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Top Bid 0 Euros Estimated Value 600 Euros	Auction Ends 01 Sep 2010 16:35	Lote: 30151888DALÍ I DOMÈNECH, Salvador (Figueras, Gerona, 1904 – 1989). “El sol vegetal”, 1954. Azulejo de cerámica esmaltada. Firmado. Medidas: 20 x 20 cm. Pintor y escultor, Salvador Dalí fue uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Debuta individualmente en 1925, en las Galerías Dalmau de Barcelona. En 1926, tras ser expulsado por indisciplina de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, marcha a París. Allí conoce al joven Picasso y, cuatro años más tarde, se adhiere al movimiento surrealista. La producción de Dalí en este periodo se basa en las teorías de Freud, aclamadas por Breton: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes. Algunas de las características de su obra de este momento se convirtieron en distintivas de toda su obra posterior. Asimismo, absorbía las influencias de diversos estilos artísticos, desde el academicismo clásico hasta las vanguardias más rompedoras. Su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo durante los años siguientes, siendo aclamado como creador del método paranoico-crítico, esencial combinación de lo real con lo imaginario. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, en 1934, su proyección internacional queda definitivamente consolidada. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del Salvador Dalí Museum de St. Petersbug (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.
Top Bid 325 Euros Estimated Value 4800 Euros	Auction Ends 04 Sep 2010 17:30	Lote: 30153336Original pulsera en oro amarillo mate de 14 kts formada por una malla plana de estrellas de cinco puntas, con un salpicado de estrellas en oro blanco forradas de diamantes, talla brillante, color Blanco I, pureza SI1 y un peso total ca. 0,72 cts. Peso de oro: 54,94 gr. Medidas: 20 mm (ancho frontis) y 180 mm (largo total).
Top Bid 1100 Euros Estimated Value 6000 Euros	Auction Ends 03 Sep 2010 18:15	Lote: 30151877MUÑOZ DEGRAÍN, Antonio (Valencia, 1840 – Málaga, 1924). “Paisaje veneciano”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 50 x 61 cm; 67,5 x 78 cm (marco). Antonio Muñoz Degraín inició en su juventud los estudios de arquitectura por decisión paterna, aunque pronto los abandonó por la pintura. Alumno de la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia desde los doce años, fue discípulo del pintor Rafael Montesinos, aunque su formación fue esencialmente autodidacta. Artista de carácter vehemente y exaltado, rasgos que se traducirían literalmente en sus pinturas, tomó parte con asiduidad en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes desde 1862 hasta 1915, siendo sus éxitos en estos certámenes los que marcarían decisivamente su trayectoria artística. En 1862 le fue concedida una medalla honorífica, tercera en 1864 y segunda en 1867 y 1871. Llamado en 1870 para decorar el Teatro Cervantes de Málaga, se estableció en esta capital andaluza ya de forma definitiva. Allí contrajo matrimonio, y años después fue nombrado profesor supernumerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo (1879). Desde la Academia, Muñoz Degraín fue maestro de toda una generación de artistas, entre ellos el jovencísimo Picasso, quien le mostraría siempre su afecto y respeto. En 1881 el pintor obtiene una primera medalla en la Nacional con “Otelo y Desdémona” (Museu do Chiado, Lisboa), lo que le proporcionó una pensión del Gobierno para hacer por fin el deseado viaje a Roma, visitando además varias ciudades de la Toscana y Venecia. En Italia realiza su gran obra maestra, “Los amantes de Teruel” (Museo del Prado), una de las piezas capitales de la pintura española del siglo XIX, que el pintor envió a la Nacional de Madrid de 1884, obteniendo primera medalla. A partir de entonces, su creciente prestigio le reportará numerosos honores y recompensas públicas. Fue nombrado Caballero de los órdenes de Isabel la Católica, Carlos III y Alfonso XII, recibió la medalla de honor de la Exposición Nacional de 1910 y obtuvo en 1898, a la muerte de Carlos de Haes, la cátedra de paisaje de la Academia de San Fernando de Madrid. Será nombrado miembro de dicha institución al año siguiente, y director en 1901. Fue asimismo presidente del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Muñoz Degraín disfrutó también de notables éxitos en el extranjero, presentando sus cuadros a las Exposiciones Universales de Filadelfia (1876), Munich (1883) y Chicago (1893). Artista de fecundísima producción y desprendida generosidad, en su vejez hizo muy importantes donaciones de obras suyas a los museos de Valencia y Málaga, sus dos ciudades más queridas, así como un espectacular conjunto de cuadros sobre temas del Quijote a la Biblioteca Nacional de Madrid.
Top Bid 1000 Euros Estimated Value 20000 Euros	Auction Ends 02 Sep 2010 17:45	Lote: 30151878HERMOSO MARTÍNEZ, Eugenio (Fregenal de la Sierra, Badajoz, 1883 – Madrid, 1963). “Muchacha con hatillo de leña”, 1938. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 96 x 67,5 cm. Nacido en el seno de una familia de labradores, Eugenio Hermoso inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, becado por el Ayuntamiento y la Diputación de Badajoz. Allí tendría como maestros a Gonzalo Bilbao y José Jiménez Aranda. En 1901 se traslada a Madrid para continuar su formación en la Escuela de San Fernando, y allí se dedicó también a realizar copias de los grandes maestros en el Museo del Prado. Frecuentó por estos años el Ateneo y el Círculo de Bellas Artes, siendo elogiado por intelectuales como Pío Baroja, Díaz Canedo y Juan Ramón Jiménez. A continuación iniciaría un viaje de estudios que le llevó a recorrer Francia y Bélgica, así como las más importantes ciudades italianas: Génova, Pisa, Roma, Nápoles, Florencia, Venecia y Milán. En este viaje Eugenio Hermoso entró en contacto con las vanguardias europeas, conociendo a los impresionistas y admirando los retratos de los sarcófagos egipcios de época romana. En 1912 embarcó camino de Inglaterra, instalándose en el condado de Cheshire Haylake, exponiendo su obra en Londres ese mismo año. Durante este periodo envía sus obras a la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, siendo galardonado con primera medalla en 1917. En 1918 se instala obligada y definitivamente en Madrid pues su mujer, que había perdido la razón, fue internada en un sanatorio psiquiátrico. A partir de entonces frecuenta la tertulia nocturna del café Nuevo Levante, a la que acudían los hermanos Ricardo y Pío Baroja, Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana y Rafael de Penagos, entre otros; y la del café Maisón Doré, junto a Jacinto Benavente, Manuel y Antonio Machado y Francisco Villaespesa. En 1922 celebrará su primera gran exposición, en el Museo de Arte Moderno de Madrid, con éxito de público y ventas. En 1926 le fue otorgada la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes, y con anterioridad había sido ya galardonado con primeras medallas en las Exposiciones Internacionales de Barcelona de 1907 y 1911. En 1929 obtuvo la medalla de oro en pintura y la de plata en escultura de la Iberoamericana de Sevilla. Sigue celebrando muestras de su obra en España, así como en Argentina, Chile y Brasil en 1934, habiéndolo hecho con anterioridad en Bruselas, Venecia y La Haya. Catedrático de la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, fue nombrado académico en 1941. Siete años más tarde será distinguido con la medalla de honor en la Nacional. Bajo el seudónimo de Francisco Teodoro de Nertóbriga publicó su “Autobiografía” en 1955, y firmó sus pinturas de carácter satírico. Está principalmente representado en los Museos de Bellas Artes de Badajoz y Sevilla, así como en otras colecciones tanto públicas como privadas.
Top Bid 30 Euros Estimated Value 600 Euros	Auction Ends 24 Aug 2010 17:05	Lote: 30152690Silbato. México, 500-800 d. C. Silbato antropomorfo en cerámica con restos de policromía. Intacto. Medidas: 8 cm de longitud. Los antiguos consideraban al búho o tecolote como ave mensajera del inframundo. Se han descubierto un grupo de silbatos procedentes de excavaciones arqueológicas que reproducen el canto de dicha ave, en los más variados modelos. Es muy probable que estas piezas fuesen usadas en ceremonias fúnebres, o como parte de una ofrenda para los muertos, de ahí a la carga simbólica de sus decoraciones. Aparece en la parte posterior de la figura de un personaje posiblemente un sacerdote ricamente ataviado. Según las tradiciones se trataría de un nigromante o hechicero que practica la adivinación con los muertos. Este icono está asociado a los juegos de pelota y a los ancestros prominentes. Al parecer se trataban de miembros de la élite gobernante que proclamaban tener lo medios para transformarse en seres sobrenaturales y así comunicarse con los ancestros. Los silbatos serían la representación de estos personajes que, a través del "canto del búho", reforzaban la idea de una comunicación con el inframundo.
Top Bid 700 Euros Estimated Value 6000 Euros	Auction Ends 01 Sep 2010 18:08	Lote: 30151870WSSEL DE GUIMBARDA, Manuel (La Habana, 1833 – Cartagena, 1907). “La guitarrista”. Óleo sobre lienzo encolado sobre tabla. Firmado en la mesa del lado izquierdo. Medidas: 36 x 29,5 cm; 64,3 x 55 cm (marco). Manuel Wssel nace en La Habana dentro de una familia de militares. En 1841 viaja con su padre a España, y dos años después inicia sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Madrid. En 1845 padre e hijo se establecen en Cartagena, donde el pintor se enriquece gracias a su inversión en las minas de La Unión. Allí Wssel inicia en paralelo sus carreras artística y militar, y se introduce en los ambientes intelectuales de la ciudad. En 1867 Wssel se instala con su mujer en Sevilla, lugar donde su carrera artística se consolidará definitivamente. A través de su participación en Exposiciones Nacionales y Regionales logra el respaldo oficial, del cual se derivaron encargos como los retratos de Alfonso XII, la reina María Mercedes y los de doctores ilustres para la Universidad de Sevilla. Además fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de Cádiz. Obtuvo numerosos premios y condecoraciones, como el nombramiento como Comendador de la Orden de Isabel la Católica, Caballero de la Orden de Carlos III o el diploma del Consejo Supremo de los Hospitalarios. En 1886 regresa a Cartagena, donde ejerció una auténtica “dictadura” pictórica, acaparando los principales encargos públicos. Se conserva obra de Manuel Wssel en el Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza, el Museo de Bellas Artes de Murcia, el Museo Provincial de Huelva y en la Universidad de Sevilla, entre otros. Con esta obra Wssel de Guimbarda se inscribe dentro del costumbrismo andaluz de toque folclórico, representando a una dama típicamente española, con amplio vestido floreado y delicada mantilla, tocando una guitarra flamenca. Junto a ella, una mesa donde descansan un vaso y una botella de vino, además de un clavel de intenso tono rojo, similar al que aparece a los pies de la mujer. Tras la figura, en la pared, dos carteles taurinos y una pequeña jaula con un pájaro, terminando de definir un interior sobrio y sencillo, típicamente andaluz, de paredes blancas y suelo de baldosas.
Top Bid 10 Euros Estimated Value 450 Euros	Auction Ends 25 Aug 2010 17:45	Lote: 30152700Ánfora. Antigua Grecia. s. IV-III a. C. Vasija de cerámica con dos asas y apertura superior. Intacta. Medidas: 24 cm (alto) La importancia del arte griego es enorme. De hecho podemos decir que es la base de la cultura europea y Occidental en general. La cerámica adquiere en Grecia una especial importancia, no sólo porque es un magnífico recipiente para transportar productos en el floreciente comercio de las metrópolis con las colonias y otras ciudades mediterráneas, sino también por el desarrollo que alcanzaron allí las técnicas de trabajo y de decoración. Las vasijas de cerámica se utilizan para guardar y almacenar alimentos y líquidos. Las mujeres las solían utilizar como utensilios propios del ámbito doméstico, ya sea en la cocina, como en el aseo personal y en las ceremonias en las que podían participar: las bodas y los funerales. Solían ser ovoidales e iban provistas de una tapadera que podía ir unida por un bramante a las dos asas laterales.
Top Bid 0 Euros Estimated Value 700 Euros	Auction Ends 25 Aug 2010 17:25	Lote: 30152691Figura. Cultura Sirio-Hitita, Oriente Medio. 2000 a.C. Personaje masculino con niño en barzos en terracota sin policromar. Restauraciones en pie y cabeza. Medidas: 13 cm (altura) Hitita (en hebreo, hittim), antiguo pueblo de Asia Menor y Oriente Próximo, habitó la tierra de Hatti en la meseta central de lo que actualmente es Anatolia (Turquía), y algunas zonas del norte de Siria. Invadieron la región, que comenzó a ser conocida como Hatti, hacia el 1900 a.C. e impusieron su idioma, cultura y dominio sobre los habitantes originales. Fundamentalmente la escultura Hitita consistía en relieves que representaban escenas de guerra y mitológicas, pero se pueden encontrar este tipo de esculturas exentas. La escultura hitita, en general, tiene una funcionalidad religiosa que prevalece sobre la finalidad propagandística con respecto a la figura del rey. Las estatuas son imágenes votivas en ruego permanente hacia los dioses. Tiene un sentido mágico porque adquieren vida propia, y forman parte de una realidad perenne. En la escultura de representación humana se plasma la necesidad de reafirmar la presencia de la figura en el espacio, para situarla ante los dioses. Esta concepción se materializa en una estatua bloque, inmóvil, que aparece atrapada en la masa pétrea. Los rasgos más importantes se reducen a formas esquemáticas, y los volúmenes se crean para acentuar la tridimensionalidad. Las masas se distribuyen alrededor de un eje axilar en perfecta simetría. La estatua se plasma en una figura geométrica, semejante a un cilindro o un cono, a la que el cuerpo de la figura adapta sus formas. Estas formas confieren unidad a las figuras y las hacen homogéneas, como encontramos pefectamente definido en este ejemplo.
Top Bid 0 Euros Estimated Value 500 Euros	Auction Ends 25 Aug 2010 17:05	Lote: 30152684Plato. Cultura Daunia, Magna Grecia. s. IV a.C. Plato en cerámica con decoración geométrica en policromía ocre. Intacto excepto por leves faltas en la policromía. Tiene dos agujeros en la parte superior seguramente para ser colgado. Medidas: 16,5 cm de diámetro. Las producciones cerámicas de la cultura Daunia se pueden fechar desde los siglos VIII y III a.C. existiendo distintas fases estilísticas. Fueron producidas por los pueblos nativos de la zona de Magna Grecia que convivieron con los griegos durante distintos siglos y adoptaron su costumbre de introducir en sus ajuares funerarios gran cantidad de vasos. A nivel estilístico pueden asemejarse a los vasos griegos geométricos o a la cerámica micénica. Su producción cerámica se caracterizó por una arcilla de color claro, decorada en ocasiones enteramente de un color o con motivos esquemáticos sencillos pincelados con engobes (arcilla diluida coloreada con óxidos metálicos) como en este caso mediante aros concéntricos a diferentes distancias y de distintos grosores.
Top Bid 70 Euros Estimated Value 600 Euros	Auction Ends 23 Aug 2010 17:25	Lote: 30152682Cuenco. Cultura Carchi-Nariño, zona entre Ecuador y Colombia. 800 – 1200 d.C. Cuenco en cerámica policromada con figuras antropomórficas esquemáticas usando la técnica llamada negativo del Carchi. Apertura circular en la parte superior. En buen estado de conservación. Medidas: 19 cm (diámetro). El nombre doble que recibe esta cultura es debido, en parte, a que se desenvolvió en una zona que comprende el departamento de Nariño, en el extremo sur de Colombia, y la provincia de Carchi, al norte del Ecuador. Es característico en su cerámica un tipo de pinturas con figuras de hombres que, por lo general, suelen ser alargadas, sin una correspondencia exacta con la anatomía humana y caracterizadas por una actitud hierática e inmutable. Destaca las pintura denominada en "negativo del Carchi" donde los ornamentos en negro a base de formas geométricas en las piezas contrastan fuertemente con el fondo de color rojizo.
Top Bid 0 Euros Estimated Value 1000 Euros	Auction Ends 25 Aug 2010 17:15	Lote: 30152680Huaco. Cultura Chimú, Perú. 1000-1500 d. C. Huaco en cerámica con barniz negro decorado con un relieve de dos felinos. En buen estado de conservación. Medidas: 16 x 18,5 cm La cultura Chimú fue una civilizacion precolombina perteneciente al denominado periodo Intermedio Tardío peruano, en la época de los Reinos confederados, que surge tras de la caida del Imperio Huari. Se cree que esta cultura se formó con la fusión cultural de la cultura Mochica y cultura Lambayeque. Su núcleo se encontraba en la ciudadela de Chanchán, próxima a la actual ciudad de Trujillo, y a 550 km al Norte de Lima. Se expande en su momento por un vasto territorio, llegando por el norte hasta Tumbes y por el Sur hasta el valle de Huarmey. La cerámica Chimú fue producida en gran escala mediante el uso de moldes y se caracteriza por ser monócroma, generalmente de color negro metálico, con la superficie pulida y decorada con motivos en relieve. Su brillo característico se obtenía humeando la vasija previamente pulida. La forma dominante es la botella de cuerpo globular y asa estribo, o bien vasijas con doble pico cónico y asa puente como en este ejemplo. Existieron una serie de pautas estilísticas propias que determinaban la realización de los modelos decorativos que caracterizan a esta cerámica, y la diferencian claramente de otras culturas del Perú prehispánico. Era característico la representación de animales en sus piezas, protagonistas de culto, bien por temor al daño que pudieran causar al hombre como en el caso del felino, o bien por los beneficios que le pudieran reportar, como en el caso de las aves guaneras.
Top Bid 60 Euros Estimated Value 500 Euros	Auction Ends 24 Aug 2010 17:15	Lote: 30152677Figura antropomorfa. Veracruz, México. 550-750 d. C. En terracota, de cara sonriente con tocado. Aparece de pie y con los brazos extendidos. Restaurada a partir de restos originales. Medidas: 12 cm de altura. A lo largo de más 3.000 años, el sur del actual territorio de México constituyó, conjuntamente con Belice, Guatemala y parte de Honduras, El Salvador y Costa Rica, una vasta área cultural donde habitaron diversos grupos étnicos y lingüísticos, denominada como conjunto "Complejo Mesoamericano". El Estado de Veracruz presenta una importante ocupación desde el quinto milenio a.C., y sería escenario del desarrollo de grandes culturas como la olmeca, la huasteca, la cultura de El Tajín (también conocida como del Veracruz Central) y la cultura nahua-otomí. Las culturas mesoamericanas se caracterizan por la evidente creencia de que la apariencia es la esencia de todo, y que los procesos de la vida pueden ser controlados por medio de exhibiciones artísticas dramáticas. Es característico de esta zona la realización de esculturas huecas en barro, con rasgos definitorios como las denominadas "caritas sonrientes" de cabeza triangular, y con un decorativo tocado como en este ejemplo. Son la representación de distintas personas, tanto de cuerpo completo como sólo del rostro, pero que tienen como característica común su sonrisa desmesurada.

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