Escuela italiana; finales del s. XIX.

Escuela italiana; finales del siglo XIX.
“Safo”.
Alabastro tallado.
Presenta faltas y pérdidas.
Medidas,:111 x 38,5 x 38,5 cm.
Esta escultura en alabastro representa a la poetisa griega Safo y sigue de manera explícita el célebre modelo concebido por James Pradier, cuya versión en mármol se conserva en el Museo del Louvre (inv. RF 2499). De hecho el modelo alcanzó tal popularidad que en ejemplar en bronce de tamaño medio fue presentado en el Salón de 1848 (n.º 4882), lo que contribuyó decisivamente a la difusión del tipo iconográfico y a su posterior reinterpretación en distintos materiales y formatos a lo largo del siglo XIX.
La figura muestra a Safo de pie, envuelta en un peplo de delicados pliegues que se adhieren al cuerpo y revelan una concepción idealizada de la anatomía femenina, heredera del clasicismo académico. La poetisa apoya uno de sus brazos sobre una columna jónica fragmentada, recurso iconográfico que alude tanto a la Antigüedad clásica como a la noción romántica de ruina y memoria. En la otra mano sostiene una lira parcialmente velada por los paños, atributo que la identifica inequívocamente como símbolo de la poesía lírica. La cabeza, suavemente inclinada, y la expresión contenida del rostro sugieren una introspección melancólica acorde con la imagen decimonónica de Safo como figura trágica y sublime.
El pedestal, de planta cuadrangular y articulado en molduras de inspiración clásica, incorpora en su frente un relieve con la escena del rapto de las sabinas, motivo tomado de la historia romana que introduce una dimensión narrativa suplementaria. Esta inclusión responde al gusto historicista del periodo, integrando en una misma pieza la evocación de la Grecia arcaica, encarnada en Safo y un episodio emblemático de la Roma legendaria. El relieve inferior, tratado con minuciosidad y profundidad moderada, evidencia la destreza técnica del taller y refuerza el carácter escultórico integral del conjunto.
La elección del alabastro, material apreciado en la producción italiana decimonónica por su translucidez y su capacidad para captar sutiles gradaciones lumínicas, confiere a la obra una cualidad translucida. La superficie pulida acentúa la suavidad de los volúmenes y potencia el efecto idealizante propio del academicismo tardío. Esta obra debe entenderse en el contexto de la amplia recepción y reproducción de modelos escultóricos consagrados por el Salón parisino y por la escultura académica de la primera mitad del siglo XIX. Los talleres italianos, particularmente activos en la exportación de esculturas decorativas hacia los mercados europeos y americanos, reinterpretaron con frecuencia composiciones célebres, adaptándolas a distintos formatos y materiales. En este sentido, la presente obra constituye un testimonio elocuente de la pervivencia del ideal neoclásico y de su asimilación dentro del gusto ecléctico de finales del siglo XIX.