Pablo Picasso

PABLO PICASSO (Málaga, 1881 – Mougins, Francia, 1973).
"Bouquet à la pomme" (A.R.307). 1956.
Plato de cerámica.
Fechado "22.01.56" (en la parte inferior).
Estampado "Madoura Plein Feu / Empreinte Originale de Picasso".
Edición de 400 ejemplares.
En buen estado.
Bibliografía: Alain Ramié, Picasso catalogue de l'oeuvre céramique édité 1947-1971, Vallauris, 1988, no.307.
Medidas: 25 x 25 cm.

Esta pieza, concebida el 22 de enero de 1956, representa un momento de plena madurez en la producción cerámica de Picasso. Creada casi una década después de su llegada a Vallauris, demuestra el dominio absoluto que el artista había alcanzado sobre el medio, utilizándolo no ya como un simple soporte pictórico, sino como un vehículo para su genio gráfico y escultórico.

En 1956, Picasso ya era el motor artístico de Vallauris y el Taller Madoura, dirigido por Suzanne y Georges Ramié, era su laboratorio personal. Había superado la fase inicial de "decorar" cerámica existente para pasar a crear formas desde cero y, de manera crucial, a desarrollar técnicas que fusionaban la cerámica con el grabado. "Bouquet à la pomme" es un ejemplo paradigmático de esta segunda fase, más sofisticada.

Picasso grabó el diseño en negativo, con la misma seguridad y decisión con que atacaba una plancha de cobre. Posteriormente, la arcilla fresca de cada uno de los 400 ejemplares se prensaba contra esta matriz original. El resultado es que el dibujo no es una línea en relieve que emerge de la propia superficie del plato.

Al ser una "empreinte", la obra depende enteramente de la línea. El estilo es eminentemente lineal y esquemático. Cada línea incisa es definitiva, rápida y llena de energía. Se puede sentir la mano del artista "dibujando con el cuchillo" en el molde original.

Creador del cubismo junto con Braque, Picasso inicia sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Tan sólo dos años después, en 1897, Picasso realiza su primera muestra individual, en el café “ElsQuatreGats”. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Se interesa entonces por Cézanne, y partiendo de su ejemplo va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que ocurre con Goya, a Picasso también le influye en gran medida la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, frecuentemente tumultuosas, van a afectar seriamente a su obra. Sin embargo, lo que mayor impacto tuvo en Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes de todo el mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.