Círculo de Bartolomé Esteban Murillo

Circulo de BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (Sevilla, 1617 – 1682); finales del siglo XVIII.
“Virgen de la leche”.
Óleo sobre lienzo. Reentelado.
Medidas: 156 x 116 cm; 145 x 104 cm (marco).
La presente obra, adscrita al círculo de Murillo y fechable a finales del siglo XVIII, recrea uno de los modelos iconográficos más célebres del maestro sevillano: la Virgen de la Leche o la Madonna Gitana, tema en el que la humanidad cotidiana de María se funde con la dimensión sagrada de la Encarnación. La composición, centrada en las figuras de la Virgen y el Niño, responde a un esquema de gran sencillez formal y fuerte intensidad emocional, característico de la producción madura de Murillo hacia 1675.
El modelo seguido remite de manera directa a la conocida versión conservada en la Galleria Corsini de Roma, obra que alcanzó extraordinaria fama durante el siglo XIX y que fue descrita con entusiasmo por Gustave Flaubert durante su estancia en la ciudad en 1851. El escritor evocó la fuerza magnética de la cabeza de la Virgen y la intensidad de sus ojos, convertidos en verdadero foco expresivo del cuadro. Aquella pintura, popularmente llamada “Madonna Gitana” por el carácter natural y casi popular de sus rasgos, ejemplifica la capacidad de Murillo para traducir el tema religioso a términos de “narración familiar”, despojándolo de solemnidad excesiva y acercándolo al espectador mediante una intimidad afectiva profundamente conmovedora.
Los ojos de la Virgen, dirigidos hacia el espectador, generan un vínculo directo que parece interrumpir el instante del amamantamiento, sugerido por el leve desplazamiento de las telas. Esta solución responde a las orientaciones iconográficas posteriores al Concilio de Trento, que tendieron a hacer menos explícita la representación del acto de lactancia, privilegiando en cambio la sugerencia y la decencia formal sin renunciar al contenido teológico de la maternidad divina.
El tratamiento lumínico, suave y envolvente, modela las carnaciones con delicadeza y crea una atmósfera cálida, de tonalidades ambarinas y azules profundos, evocadora del lenguaje murillesco. La dulzura de los tipos, la redondez idealizada de los rostros y la composición cerrada sobre las figuras revelan la pervivencia del estilo del maestro sevillano en ámbitos devocionales tardíos. Durante el siglo XVIII, la reiteración y adaptación de sus modelos fue frecuente tanto en Andalucía como en otros contextos hispanos, prueba del arraigo y prestigio de su pintura.
El reentelado documenta intervenciones de conservación posteriores, testimonio de la estima prolongada por este tipo de imágenes destinadas a la devoción privada o a espacios eclesiásticos.