Isidre Nonell

ISIDRE NONELL I MONTURIOL (Barcelona, 1872-1911).
“De la Teresa”, 1906.
Óleo sobre lienzo.
Firmado y fechado “nonell / 1906-” en el ángulo inferior derecho. Firmado “nonell” en el reverso, directamente sobre el lienzo.
En el reverso conserva cuatro etiquetas históricas, entre ellas la correspondiente a la exposición del Faianç Català de 1910, con el número 42 y el título manuscrito *De la Teresa*, así como una etiqueta de Barrachina & Ramoneda.
Estado de conservación: La obra no presenta repintes. Se observa una intervención de restauración destinada a reparar un corte limpio en el lienzo, localizado sobre el rostro de la protagonista.
Medidas: 58,5 x 48 cm; 83 x 70 cm (marco).

Adjunta estudio e informe de autenticidad emitido por la Dra. Glòria Escala Romeu, especialista en Isidre Nonell y autora del catálogo razonado de su pintura, fechado el 4 de agosto de 2026. La obra ha sido reconocida como original e incorporada al catálogo razonado de la obra pictórica del artista.

Exposiciones: “Exposició d’una gran part de les obres pintades i dibuixades des del 1900 per en Nonell*, Barcelona, Faianç Català, 15 de enero-13 de febrero de 1910, número 42, presentada con el título *De la Teresa*, según la etiqueta original conservada en el reverso.

Obra excepcional dentro de la producción de Isidre Nonell, tanto por su inequívoca condición de retrato individual como por la extraordinaria solidez de su documentación histórica. Pintada en 1906, representa uno de los escasos ejemplos en los que el artista se aproxima plenamente al género del retrato, abandonando la identidad deliberadamente imprecisa y las actitudes abatidas que caracterizan buena parte de sus figuras femeninas anteriores.

Nonell presenta a la modelo de tres cuartos, orientada hacia la izquierda, con la cabeza erguida y una actitud estable y consciente. Su mirada despierta y penetrante se dirige más allá del espacio pictórico, sin buscar el contacto directo con el espectador. Esta postura, unida a la definición de sus facciones y al cuidado del peinado y la indumentaria, transmite la presencia de una persona concreta y reconocible, no la de un tipo humano genérico o una figura construida únicamente como expresión de un estado de ánimo.
Especialmente significativo resulta el pendiente visible entre el cabello y la mejilla. En una producción caracterizada habitualmente por la austeridad de sus modelos, este adorno introduce un signo de distinción muy poco frecuente. Según señala Glòria Escala, no se conoce otra figura femenina de Nonell que aparezca ornamentada con pendientes o que presente indicios semejantes de una condición social relativamente acomodada. Este detalle refuerza el carácter singular de la pintura y su voluntad propiamente retratística.

La modelo emerge ante un fondo verde oliva desprovisto de referencias espaciales, recurso mediante el cual Nonell concentra toda la atención en la figura. La sobriedad del fondo contrasta con el rico cromatismo de la indumentaria: rosas, verdes, rojos y naranjas se articulan en el chal de motivos florales, una solución decorativa relacionada con pinturas cercanas como *Soledad*, de 1906, y *Maruja*, de 1907. El color deja de cumplir una función meramente descriptiva para convertirse en materia pictórica autónoma, dotada de intensidad y vibración.

El rostro está construido mediante pinceladas pequeñas y precisas, mientras que el cabello forma una masa oscura y compacta, apenas recorrida por breves vibraciones luminosas. La iluminación lateral incide sobre la frente, la nariz y las mejillas, acentuando el modelado y la rotundidad de las facciones. Hacia el busto, la pincelada se hace más amplia, libre y expresiva, organizada en haces cortos y paralelos que constituyen uno de los procedimientos más característicos del artista. La figura adquiere así una presencia sólida, casi escultórica, vinculada a la admiración que Nonell profesó por la obra de Auguste Rodin.

La pintura corresponde a un momento decisivo de su trayectoria. Tras el rechazo que habían suscitado sus exposiciones de 1902 y 1903 en la Sala Parés, entre 1906 y 1907 Nonell comenzó a recuperar su presencia en la vida artística barcelonesa. Sin abandonar por completo sus figuras ensimismadas y de tonalidades sombrías, introdujo mujeres de postura más erguida, expresión más serena y mayor individualización. “De la Teresa” constituye una de las manifestaciones más tempranas y significativas de este cambio de orientación.

Su participación en la gran exposición individual celebrada en el Faianç Català en 1910 reviste una importancia fundamental. Aquella muestra reunió más de ciento treinta óleos realizados entre 1901 y 1910 y supuso la definitiva consagración pública del pintor, después de años de incomprensión y escaso éxito comercial. Dado que no se editó catálogo, la etiqueta original conservada en el reverso —numerada y titulada— constituye una evidencia documental de especial relevancia, tanto para reconstruir la historia expositiva de la pieza como para fundamentar su autenticidad.

La identificación de la obra en una reproducción publicada por la revista *Art* en 1934, su inclusión en la monografía de Carolina Nonell de 1963 y su incorporación, con el número 141, al catálogo razonado de Glòria Escala completan una trayectoria documental excepcional. La confluencia de estas referencias históricas, bibliográficas, estilísticas y materiales otorga a *De la Teresa* una posición especialmente relevante dentro del corpus de Isidre Nonell y dentro de su reducida producción propiamente retratística.

Isidre Nonell (Barcelona, 1872 – 1911) fue una de las figuras más singulares de la renovación pictórica catalana de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Formado en la Escuela de La Lonja y posteriormente vinculado a los ambientes renovadores de Barcelona, participó en la Colla del Safrà junto a artistas como Joaquim Mir, Ramon Pichot y Juli Vallmitjana, grupo que impulsó una nueva sensibilidad alejada del academicismo dominante. Tras sus primeras investigaciones centradas en escenas populares y personajes marginales, en 1897 se trasladó a París, donde entró en contacto con las corrientes simbolistas y postimpresionistas. Allí expuso en espacios como el Salón del Campo de Marte y la galería de Ambroise Vollard, uno de los principales promotores del arte moderno europeo. Esta etapa fue decisiva en la evolución de su lenguaje, caracterizado por una pincelada expresiva, una intensa preocupación por la psicología del retratado y una personal utilización del color. A su regreso a Barcelona, Nonell desarrolló su producción más madura, centrada especialmente en el retrato femenino, donde alcanzó una extraordinaria profundidad emocional. Sus representaciones de mujeres gitanas y de figuras anónimas, lejos del costumbrismo, se convirtieron en una reflexión sobre la identidad, la dignidad y la condición humana. Su pintura, de fuerte personalidad y adelantada a su tiempo, ejerció una influencia fundamental en la evolución del arte catalán hacia la modernidad.
Actualmente su obra forma parte de las colecciones de instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), el Museo Thyssen-Bornemisza, la Fundación MAPFRE y el Museu de l’Empordà, entre otras