Luca Giordano

LUCA GIORDANO (Nápoles, 1634 – 1705).
“Noli me tangere”.
Óleo sobre lienzo. Reentelado.
Confirmad por el Dottore Nicola Spinosa.
Precisa restauración.
Medidas: 72 x 55 cm; 86 x 68 cm (marco).

Iconográficamente la obra en licitación representa el “Noli me tangere”, literamente “no me toques”, son las palabras que Jesucristo dijo a María Magdalena después de la resurrección. La cita corresponde a Juan 20:17. La expresión original en griego sugiere una acción que continúa en el tiempo, por lo que quizás una mejor traducción sería: “no me retengas”. María Magdalena es un personaje principal de la Pasión y muerte de Jesucristo, que está al pie de la cruz en su Crucifixión, y que es de hecho la persona que se adelanta a Pedro y Juan en ir al sepulcro en la mañana de la Pascua, y la primera a la que Jesús se aparece resucitado. María va al sepulcro y lo ve abierto, por lo que cree que han robador el cuerpo, por lo que se suma a su dolor la pérdida del cuerpo que cree profanado. Cuenta el Evangelio que se inclina hacia el sepulcro y ve dentro dos ángeles sentados que le preguntan por qué llora; al volverse, se encuentra de frente a Jesús, pero sus lágrimas no le dejan ver, hasta que Él la llama por su nombre. Entonces le dice Jesús: “No me toques, que todavía no he subido al Padre. Pero vete donde mis germanos y diles: Subo a mi Padre y vuestro Padre, a mi Dios y vuestro Dios”. A primera vista se trata de una frase desconcertante pero, como ya hemos indicado, para comprenderla hay que recurrir al griego, idioma en que fue escrito el evangelio, y escudriñar la estructura gramatical original. Así, la frase debería interpretarse como “No me retengas, que yo aún no he subido con el Padre y tú debes apresurarte a anunciar mi resurrección a los apóstoles”. Es como si le dijera a María que cuando Él estuviera en el cielo con su Padre ella podría abrazarlo todo el tiempo que quisiera, pero que en ese momento debía apurarse y avisar a sus hermanos. En el arte, este episodio conocido como “Noli me tangere” es uno de los más difundidos desde el Renacimiento. El tema suele ser representado en un huerto, en un bosque o en el jardín del Edén, pero en este caso el escenario se elimina, en un recurso muy propio del barroco naturalista napolitano, para centrar la atención del espectador en las dos figuras protagonistas.

Pintor y grabador, conocido en España como Lucas Jordán, Giordano gozó de gran popularidad en vida, tanto en su Italia natal como en nuestro país. No obstante, tras su muerte a menudo se le reprochó a su obra la rapidez de ejecución, opuesta a la estética grecolatina. Se cree que se formó en el entorno de Ribera, cuyo estilo siguió en un primer momento. Sin embargo, pronto viajará a Roma y Venecia, donde estudió a Veronés, cuya influencia se percibe desde entonces en su obra. Este viaje fue clave para la maduración de su estilo, así como también las influencias de otros artistas como Mattia Preti, Rubens, Bernini y, sobre todo, Pietro da Cortona. A finales de la década de 1670 Giordano comenzó sus grandes decoraciones murales (Montecassino y San Gregorio Armeno en Nápoles), a las que siguieron desde 1682 otros proyectos, entre los que destacan las pinturas murales de la galería y la biblioteca del Palacio Médici Ricardi de Florencia. En 1692 fue llamado a Madrid para realizar obras murales en el monasterio de El Escorial, y allí trabajará entre 1692 y 1694. Seguidamente realizará también las pinturas del despacho y el dormitorio de Carlos II en el Palacio Real de Aranjuez, y después de éstas acometió las del Casón del Buen Retiro (h. 1697), la sacristía de la catedral de Toledo (1698), la real capilla del Alcázar y San Antonio de los Portugueses (1699). No obstante, los encargos reales cesaron con la llegada de Felipe V en 1701 y el inicio de la Guerra de Sucesión, por lo que Giordano regresará a Nápoles en 1702, si bien desde allí continuará enviando pinturas a España. Actualmente se conservan obras de Giordano en las más destacadas pinacotecas de todo el mundo, entre ellas el Museo del Prado, el Hermitage en San Petersburgo, el Louvre en París, el Kunsthistorisches de Viena, el Metropolitan de Nueva York y la National Gallery de Londres.