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AUCTIONS OF Plata y Marfiles
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Top Bid
200 Euros
Estimated Value
7000 Euros |
Auction Ends
31 Mar 2010 17:10 |
Lote: 30124776 OMERTH, Georges (Francia, act. 1895 – 1925).
“Niños jugando al croquet”, Francia, c. 1900.
Bronce y marfil sobre base de ónice.
Firmados.
Medidas: 15,5 cm de altura; 18 x 20 x 10,5 cm (conjunto).
Poco se sabe de este escultor aparte de su nacionalidad, aunque sus bronces, principalmente figuras de pequeño formato de niños y bailarinas, aparecen con cierta frecuencia en el mercado. Durante los primeros años del siglo XX, Omerth combinó en sus piezas el bronce con el marfil, principalmente para las carnaciones.
Actualmente se conservan obras de Georges Omerth en el Museo de Art Nouveau y Art Déco Casa Lis de Salamanca y el de Bellas Artes de Reims, así como en diversas colecciones particulares.
El marfil ha sido utilizado para la realización de obras de arte a lo largo de todas las culturas y civilizaciones, pero durante el siglo XIX su uso había quedado reducido a pequeños objetos decorativos. Una circunstancia histórica hará cambiar esta tendencia: la anexión del Congo por el reino de Bélgica y la explotación masiva de los recursos de esta nueva colonia hacen que en los almacenes de la metrópoli se acumulen grandes cantidades de colmillos de marfil. E. van Estvelde, secretario de estado belga para los asuntos del Congo, decide incentivar el consumo de marfil entre los artistas, vendiéndolo a precio muy bajo e incluso regalando las mejores piezas. Los escultores vuelven entonces a trabajar este material, ahora combinándolo con el bronce. Con el Art Nouveau y el Art Déco este movimiento se desarrollará con plena identidad, abarcando una temática variada pero principalmente centrada en la figura femenina. También serán frecuentes piezas como las que aquí vemos, de temática infantil y ambientación contemporánea, de un amable costumbrismo. Las bases de estas pequeñas estatuas juegan un destacado valor estético, y adquieren una gran importancia en la exposición final. Realizadas en mármoles italianos y belgas, pizarras brasileñas y ónices, su estructura realza las figuras dotándolas de una mayor sensación de fuerza o ligereza. Preferentemente, se utilizó el marfil para las carnaciones, quedando el resto en bronce pintado o patinado, siendo el resultado un vivo contraste de gran efectoexpresivo. El marfil de elefante africano, el utilizado por estos escultores, es de una calidad superior al indio, y por supuesto al marfil que se usa en la actualidad. El africano es un marfil más grande, tierno y por lo tanto modelable, lo que permite dar más relieve y detalle a los rostros esculpidos. |
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Top Bid
1000 Euros
Estimated Value
12000 Euros |
Auction Ends
30 Mar 2010 18:57 |
Lote: 30124770 OMERTH, Georges (Francia, act. 1895 – 1925).
“Arlequina”, c. 1900.
Escultura criselefantina en marfil y bronce dorado.
Firmada en la base.
Medidas: 36,5 cm de altura.
Poco se sabe de este escultor aparte de su nacionalidad, aunque sus bronces, principalmente figuras de pequeño formato de niños y bailarinas, aparecen con cierta frecuencia en el mercado. Durante los primeros años del siglo XX, Omerth combinó en sus piezas el bronce con el marfil, principalmente para las carnaciones.
Actualmente se conservan obras de Georges Omerth en el Museo de Art Nouveau y Art Déco Casa Lis de Salamanca y el de Bellas Artes de Reims, así como en diversas colecciones particulares.
El marfil ha sido utilizado para la realización de obras de arte a lo largo de todas las culturas y civilizaciones, pero durante el siglo XIX su uso había quedado reducido a pequeños objetos decorativos. Una circunstancia histórica hará cambiar esta tendencia: la anexión del Congo por el reino de Bélgica y la explotación masiva de los recursos de esta nueva colonia hacen que en los almacenes de la metrópoli se acumulen grandes cantidades de colmillos de marfil. E. van Estvelde, secretario de estado belga para los asuntos del Congo, decide incentivar el consumo de marfil entre los artistas, vendiéndolo a precio muy bajo e incluso regalando las mejores piezas. Los escultores vuelven entonces a trabajar este material, ahora combinándolo con el bronce. En 1896, en la Exposición de Bruselas, y por sugerencia del Círculo de Artistas, aparecen las primeras estatuas criselefantinas. Con el Art Nouveau y el Art Déco este movimiento se desarrollará con plena identidad, abarcando una temática variada pero principalmente centrada en la figura femenina. Así, autores como Omerth, Chipparus o Preiss representarán bailarinas, personajes de la Comedia del Arte como esta Arlequina, sacerdotisas egipcias, diosas mitológicas, etc. Se trata de piezas trabajadas con gran pureza de líneas y fluido movimiento, alzadas sobre unas bases que juegan un destacado valor estético, y adquieren una gran importancia en la exposición final. Realizadas en mármoles italianos y belgas, pizarras brasileñas y ónices, su estructura realza las figuras dotándolas de una mayor sensación de fuerza o ligereza. Preferentemente, se utilizó el marfil para las carnaciones, quedando el resto en bronce pintado o patinado, siendo el resultado un vivo contraste de gran efecto expresivo. El marfil de elefante africano, el utilizado por estos escultores, es de una calidad superior al indio, y por supuesto al marfil que se usa en la actualidad. El africano es un marfil más grande, tierno y por lo tanto modelable, lo que permite dar más relieve y detalle a los rostros esculpidos. |
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Top Bid
600 Euros
Estimated Value
3000 Euros |
Auction Ends
26 Mar 2010 18:10 |
Lote: 30124781 LORENZL, Josef (Austria, 1893 – 1950).
“Bailarina”, c. 1930.
Criselefantina, marfil y bronce patinado sobre base de ónice.
Medidas: 10,3 cm de altura, más 4 cm de la base.
Obra publicada en el libro “Art Déco and other figures” de Bryan Catley, pág 224 (Woodbridge, Inglaterra; Antique Collector’s Club, 2003).
Joseph Lorenzl desarrolló su actividad principalmente entre 1910 y 1940, inmerso plenamente en el estilo Art Déco, estilo del que fue uno de los más famosos y prolíficos representantes. Afincado en Viena, destacó por inmortalizar bailarinas etéreas y elegantes, desnudas o vestidas con trajes futuristas o de reminiscencias exóticas, que a veces policromaba en frío. Trabajó para firmas como Keramos o Goldscheider. Participó en el Salón de los Artistas Franceses en 1928. Está representado en el Museo Casa Lis, así como en museos internacionales dedicados al Art Déco, y diversas colecciones particulares.
Escultura Art Déco criselefantina, realizada en bronce patinado combinado con marfil para el rostro y el cuello, delicadamente tallado y pulido. Durante el periodo Art Déco dominó en el campo de la escultura de pequeño formato este tipo de combinaciones de materiales, una nueva interpretación de las esculturas criselefantinas de la Antigüedad, que combinaban marfil y oro. El metal precioso se sustituye por materiales más resistentes, como el bronce, que además permitieron prescindir de la base de madera que formaba la estructura de los ejemplos antiguos. |
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Top Bid
300 Euros
Estimated Value
3000 Euros |
Auction Ends
26 Mar 2010 17:10 |
Lote: 30124773 Escuela italiana, c. 1810-20.
“Venus”.
Talla en marfil sobre base de madera.
Medidas: 16 cm de altura, más 1,7 cm de la base.
Figura neoclásica tallada enteramente en marfil, representando a la diosa Venus desnuda, con una paloma posada sobre su mano izquierda y un haz de ramas floridas a su espalda. La paloma es uno de los más frecuentes atributos de esta diosa, ya que los mitos narran que, tras nacer del mar, subió al Olimpo elevándose en un carro tirado por palomas, que volaban con suavidad y acompasado ritmo para no entorpecer su descanso. Venus no olvidó a estos animales que había sido sus portadores, por lo que siempre se hacía acompañar por una de ellas, que solía posarse en su mano. El arte romano y helenístico produjo muchas variaciones sobre la diosa, a menudo basadas en el tipo praxiteliano de la Afrodita de Cnido. Durante el Renacimiento, Venus se convirtió en un tema popular tanto en pintura como en escultura. Como figura clásica cuyo estado natural era la desnudez, era socialmente aceptable representarla sin ropas. Asimismo, como la diosa de la salud sexual, estaba justificado un cierto grado de belleza erótica en sus retratos, que resultaba atractivo para muchos artistas y sus mecenas. En el caso de esta pieza, el referente griego es evidente en la composición, que presenta a la diosa de frente, en posición serena y contenida, con una rodilla flexionada y un elemento en la parte trasera que equilibra a la figura, aquí ramas con flores. También la suavidad del modelado y el referente anatómico son puramente neoclásicos, directamente inspirados en los ejemplos arqueológicos griegos y romanos. |
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Top Bid
1100 Euros
Estimated Value
12000 Euros |
Auction Ends
25 Mar 2010 18:00 |
Lote: 30124771 Escuela colonial de finales del siglo XVII.
“Santa Teresa de Ávila”.
Talla en marfil y madera.
Medidas: 32 cm de altura, más 10 cm de la base.
Escultura de Santa Teresa de Ávila, con el cuerpo trabajado en madera tallada, dorada y policromada, y el rostro, las manos y los pies en marfil cincelado. Acompaña a la santa, posado sobre su hombro derecho, el Espíritu Santo en forma de paloma, símbolo de la inspiración divina de esta escritora sagrada. Teresa de Cepeda y Ahumada, más conocida por el nombre de Santa Teresa de Jesús o simplemente Santa Teresa de Ávila (Ávila, 1515 – Alba de Tormes, 1582) fue una religiosa, doctora de la Iglesia Católica, mística y escritora española. Junto a San Juan de la Cruz introdujo la gran reforma carmelitana, y sus escritos son un modelo en los caminos de la plegaria y la perfección. Santa Teresa es, sin duda, una de las mujeres más grandes y admirables de la historia. A los siete años ya sentía una gran predilección por la lectura de las vidas de santos. Su hermano Rodrigo era casi de su misma edad, por lo que acostumbraban a jugar juntos. Los dos niños, impresionados por el pensamiento de la eternidad, admiraban las victorias de los santos al conquistar la gloria eterna, por lo que resolvieron partir al país de los moros con la esperanza de morir por la fe y convertirse así en mártires. Partieron así de su casa, pero en el camino fueron recogidos por uno de sus tíos, quien les devolvió a su madre. En vista del fracaso de sus proyectos, Teresa y Rodrigo decidieron vivir como ermitaños en su propia casa y empezaron a construir una celda en el jardín, aunque nunca llegaron a terminarla. Teresa amaba desde entonces la soledad. En su habitación tenía un cuadro que representaba al Salvador que hablaba con la Samaritana y solía repetir frente a esa imagen: "Señor, dame de beber para que no vuelva a tener sed". Durante su adolescencia, Teresa cayó enferma, y durante su convalecencia decidió dedicarse por completo a la vida religiosa. Ingresó en el convento de la Encarnación de Ávila con dieciocho años y, tras el empeoramiento de su salud, fue curada según ella por San José. Tres años después, según narra en sus escritos, se le apareció Jesucristo en el locutorio con semblante airado, reprendiéndole por su trato familiar con los seglares, el cual había causado que descuidara la oración. En 1558 tuvo su primer rapto y la visión del infierno, y desde entonces disfrutó de grandes favores celestiales como la visión de Jesús resucitado. Todas estas experiencias místicas se vieron reflejadas en su poesía lírico-religiosa. Llevada de su entusiasmo, se contuvo menos que otros autores que se limitaban a imitar los libros sagrados, apareciendo por tanto más original. Sus versos son fáciles, de estilo ardiente y apasionado, como nacido del amor ideal en que se abrasaba Teresa, amor que era en ella fuente inagotable de mística poesía.
Formalmente, esta pieza destaca por la calidad y el cuidado de la talla, tanto en la anatomía y vestiduras como en el rostro. El autor ha buscado el naturalismo en el movimiento y la expresión, dotando a los paños de ligereza y dinamismo, y al rostro de un gesto de serena concentración espiritual. |
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Top Bid
20 Euros
Estimated Value
1500 Euros |
Auction Ends
24 Mar 2010 19:10 |
Lote: 30124765 “Sabio anciano”, tercer cuarto del siglo XX.
Marfil cincelado y policromado.
Marcado en la base.
Medidas: 18 cm de altura.
Esta pieza es un claro ejemplo de estatuilla de buen augurio, representando diferentes símbolos de longevidad y larga vida. El anciano, de rostro amable y benevolente, aparece acompañado por dos grullas, una de las representaciones más frecuentes dentro de las artes extremo orientales para la longevidad, dado que se le tenía por un animal de larga vida. El hombre se apoya sobre un cayado, alusivo tanto a su avanzada edad como a su honorabilidad y a su carácter flexible, recto y firme, y sostiene en su mano un rollo, indicativo de su sabiduría y amplios conocimientos. Las decoraciones de sus ropajes, minuciosamente cinceladas a plumilla, completan el conjunto iconográfico. Así, en la trasera de su túnica exterior aparecen combinados el ideograma para el término “larga vida” y las flores del ciruelo, símbolo tanto del invierno como de buena fortuna y longevidad. |
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Top Bid
30 Euros
Estimated Value
2000 Euros |
Auction Ends
24 Mar 2010 18:35 |
Lote: 30124775 Escuela alemana del siglo XIX.
“Niño rezando”.
Talla en marfil.
Medidas: 10,2 cm de altura.
Figura de gran expresividad y naturalismo, realizada enteramente en marfil, que representa a un niño en camisa de dormir, descalzo, con un crucifijo colgando de su cuello y las manos unidas en posición orante. El rostro, cuidadosamente descrito con minuciosidad y gran detalle, refleja de forma verista la concentración del niño en su rezo. Se trata de una representación a medio camino entre lo religioso y lo costumbrista, ya que capta la escena cotidiana de un niño pequeño rezando antes de acostarse. Sin embargo, la profundidad expresiva y su representación sobria y sencilla, evitando todo detalle anecdótico y centrándose en lo esencial, asemeja esta pieza en sentimiento religioso a las tallas del Niño Jesús o los santos. |
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Top Bid
60 Euros
Estimated Value
10000 Euros |
Auction Ends
24 Mar 2010 17:55 |
Lote: 30124760 PUCHER, E. (Alemania, finales del siglo XIX – principios del XX).
“Amazona”, c. 1900.
Escultura criselefantina, bronce y marfil sobre base de mármol.
Firmada.
Medidas: 34 cm de altura, más 5,5 cm de la base.
A finales del siglo XIX, la anexión del Congo por el reino de Bélgica, y la explotación masiva de sus recursos, hacen que los escultores retomen el uso del marfil como material artístico, combinándolo con el bronce. Las primeras esculturas criselefantinas serán presentadas en la Exposición de Bruselas de 1896, y será tras la Primera Guerra Mundial cuando el movimiento se desarrolle con toda su identidad. La temática será enormemente variada, aunque principalmente centrada en la figura femenina. Así, artistas como Pucher representarán bailarinas, personajes femeninos de la Comedia del Arte, sacerdotisas egipcias, diosas mitológicas, etc. Como aquí vemos, se trata de piezas trabajadas con gran pureza de líneas y fluido movimiento. Asimismo, las bases que sostienen estas pequeñas esculturas juegan un destacado papel expresivo, y adquieren una gran importancia en la exposición final. Realizadas en mármoles italianos y belgas, pizarras brasileñas y ónices, su estructura realza las figuras dotándolas de una mayor sensación de fuerza o ligereza.
Esta escultura representa a una actriz, ataviada a modo de amazona exótica, que parece haber sido captada en plena actuación. Mantiene la boca apretada y la mirada perdida, en un gesto de gran lirismo y poder evocador, marcadamente ambiguo y misterioso. Como es común en este tipo de piezas, o al menos en las de mayor calidad, el escultor ha trabajado la indumentaria con un extraordinario detallismo y un enorme cuidado en la plasmación de las calidades y del movimiento de las telas. A la vez, Pucher ha jugado con los distintos efectos de la pátina del bronce para lograr un mayor efectismo plástico, a la vez que realza las formas y los volúmenes. |
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Top Bid
20 Euros
Estimated Value
4000 Euros |
Auction Ends
24 Mar 2010 17:10 |
Lote: 30124757 Escuela holandesa, c. 1900.
“Niños”.
Pareja de esculturas criselefantinas en marfil y bronce.
Firmadas “Tremo” en la base.
Medidas: 23 cm de altura
.A finales del siglo XIX, la anexión del Congo por el reino de Bélgica, y la explotación masiva de sus recursos, hacen que los escultores retomen el uso del marfil como material artístico, combinándolo con el bronce. Las primeras esculturas criselefantinas serán presentadas en la Exposición de Bruselas de 1896, y será durante los periodos Art Nouveau y Art Déco cuando el movimiento alcance su máximo desarrollo. En este tipo de piezas se utilizaba, por tanto, marfil africano, de una calidad superior al indio y por supuesto al utilizado en la actualidad. Este tipo de marfil es más grande, tierno y por lo tanto modelable, lo que permite dar un mayor relieve a los rasgos del rostro.
Los escultores de este grupo se decantaron principalmente por la temática femenina, tanto bailarinas como figuras exóticas y alegóricas, e incluso damas contemporáneas. Sin embargo, fueron también frecuentes las piezas de temática infantil. Autores tan destacados como Gory, Somme, Preiss, Becquerel o el español Molins realizaron en esta técnica retratos de niños estrictamente contemporáneos, retratados bajo un punto de vista amable y costumbrista. A diferencia de las figuras de bailarinas, las de niños solían realizarse como aquí vemos, enteramente en bronce salvo el rostro y las manos. |
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Top Bid
30 Euros
Estimated Value
6000 Euros |
Auction Ends
23 Mar 2010 18:22 |
Lote: 30124780 LORENZL, Josef (Austria, 1893 – 1950).
“Bailarina”, c. 1930.
Criselefantina, marfil y bronce patinado sobre base de ónice.
Firmado en la zona inferior.
Medidas: 18 cm de altura, más 7,3 cm de la base.
Joseph Lorenzl desarrolló su actividad principalmente entre 1910 y 1940, inmerso plenamente en el estilo Art Déco, estilo del que fue uno de los más famosos y prolíficos representantes. Afincado en Viena, destacó por inmortalizar bailarinas etéreas y elegantes, desnudas o vestidas con trajes futuristas o de reminiscencias exóticas, que a veces policromaba en frío. Trabajó para firmas como Keramos o Goldscheider. Participó en el Salón de los Artistas Franceses en 1928.
Está representado en el Museo Casa Lis, así como en museos internacionales dedicados al Art Déco, y diversas colecciones particulares. Firmó sus obras de forma muy diversa, como “Lorenzl”, “Laurenzl”, “K. Lorenzl”, “K. Lor”, “R. Lor”, “Lor” y “Renzl”.
Escultura Art Déco criselefantina, realizada en bronce patinado combinado con marfil para las carnaciones, delicadamente tallado y pulido. Durante el periodo Art Déco dominó en el campo de la escultura de pequeño formato este tipo de combinaciones de materiales, una nueva interpretación de las esculturas criselefantinas de la Antigüedad, que combinaban marfil y oro. El metal precioso se sustituye por materiales más resistentes, como el bronce, que además permitieron prescindir de la base de madera que formaba la estructura de los ejemplos antiguos. En el caso de Lorenzl, trabajó tanto el bronce aislado como su combinación con el marfil, buscando en este segundo caso un efecto de mayor decorativismo y riqueza visual. Son frecuentes sus figuras de elegantes damas típicamente contemporáneas, de cabello corto y formas juveniles y atléticas, en poses de danza dinámicas y fantasiosas, siempre marcadas por la armonía y el equilibrio compositivo. |
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Top Bid
1100 Euros
Estimated Value
6000 Euros |
Auction Ends
23 Mar 2010 17:20 |
Lote: 30124755 BACQUÉ, Daniel Joseph (Francia, 1874 – 1947).
“Bailarina”.
Escultura criselefantina. Francia, c. 1920.
Marfil y bronce dorado.
Firmado en la base.
Medidas: 30 cm de altura, más 3 cm de altura de la base.
Daniel Joseph Bacqué fue un escultor especializado en figuras femeninas, desnudos, retratos y bustos. Se formó en París como discípulo de Berstamm y Fumadelles, y se dedicó tanto a la escultura de pequeño formato como a la realización de grandes piezas decorativas para parques. Expuso regularmente sus obras en el Salon des Artistes Français de París desde el año 1900, siendo galardonado con medalla de tercera clase en 1910, de segunda en 1911 y, finalmente, medalla de oro en 1922. Participó asimismo en el Salon d'Automne de la capital francesa en sus ediciones de 1920, 1922 y 1928, y en el de las Tullerías en 1928. Bacqué fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1920, y obtuvo una medalla de honor en la Exposición Internacional de París de 1937. Se especializó principalmente en estudios alegóricos y retratos de busto, entre los que se incluyen el del general Duport (1927), Jean Fouquet (1931), el escultor Dropsy (1934), F. Sabaté (1936) y Bourdelle (1939).
Daniel Joseph Bacqué está actualmente representado en el Museo de Arte Moderno de la Villa de París.
A finales del siglo XIX, la anexión del Congo por el reino de Bélgica, y la explotación masiva de sus recursos, hacen que los escultores retomen el uso del marfil como material artístico, combinándolo con el bronce. Las primeras esculturas criselefantinas serán presentadas en la Exposición de Bruselas de 1896, y será tras la Primera Guerra Mundial cuando el movimiento se desarrolle con toda su identidad. La temática será enormemente variada, aunque principalmente centrada en la figura femenina. Así, artistas como Bacqué representarán bailarinas, personajes femeninos de la Comedia del Arte, sacerdotisas egipcias, diosas mitológicas, etc. Como aquí vemos, se trata de piezas trabajadas con gran pureza de líneas y fluido movimiento. Las bases que sostienen estas pequeñas esculturas participan de la estética Art Déco, y adquieren una gran importancia en la exposición final. Realizadas en mármoles italianos y belgas, pizarras brasileñas y ónices, su estructura realza las figuras dotándolas de una mayor sensación de fuerza o ligereza. |
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Top Bid
170 Euros
Estimated Value
800 Euros |
Auction Ends
22 Mar 2010 18:37 |
Lote: 30116299 Placa de marfil, siglo XIX.
“San Jerónimo penitente”.
Medidas: 10 x 7 cm.
Placa de marfil tallada en relieve, representando a la figura de San Jerónimo durante su penitencia en el desierto, acompañado por todos sus atributos y arrodillado sobre la figura de un demonio, símbolo de su triunfo sobre el pecado y la tentación.
Uno de los cuatro grandes Doctores de la Iglesia Latina, San Jerónimo nació cerca de Aquilea (Italia) en el año 347. Formado en Roma, fue un retórico consumado, además de políglota. Bautizado a los diecinueve años de edad, entre los años 375 y 378 se retiró al desierto de Siria para llevar una existencia de anacoreta. De vuelta en Roma en el 382, se convirtió en colaborador del papa Dámaso. Una de las representaciones más frecuentes de este santo es la que aquí vemos, su penitencia en el desierto. Sus atributos son la piedra que emplea para golpearse el pecho y la calavera sobre la que medita. También el capelo cardenalicio, aquí visible tras su hombro derecho, a pesar de que nunca fue cardenal, y el león domesticado. En esta placa se completa la escena con el libro que lo identifica como escritor sagrado y el crucifijo, objeto de su adoración. Respecto al león, procede de una historia de la “Leyenda Dorada”, donde se narra que un día, cuando explicaba la Biblia a los monjes de su convento, vio llegar a un león que cojeaba. Le extrajo la espina de la pata, y desde entonces lo mantuvo a su servicio, encargándole que cuidase de su asno mientras pacía. Unos mercaderes robaron el asno, y el león lo recuperó, devolviéndoselo al santo sin herir al animal. |
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