Escuela flamenca; s. XVII.

Escuela flamenca; siglo XVII.
“Piedad”.
Óleo sobre lienzo. Reentelado.
Medidas: 165 x 124 cm; 184 x 143 cm (marco).
La presente obra se adscribe a la escuela flamenca del siglo XVII y sigue de manera evidente el célebre modelo de La Piedad de Anton van Dyck conservado en el Museo del Prado (P001475), una de las formulaciones más influyentes del tema en el barroco europeo. La composición reproduce el esquema esencial ideado por el maestro flamenco: la Virgen sostiene el cuerpo exánime de Cristo en una disposición piramidal, marcada por un intenso diálogo emocional entre las figuras y por la elegancia contenida del gesto y la actitud.
Desde el punto de vista estilístico, la obra revela una asimilación madura del lenguaje vandyckiano, caracterizado por la nobleza de las figuras, la suavidad del modelado y la delicadeza expresiva de los rostros. No obstante, frente a la versión del Prado, esta pintura opta por una paleta sensiblemente más oscura y cerrada, con predominio de tonos terrosos, pardos y negros profundos, que intensifican el dramatismo de la escena y refuerzan el clima de recogimiento y dolor contenido. El claroscuro se utiliza de forma eficaz para destacar los cuerpos sobre un fondo neutro y sombrío, concentrando la atención del espectador en el grupo principal.
La calidad pictórica se aprecia en el tratamiento de la anatomía de Cristo, resuelta con naturalismo y sutileza, y en el cuidado con que se describen los paños, de pliegues amplios y fluidos, que envuelven las figuras sin restar protagonismo a la expresión emocional. La pincelada, aunque menos refinada que en la obra autógrafa de Van Dyck, demuestra seguridad técnica y un conocimiento sólido de los recursos del barroco flamenco, especialmente en la gradación de luces y en la transición de los tonos carnales.
En el plano iconográfico, la Piedad se presenta como una imagen de intensa carga devocional, destinada a suscitar compasión y meditación sobre el sacrificio de Cristo y el dolor de la Virgen. La serenidad del rostro mariano, más resignada que desgarrada, responde a un ideal de belleza espiritualizado, heredero tanto de la tradición flamenca como de los postulados contrarreformistas, que buscaban una emoción profunda pero controlada. El cuerpo de Cristo, abandonado y pesado, actúa como eje visual y simbólico de la composición, subrayando la humanidad del Redentor.
La relación con el modelo de Van Dyck no debe entenderse como una mera copia, sino como una reinterpretación dentro de un contexto devocional distinto, probablemente adaptada al gusto de un comitente que privilegiaba una atmósfera más austera y sombría. Este tipo de versiones tuvo amplia difusión en el siglo XVII, contribuyendo decisivamente a la expansión del lenguaje vandyckiano por Europa.