio, la clientela japonesa buscaba que la habilidad técnica pareciera natural. Así, en piezas como este carpintero, el artista ha reflejado con naturalismo y un altísimo nivel de detalle tanto los rasgos faciales como la anatomía, la indumentaria y la expresión del personaje, buscando asimismo reflejar con verismo las diferentes calidades de las carnaciones, telas, objetos, etc. |
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Top Bid
20 Euros
Estimated Value
250 Euros |
Auction Ends
29 Mar 2010 19:15 |
Lote: 30124767 “Leona con su cachorro”.
Marfil tallado, c. 1900.
Medidas: 3,3 x 7,5 c 2,5 cm.
El león de fo, similar a un perro, es un símbolo importante dentro de la cultura taoísta, que lo identifica con la protección contra los malos espíritus. Suelen representarse en pareja a la entrada de los templos, el macho apoyando su garra sobre una esfera, y la hembra protegiendo a una cría, como aquí. |
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Top Bid
600 Euros
Estimated Value
3000 Euros |
Auction Ends
26 Mar 2010 18:10 |
Lote: 30124781 LORENZL, Josef (Austria, 1893 – 1950).
“Bailarina”, c. 1930.
Criselefantina, marfil y bronce patinado sobre base de ónice.
Medidas: 10,3 cm de altura, más 4 cm de la base.
Obra publicada en el libro “Art Déco and other figures” de Bryan Catley, pág 224 (Woodbridge, Inglaterra; Antique Collector’s Club, 2003).
Joseph Lorenzl desarrolló su actividad principalmente entre 1910 y 1940, inmerso plenamente en el estilo Art Déco, estilo del que fue uno de los más famosos y prolíficos representantes. Afincado en Viena, destacó por inmortalizar bailarinas etéreas y elegantes, desnudas o vestidas con trajes futuristas o de reminiscencias exóticas, que a veces policromaba en frío. Trabajó para firmas como Keramos o Goldscheider. Participó en el Salón de los Artistas Franceses en 1928. Está representado en el Museo Casa Lis, así como en museos internacionales dedicados al Art Déco, y diversas colecciones particulares.
Escultura Art Déco criselefantina, realizada en bronce patinado combinado con marfil para el rostro y el cuello, delicadamente tallado y pulido. Durante el periodo Art Déco dominó en el campo de la escultura de pequeño formato este tipo de combinaciones de materiales, una nueva interpretación de las esculturas criselefantinas de la Antigüedad, que combinaban marfil y oro. El metal precioso se sustituye por materiales más resistentes, como el bronce, que además permitieron prescindir de la base de madera que formaba la estructura de los ejemplos antiguos. |
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Top Bid
50 Euros
Estimated Value
1800 Euros |
Auction Ends
26 Mar 2010 18:00 |
Lote: 30125786 “Cristo”.
Talla de marfil del siglo XIX.
Sobre cruz de madera de palosanto.
Medidas: 22 x 15,5 cm (figura); 51,5 x 31 cm (total).
Cristo de marfil tallado en estilo neobarroco, buscando transmitir con la máxima expresividad el hondo dramatismo religioso de las imágenes del siglo XVII. Se representa a Cristo exhalando su último aliento, con la boca abierta y los ojos alzados hacia el cielo, mientras su cuerpo exhausto se vence bajo su propio peso. La figura queda bellamente realzada por la elaborada cruz, tallada en madera de palosanto. Se trata de una cruz doble, formada por una cruz interior de sencillos travesaños a modo de tablones, enriquecida por un marco de extremos trilobulados y contorno moldurado, siguiendo los ejemplos del periodo gótico. Formalmente, destaca ante todo el excelente trabajo de talla y cincelado tanto del rostro como de la anatomía de Cristo. La musculatura aparece descrita con naturalismo, buscando reflejar la tensión física de los últimos momentos de la vida de Jesús. El paño de pureza, por otro lado, presenta voluminosos pliegues, claroscuristas y de gran plasticidad, heredados directamente de los ejemplos del barroco español. |
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Top Bid
300 Euros
Estimated Value
3000 Euros |
Auction Ends
26 Mar 2010 17:10 |
Lote: 30124773 Escuela italiana, c. 1810-20.
“Venus”.
Talla en marfil sobre base de madera.
Medidas: 16 cm de altura, más 1,7 cm de la base.
Figura neoclásica tallada enteramente en marfil, representando a la diosa Venus desnuda, con una paloma posada sobre su mano izquierda y un haz de ramas floridas a su espalda. La paloma es uno de los más frecuentes atributos de esta diosa, ya que los mitos narran que, tras nacer del mar, subió al Olimpo elevándose en un carro tirado por palomas, que volaban con suavidad y acompasado ritmo para no entorpecer su descanso. Venus no olvidó a estos animales que había sido sus portadores, por lo que siempre se hacía acompañar por una de ellas, que solía posarse en su mano. El arte romano y helenístico produjo muchas variaciones sobre la diosa, a menudo basadas en el tipo praxiteliano de la Afrodita de Cnido. Durante el Renacimiento, Venus se convirtió en un tema popular tanto en pintura como en escultura. Como figura clásica cuyo estado natural era la desnudez, era socialmente aceptable representarla sin ropas. Asimismo, como la diosa de la salud sexual, estaba justificado un cierto grado de belleza erótica en sus retratos, que resultaba atractivo para muchos artistas y sus mecenas. En el caso de esta pieza, el referente griego es evidente en la composición, que presenta a la diosa de frente, en posición serena y contenida, con una rodilla flexionada y un elemento en la parte trasera que equilibra a la figura, aquí ramas con flores. También la suavidad del modelado y el referente anatómico son puramente neoclásicos, directamente inspirados en los ejemplos arqueológicos griegos y romanos. |
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Top Bid
1100 Euros
Estimated Value
12000 Euros |
Auction Ends
25 Mar 2010 18:00 |
Lote: 30124771 Escuela colonial de finales del siglo XVII.
“Santa Teresa de Ávila”.
Talla en marfil y madera.
Medidas: 32 cm de altura, más 10 cm de la base.
Escultura de Santa Teresa de Ávila, con el cuerpo trabajado en madera tallada, dorada y policromada, y el rostro, las manos y los pies en marfil cincelado. Acompaña a la santa, posado sobre su hombro derecho, el Espíritu Santo en forma de paloma, símbolo de la inspiración divina de esta escritora sagrada. Teresa de Cepeda y Ahumada, más conocida por el nombre de Santa Teresa de Jesús o simplemente Santa Teresa de Ávila (Ávila, 1515 – Alba de Tormes, 1582) fue una religiosa, doctora de la Iglesia Católica, mística y escritora española. Junto a San Juan de la Cruz introdujo la gran reforma carmelitana, y sus escritos son un modelo en los caminos de la plegaria y la perfección. Santa Teresa es, sin duda, una de las mujeres más grandes y admirables de la historia. A los siete años ya sentía una gran predilección por la lectura de las vidas de santos. Su hermano Rodrigo era casi de su misma edad, por lo que acostumbraban a jugar juntos. Los dos niños, impresionados por el pensamiento de la eternidad, admiraban las victorias de los santos al conquistar la gloria eterna, por lo que resolvieron partir al país de los moros con la esperanza de morir por la fe y convertirse así en mártires. Partieron así de su casa, pero en el camino fueron recogidos por uno de sus tíos, quien les devolvió a su madre. En vista del fracaso de sus proyectos, Teresa y Rodrigo decidieron vivir como ermitaños en su propia casa y empezaron a construir una celda en el jardín, aunque nunca llegaron a terminarla. Teresa amaba desde entonces la soledad. En su habitación tenía un cuadro que representaba al Salvador que hablaba con la Samaritana y solía repetir frente a esa imagen: "Señor, dame de beber para que no vuelva a tener sed". Durante su adolescencia, Teresa cayó enferma, y durante su convalecencia decidió dedicarse por completo a la vida religiosa. Ingresó en el convento de la Encarnación de Ávila con dieciocho años y, tras el empeoramiento de su salud, fue curada según ella por San José. Tres años después, según narra en sus escritos, se le apareció Jesucristo en el locutorio con semblante airado, reprendiéndole por su trato familiar con los seglares, el cual había causado que descuidara la oración. En 1558 tuvo su primer rapto y la visión del infierno, y desde entonces disfrutó de grandes favores celestiales como la visión de Jesús resucitado. Todas estas experiencias místicas se vieron reflejadas en su poesía lírico-religiosa. Llevada de su entusiasmo, se contuvo menos que otros autores que se limitaban a imitar los libros sagrados, apareciendo por tanto más original. Sus versos son fáciles, de estilo ardiente y apasionado, como nacido del amor ideal en que se abrasaba Teresa, amor que era en ella fuente inagotable de mística poesía.
Formalmente, esta pieza destaca por la calidad y el cuidado de la talla, tanto en la anatomía y vestiduras como en el rostro. El autor ha buscado el naturalismo en el movimiento y la expresión, dotando a los paños de ligereza y dinamismo, y al rostro de un gesto de serena concentración espiritual. |
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Top Bid
250 Euros
Estimated Value
2500 Euros |
Auction Ends
25 Mar 2010 17:10 |
Lote: 30124758 “Takasago y Sumiyoshi”, Japón, tercer cuarto del siglo XX.
Marfil policromado.
Firmado en la base.
Medidas: 17 cm de altura; 2,3 x 16 x 10,5 cm (base).
Pareja de figuras, una femenina y otra masculina, acompañados de un cubo y una escoba. Las figuras representadas son los espíritus de dos árboles sagrados, encarnados en la forma de una devota pareja de campesinos. Estos personajes proceden de una famosa obra de teatro noh, titulada “Takasago”, que narra la historia de los espíritus de dos pinos, uno de Takasago y el otro de Sumiyoshi.. Portan escoba y cubo porque el monje Tomonari y sus acompañantes los encontraron limpiando el espacio alrededor del pino sagrado. Los visitantes preguntan a la pareja acerca de la leyenda del espíritu de los dos pinos, ya que no comprenden cómo pueden considerárseles pareja cuando están ubicados en dos lugares distantes. A esto, los ancianos responden que la distancia no debe ser un obstáculo cuando se está unido por un amor y devoción profundos. En el segundo acto aparece un campesino que explica a Tomonari que la pareja que acaban de encontrar no es sino una representación temporal de los dos pinos sagrados de Takasago y Sumiyoshi. |
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Top Bid
150 Euros
Estimated Value
1500 Euros |
Auction Ends
24 Mar 2010 19:10 |
Lote: 30124765 “Sabio anciano”, tercer cuarto del siglo XX.
Marfil cincelado y policromado.
Marcado en la base.
Medidas: 18 cm de altura.
Esta pieza es un claro ejemplo de estatuilla de buen augurio, representando diferentes símbolos de longevidad y larga vida. El anciano, de rostro amable y benevolente, aparece acompañado por dos grullas, una de las representaciones más frecuentes dentro de las artes extremo orientales para la longevidad, dado que se le tenía por un animal de larga vida. El hombre se apoya sobre un cayado, alusivo tanto a su avanzada edad como a su honorabilidad y a su carácter flexible, recto y firme, y sostiene en su mano un rollo, indicativo de su sabiduría y amplios conocimientos. Las decoraciones de sus ropajes, minuciosamente cinceladas a plumilla, completan el conjunto iconográfico. Así, en la trasera de su túnica exterior aparecen combinados el ideograma para el término “larga vida” y las flores del ciruelo, símbolo tanto del invierno como de buena fortuna y longevidad. |
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Top Bid
100 Euros
Estimated Value
2000 Euros |
Auction Ends
24 Mar 2010 18:35 |
Lote: 30124775 Escuela alemana del siglo XIX.
“Niño rezando”.
Talla en marfil.
Medidas: 10,2 cm de altura.
Figura de gran expresividad y naturalismo, realizada enteramente en marfil, que representa a un niño en camisa de dormir, descalzo, con un crucifijo colgando de su cuello y las manos unidas en posición orante. El rostro, cuidadosamente descrito con minuciosidad y gran detalle, refleja de forma verista la concentración del niño en su rezo. Se trata de una representación a medio camino entre lo religioso y lo costumbrista, ya que capta la escena cotidiana de un niño pequeño rezando antes de acostarse. Sin embargo, la profundidad expresiva y su representación sobria y sencilla, evitando todo detalle anecdótico y centrándose en lo esencial, asemeja esta pieza en sentimiento religioso a las tallas del Niño Jesús o los santos. |
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